On the eve of his centenary in 2018, Sony Classical releases the most important collection, Leonard Bernstein’s classic American Columbia recordings, remastered from their original 2- and multi-track analogue tapes. This has allowed for the creation of a natural balance (for example, between the orchestra and solo instruments) that brings the quality of these half-century-old recordings, excellent for their time, up to the standards of today’s audiophiles. In addition, there has been a meticulous restoration of some earlier masterings in which LP surface noise was too rigorously eliminated at the expense of the original brilliance.
This is unquestionably the most comprehensive display of the legendary American conductor’s unparalleled dynamism and versatility ever offered in a single package. Many of Bernstein’s most memorable and critically acclaimed interpretations are brought together here.
Space permits only the mention of highlights, but they will give you a sense of the breadth and depth of this astonishing new set. There are his two classic complete opera recordings with the Vienna Philharmonic: Verdi’s Falstaff (1966) starring Dietrich Fischer-Dieskau and Strauss’s Rosenkavalier (1971) with Christa Ludwig, Gwyneth Jones, Lucia Popp and Walter Berry. Plus, his incandescent complete 1966 Haydn Creation from New York. Bernstein’s New York Philharmonic recordings that launched the “Mahler Renaissance” in the 1960s are here, of course, including the 1961 Third Symphony which has arguably never been surpassed. Ditto for Carl Nielsen, whose great works Bernstein brought to a wide new public with interpretations like the 1962 NYP recording of the Fifth Symphony, perhaps the most thrilling account of this 20th-century masterpiece ever committed to disc. The Sibelius Fifth recording from 1961 is another celebrated Bernstein reading. And while we’re talking about Fifth Symphonies, Bernstein’s Beethoven Fifth from 1961 is still as electrifying now as it was then. His talk about the work is also included, one of many treasurable spoken-word commentaries in this set delivered by one of classical music’s most charismatic and influential lecturers and teachers. Naturally there’s Mahler, Nielsen, Sibelius and Beethoven in the new collection, not to mention Bach and Vivaldi, Haydn and Mozart, Schubert and Schumann, Berlioz and Liszt, Brahms and Bruckner, Dvořák and Smetana, Bizet and Offenbach, Tchaikovsky and Rachmaninoff, Saint-Saëns and Poulenc, Grieg and Fauré, Stravinsky and Hindemith, Bartók and Berg, Ives and Copland, Prokofiev and Shostakovich, Richard and Johann Strauss – symphonies, overtures, symphonic poems, dances, choral and vocal works as well as countless great concertos with soloists like Isaac Stern and Glenn Gould, not to mention Bernstein himself in Gershwin’s Rhapsody in Blue.

自爱尔兰作曲家 John Field 创作出“夜曲”这种曲式后，肖邦将它变作诗意与想象力的载体，以音乐意象与繁复技巧，将这一沙龙音乐提升为更高级的艺术享受。同样来自波兰的亚瑟·鲁宾斯坦便是肖邦作品的最佳诠释者，肖邦的音乐像河流一般滋养着他的音乐生涯，催生了诸多经典演绎。本系列的夜曲是他生涯晚期的作品，流泻出温柔简洁而又澄净内敛的音乐之美。

在这张CD里，女中音Frederica von State只唱了二首歌，其中一首是「妈妈教我的歌」。但是，就这二首歌就足以让她入选。短短的二首歌，但是她表现出圆润甜美与厚实的嗓音却让人赞赏再三。除了女主角之外，这张CD的其它节目也是所有女中音演唱CD所没有的。您同时还可以听到帕尔曼、马友友、Rudolf Firkusny以及小泽征尔指挥波士顿交响乐团的精彩演出。这张是1993年12月16日在布拉格史麦塔纳厅所录下的，全部都是德弗札克的作品。没想到在这个厅里所录下的音质会这么的优美，我建议所有古典乐迷都要买一张.——摘自《刘汉盛榜单100碟》

莫札特除了「音樂神童」的封號外，其實他還是繼韋瓦第之後又一位協奏曲高手，古典形式的協奏曲在他手中奠下藝術性與娛樂性並重的基礎。不同於巴洛克時作曲家以量取勝，莫札特注重協奏曲的質，除了5首小提琴協奏曲外，27首經典的鋼琴協奏曲，4首法國號協奏曲以及豎笛（又稱單簧管）協奏曲、長笛協奏曲、低音管協奏曲、雙簧管協奏曲等為木管樂器所寫的協奏作品，都傳頌至今。
A大調豎笛協奏曲K622，是莫札特一生中最後的一首協奏曲，同時也是唯一的一首豎笛協奏曲。這首作品在音樂史上有何重要地位，竟能改變豎笛的命運？它的曲調究竟是如何地優美？讓許多樂迷被誘身陷古典的世界，連電影「遠離非洲」都以它為配樂。
創作背景
不少作曲家如：Crusell、Spohr、Weber、Standford、Finzi、Berkeley也寫有豎笛協奏曲，不過還是以莫札特這首K622最有資格稱為「豎笛協奏曲中的協奏曲」。此曲不僅名氣大，更是影響豎笛這項樂器日後的發展至鉅。
豎笛在木管家族中是較晚發展的遲來者，一直到十八世紀樂器本身的發展才較完備。在海頓時代，豎笛在樂曲中大多扮演和聲的綠葉角色，沒有機會獨挑大樑。然而，莫札特顯然對豎笛相當感興趣，不僅給這項樂器更大的發揮，在配器上上也比海頓更為精細，雖然他早期作品木管的重點依然在雙簧管身上，不過到了晚期則明顯轉移到單簧管身上。主要的分水嶺是1778年莫札特受到曼海姆樂派的影響，在許多樂曲中逐漸讓單簧管扮演重要角色，交響曲裡亦然。
而要說到莫札特的豎笛協奏曲創作經過，當然要提到巴塞管（Basset）這項樂器以及安東史達勒（Anton Stadler）這位仁兄。巴塞管是種音域比豎笛低五度的樂器，外型看來像是小一號的低音豎笛，在那個時代該樂器相當普遍。它的音色莫札特相當喜歡，1789年莫札特原本想為巴塞管寫協奏曲（K621巴塞管協奏曲），但是在寫了199小節後便停筆了。
共濟會會員安東史達勒在當時是實力最強的豎笛（巴塞管）演奏家，受到他演奏技巧的激勵，莫札特於1791年9月到11月為史達勒寫作豎笛協奏曲，第一樂章就是取材自原本為巴塞管而做的協奏曲，莫札特給予豐富聲部並移調至A大調，同時二、三樂章重新編寫。誰也沒想到這首獻給史達勒的豎笛協奏曲，竟然經典地流傳了兩百多年。其實除了豎笛協奏曲外，莫札特所寫的豎笛五重奏、「Kegelstarr」豎笛三重奏也都是提獻給史達勒，由此可見一位傑出演奏家對作曲家的激勵性有多強。如果當年沒有史達勒，今天我們便聽不到如此悠揚動聽的K622。其中最為動聽的第二樂章慢板，還在電影「遠離非洲」中被運用而家喻戶曉。
寫作技法
又稱作單簧管的豎笛與雙簧管的音色特質相當不同，豎笛在高、中、低音域的音色表現力都有很大差異，因此表現幅度為木管樂器中最為顯著。雖然在莫札特之前的管弦樂曲中不常使用此樂器，但是莫札特卻首開先河為豎笛寫協奏曲，同時啟發韋伯等後世作曲家的靈感。
一般而言豎笛分成降B調、A調豎笛兩大類，另有音域較高、形體較小的的降E調豎笛以及較不常用到的C調豎笛。莫札特用A大調寫作此曲據說一來是他自己對該調性較為偏愛，二來與與史達勒喜好吹A調豎笛有關。在當時史達勒所用的是特殊豎笛（巴塞管），它具有較廣的音域、較大的表現幅度。不過樂譜在1801年出版時被編輯者改成適合一般標準豎笛演奏的版本（此時莫札特已經過世十年），當年莫札特所寫的真正原貌已經遺失，但所幸編輯過的樂譜依然未減損莫札特原曲的藝術性。
此曲為標準的兩管編制，快、慢、快三樂章的協奏曲。
第一樂章快板四四拍子，奏鳴曲式。此樂章的長度超過大部份莫札特的交響曲，不過與一般協奏曲首樂章不同的是，莫札特並沒有在此樂章結束前安排Candenza。溫暖柔情的第一主題先由管弦樂團演出一遍，並得到充分的發展後，才由豎笛接著吹奏出，主奏與協奏便進入交織融合的階段，之後再由豎笛吹出小調充滿多愁善感的第二主題。進入發展以前，豎笛有一大段精彩表現激勵樂團的士氣。發展部也是以第一主題為主軸發展，豎笛在此有更多的表現機會。
第二樂章慢板三四拍子，三段歌曲形式。充滿感情的第二樂章具有寧靜、富張力的性格，豎笛吹奏出宛如歌劇詠歎調的旋律，音樂整體聽來有濃厚的室內樂風格。主奏樂器頗多下行音階的處理，伴以樂團輕柔的合音，在一切講究細微舒緩的美感下，將第一樂章情緒淡化、降溫不少。主奏豎笛的音色表現在此樂章受到極大挑戰，不僅要有豐富的表情又不能失去音樂質樸的感覺，是頗為兩難的詮釋。
第三樂章快板六八拍子，迴旋曲式。是標準的歡愉中帶有深層感傷的莫札特，如果主奏與樂團只看到樂曲歡愉的表象，將會使詮釋流於膚淺不耐聽的局面。因此在遊戲般的快速音群轉圜時，誰的演出注重到深層的情緒將是此曲演繹的最高境界。
此曲1791年10月在維也納完成，11月18日莫札特親自指揮剛完成的Masonic清唱劇K623演出，兩天後他覺得身體不舒服，12月5日便溘然過世，臨死之前沒有機會聽到這首傑作被公開演奏。樂譜於1801年出版當時他已經過世十年了。