圆缺，是月球盈匮的天体运动，也是人间聚合离散、永恒缺憾的象征。郑宜农继《水逆》探索语言与沟通的孤独本质后，以《圆缺》叩问生命中无法回避的缺憾。专辑以十首台语歌创作，郑宜农携手制作人 Chunho（南瓜妮歌迷俱乐部的团长何俊苇），展开从伤痕记忆到情感依存等在“圆缺”光与暗之间往复的过程，融合 Techno、氛围音乐、Dream Pop 等元素，在电子声响与诗性叙事的交叠中，构筑一场跨越语言的共感实验。Apple Music 特别邀请郑宜农聊聊在专辑主题、语言、曲风上的选择，分享这张专辑的创作和制作历程。

<b>到了可以写“缺憾”的生命阶段</b>
在筹备专辑的过程里，郑宜农说自己和 Chunho 经历了一整年不断地互相挑战和辩证，去整合他们有关“缺憾”的思考。“想到的关键词包括‘时间’‘生命’‘伤痕’和‘沟通’等等。”郑宜农分享道，“讲缺憾，其实根本就是在讲‘人是什么’，为什么我们会让这些缺憾发生。”“我好像走到了一个阶段——我终于可以把这些主题写好了，我知道怎么写它是最适切的。它们可能是长期埋在我心里面的、单纯属于我个人的缺憾。”她感慨。

《未曾准备好》从具象的生死无常出发，“刚好我们家养了 18 年的猫过世的隔天，我写了这首歌，它其实是以一个很悲伤的故事为基底。”郑宜农也试着将个人在咀嚼的缺憾投射到更宏大的议题上，试图直视一些“人类世界会发生的，但其实始终被我们认为应该是不合理的事情”。她提到《留伫咱的血内底》，这首歌的主题是“历史伤痛”。“其实它不仅仅是台湾这块土地上发生的事，它也是一个全人类的议题，就是人类世界不断的重复出现的可以称之为悲剧的东西，这个东西它一直都存在，它始终没有获得解决。”郑宜农说，“我们去直视它的时候才能够创造一个空间，让大家在里面摆放隐藏在自己心里的，对于不合理的感受到的痛或者是受到的伤害，甚至直接是当事人他们受到伤害，可以有一个摆放的空间。”而这也是她当初为专辑定下“缺憾”主题时，就笃定的事。

<b>圆满不一定是终点</b>
专辑曲目编排以郑宜农与韩国歌手李泷 Lang Lee 共同创作的《宽宽仔来到祢的面前》为分界，前半段直面历史伤痕，后半段转向依存与和解，最终以《圆缺》的弦乐与短笛收束，象征“接受缺憾是生命必经之道”。“因为要让‘缺憾’走向圆满，应该是要在中间就问出那个最大的问题，那句‘为什么’，去问那个最大的——所谓的神或者全知的某某。但其实发现根本就没有答案。然后才能进到下一步，开始去感受什么是‘爱’。”

沿着这个思路，专辑原本有个从遗憾到圆满的顺向叙事排序。“但是最后没有这么做，是因为我们发现那样太顺了，顺到好像一整张听完就真的要圆满了那样。”郑宜农解释道，其实这张专辑是没有句点的，并不是说我们最后就什么都懂了、找到自己的哲学了、从今以后都可以跟遗憾和平共处了，我们是想让最后留在一个问号上。”

“所以，前面不能那么顺的状况，最后是一边充满遗憾一边走向‘人有悲欢离合’，走向在平淡的生活中体验人为何物，并且接受我们没有解答的人生。”

<b>语言是缺憾的根源，台语是具象化缺憾的载体</b>
郑宜农直言，选择台语创作《圆缺》是一种直面缺憾的过程。“我们的世界被不同的语言分割，然后要花非常大力气去重新学习，才能真正理解彼此。这本身就是一个要使我们谦卑的考验。所以我想用台语在我、还有我的同辈身上都补写某种分裂、某种断裂以及失落感的语言，我想要用努力捡回来的这个语言，去具体化缺憾，所以它本身就是一场实验。”除了台语，专辑里还加入英语和韩语，郑宜农分享道：“在这样的实验里面，我又融合了各式各样其他的语言，其实语言本身是缺憾，但是当你很自然地把它们融合在一起的时候，它有没有可能达到某一种圆满，在一首歌里面它圆满了。这个是我在写的时候，想要找到的那个东西。”

郑宜农在专辑中也尝试寻找台语文化的缺憾，比如《讲袂出嘴的彼个字》这首歌，“其实就是基于台语文化而诞生的，我们非常难用台语去讲‘我爱你’。在台语家庭这件事情很难成立，那我挑战用这个字、用这个语言去讲我爱你的话，它会是怎么样，会多么的别扭，我想把这个别扭体现出来。”

<b>台语创作启发了新的创作人格</b>
“因为台语是一个正在被重新捡回来的语言，所以我们会面对很严格的（关于台语使用正确性的）检视，我可以理解它的必要性。”郑宜农分享自己最初用台语创作歌曲被纠正时，还很不甘心，认为听感才是最重要的，但改正后，却有了新的发现。“我每改完一句，再重新回头去唱的时候，会发现它其实比原本的更有韵味或者是有一种 flow。还有，它的情感会变得比以往更浓郁，就算我轻轻地唱，听起来却很像讲话，会让人觉得瞬间理解了一些什么。”这些收获让她转变了写歌的思维模式。“等到我回头去写华语的时候，我开始对自己的词曲咬合变得很严格。然后发现我的曲式变了，不再是以前郑宜农的思维，或在郑宜农思维基底之下长出了一个更丰富的样子。这是我在写台语歌上面获得的第一个学习。我现在心里是崇敬、尊敬词曲咬合，我发现它是一个道理，这个道理它教会了我谦卑，让我变成一个更好的创作者。”

“台语的浓郁在于即使它是隐喻，通常也都是很具象的意思去处理。比如有一首歌叫‘pháinn-mih-á’《歹物仔》，其实‘歹物仔’在台语里面，通常我们会讲‘拄著歹物仔’是遇到鬼、遇到不好的东西。我是因为先想到‘歹物仔’这个词，然后我就想要把它写进歌里。那‘歹物仔’什么，撞鬼的感觉是什么？有没有可能是撞到自己心里的鬼？”沿着这个思路，郑宜农想到一些人们在心里突然长出“歹物仔”的瞬间，“因为我们可能没有那么认同当下的处境，我们没有那么认同对方的状态或是对方说的话，没有那么认同对方，就是像一颗气球一样逐渐升起来的自恋，所以在这个时候心里长出了‘I don’t really care’那个东西。”

而把这些呈现在歌曲里，对于郑宜农来说，像是“长出了一个、其实本来就存在在我的体内，只是没有想过可以用在创作里面的人格”。于她而言这是一份收获：“台语确确实实地让我体会了我不知道的事情，然后我开始去做它。”

<b>电子声响与台语的碰撞</b>
在说到选择电子乐作为专辑的主打曲风时，原因除了郑宜农和制作人 Chunho 对电子乐纯粹的喜爱之外，他们还发现了台语与电子乐的契合。郑宜农分享：“其实某种程度上也是台语在督促我们往更电的地方前进。当台语放进电子乐里面的时候，它的词曲咬合跟电子乐节奏的关系，跟电子乐声长的关系，然后还有一些专属台语歌特别显得浓烈的主题，跟电子乐之间结合起来、碰撞出来的火花等等，一来一往、就是去把它们组合在一起的过程，带给我们非常大的乐趣。”

对郑宜农来说，这也不仅仅是“单纯音乐性的思考”和“好玩的实验”，更多了一层“关于语言、创作与音乐”关系的考虑。“我们会去想电气化、电子乐这个东西，然后回到这个语言的未来性是什么——我们该怎么用这个音乐的语汇去诉说它，我们该怎么样去表达我们这一代，跟这个语言之间的关系。”

<b>每一首歌的尾奏都是一条转折的道</b>
郑宜农提到这次专辑有个不同以往的革新，“一个以往我写歌方式不会创造出来的东西”。她介绍：“我们每一首歌的结尾都有展开一个叙事，就是尾奏都会有一些符号性的，或是情境式的，或长或短的转折。”比如《一寡时间》失衡的 detune 音效与鸟鸣，象征在关系中“努力拉回平衡”的挣扎；《未曾准备好》以倒转的电子音阶模拟“时间回溯”，呼应梦境与现实的交错；《牵我》尾声突现海底嗡鸣声，隐喻情感传递的孤独与渴望；《圆缺》最后加入了短笛、弦乐，用声音开出一条生命的“道”——踩踏着无限缺憾的碎片走向彼此。“它其实是一个我找到了跟你说‘给我一点时间’的方式，在我找到的那个瞬间，我心里的失衡最后走向了我心里的自由。”

<b>跨媒材共感：影像与音乐的平衡术</b>
过往担任过导演、策展人的郑宜农，对音乐和影像的关系有着自己的思考，她分享：“一个好的音乐跟影像的关系，我认为应该不是堆叠上去，比如说我今天讲的伤痕，然后影像再去把伤痕强大、强化，不是，而是它可以补足这首歌没有讲的空间，变成一个相呼应的关系。”

“很幸运，我们这次有韩国团队，也有本地团队，都是超级棒的创作者们，而且都是女性。”郑宜农将《真罕得想起来》的 MV 交给韩国导演 iida Choi 完成，得到了影像对音乐的补充。“《真罕得想起来》在讲暴力幸存这件事情。导演提出来一个自己跟自己的无限轮回的对战，她用了惊悚片的方式去讲述。我觉得太棒了，因为这就补充了这首歌它没有讲到的，它在讲的事情毕竟还是对外的，就是我想要去爱、我想要当一个正常人、我想要不被当一个受害者，可是其实最终是自己跟自己的战斗。”

<b>专辑小巧思</b>
郑宜农分享了两个有待听众发现的文字设计。“我希望听众可以有空去玩味一下歌词中的文字巧思。例如，《留伫咱的血内底》在歌名上面是留下来的留，可是如果大家仔细看歌词内容的话，有一句会变成流动的流。它其实是停留的，可是它又是在流动的。或者是像第三人称，就是 ta，如果把 ta 普通话化之后，会出现人部的‘他’、女部的‘她’，跟神的‘祂’，然后 ta 们会不规则地转换，那不规则的转换其实都有它的意思，我会希望大家可以去发现它。”

“然后另外在我们公布专辑的背面，所有的歌名同时也有英文翻译，就有人发现其实英文翻译两首歌连在一起会有新的意思，就是它会长出一个故事。例如说第一首歌叫做《Rarely Think of It》，第二首是《Remains in Our Blood》，所以它连在一起就会变成一个完整的意思（很少去回想它，但它却一直存在于我们的血液之中）；然后第三首是《The Bad Things》，第四首是《Never Been Ready》之类的（连在一起意思是：从未准备好面对糟糕的事情）。有听众发现，我觉得很开心，因为翻译也是我们专辑企划的一个巧思。”

“这是原子邦妮的第十张专辑，但也是我们的第一张’概念’专辑，歌曲的排序从第一首到最后一首，都是连贯起来的故事，像是人生不同阶段线性状的发展。”原子邦妮向 Apple Music 概括性地介绍了新作《和你一起的风景未完待续》。专辑讲述了一段爱情和人生的旅程，从懵懂的恋情到骤然的心碎，从无忧无虑的陪伴到孑然独行的救赎，一路上风景变幻，有灿烂明媚的心动瞬间，也有孤独坠落的无光深渊。而对于原子邦妮的两位成员来说，这样的概念叙事或许并非只是虚构一个故事，而是将现实中一路走来的感悟投射进创作当中。从成军之初的青涩，到第十张专辑风格圆融熟成，他们用音乐记录的“风景”同样变奏不息，歌中的“你”或许也指代携手同行十多年的查查和 Nu（羽承）彼此，一起走过这座里程碑，还有下一段“未完待续”的前程。

以下，由原子邦妮亲自为我们介绍专辑曲目。

<b>《和你一起的风景》</b>
“‘和你一起的风景’象征恋人在一起的安全感，或是与信任的人在一起的感觉，可以无忧无虑并且勇敢探索世界上有趣的事物。”

<b>《耍废》</b>
“‘耍废’顾名思义就是一起耍废，而且是不顾旁人眼光的那种，但前提是对一切都已经疲惫。无论是社交、工作，还是生活，我们都需要适时地充电耍废。”

<b>《明年夏天我们会不会还在一起》</b>
“这是这张专辑释出的第一首单曲，是一首很原子邦妮风格的 Synth-Pop，诉说一段放不下的时光和人事物。”

<b>《放弃你我无法度》</b>
“这首歌是原子邦妮首度尝试台语，原本是收录在某部剧的片尾曲，但因为我们很喜欢这首歌的氛围，于是重新制作，变成更适合原子邦妮的台式情歌。”

<b>《别让我心碎》</b>
“这首歌是我们很喜欢的 Dream Pop 风格，充满空间感的吉他包覆着整首歌曲，满满的心碎感。”

<b>《忘了带钥匙》</b>
“延续上一首歌的尾奏，这两首是设计一起顺接聆听，歌曲描述即便我们充满力量的前进，到了陌生的国度探险，一切都是如此正向与完美的时刻，发现自己竟然还是忘了带回家的钥匙，也似乎忘记了自己的初衷与原本的初心。”

<b>《碎吧碎吧我的心》</b>
“这是这专辑里对我们来说很惊喜的一首歌，经典流行 EDM 的编制，但诉说着破碎的心情，呼应第五首《别让我心碎》，坦然面对这样的结局。”

<b>《Twinkle Twinkle》</b>
“《Twinkle Twinkle》是专辑里我们觉得算是比较深入的一首歌，呼应我们第一张专辑的《在最灿烂时毁灭》，歌曲的段落分明，即便是心碎了但还是记着对方的好，还是希望对方能够留下，编曲上使用等比的合成器和吉他营造出类似泼墨感的层次。”

<b>《灵马》</b>
“致敬游戏《艾尔登法环》的灵马，在专辑的聆听上也是进入到另一种风格的转折点。”

<b>《INFP》</b>
“‘INFP’再怎么样毕竟就是个 i 人，但谁说 i 人不能暗黑，不能优雅，他只是更喜欢把自己层层包覆。”

<b>《Falling》</b>
“《Falling》也是我们再度尝试全英文歌曲，描述坠入深渊后自我救赎的过程，风格上回到原子邦妮每张专辑都有的 House/Techno 本位。”

<b>《未完待续》</b>
“《未完待续》作为专辑的最后一首歌曲，满满的模拟合成器与空灵女声，这张专辑的曲风从 Dream Pop、Synth-Pop、Modern Pop、Lo-Fi、House、EDM、Techno、Midtempo Bass，其实音乐曲风越是近代越是融合，许多曲风也是我们从第一张专辑到第十张都有的标配，但原子邦妮的本位也许还是电子，也是我们觉得最温暖的声响。”

ALLDAY PROJECT, aka ADP, had the industry’s attention long before their 2025 debut. They are a rare co-ed K-pop group, and most of their young members (TARZZAN, BAILEY, WOOCHAN, ANNIE, and YOUNGSEO) had made some kind of mark in entertainment before they joined Korean music agency The Black Label. When ALLDAY PROJECT debuted in 2025 with the hip-hop dance single “FAMOUS,” its earworm “we ain’t even famous” hook wasn’t entirely true.

The group’s self-titled EP builds on that “FAMOUS” foundation. Title track “LOOK AT ME,” simultaneously a preference and a command, is a laidback statement of intent. “I like the way you look at me,” the members chant-sing together in the track’s nursery rhyme-like chorus before signing off the song with a nonchalant tease of more to come: “Are you ready, camera, action.”

Elsewhere on the six-track EP, the quintet chooses to stay on the dance floor just a little bit longer on the low-key EDM anthem “ONE MORE TIME” and depicts love as a defiant modern act on the tropical house track “YOU AND I" before diving into subunit and solo tracks “WHERE YOU AT” (WOOCHAN and ANNIE), “HOT” (TARZZAN and BAILEY), and “MEDUSA” (TARZZAN).

미지의 세상을 향한 소녀들의 찬란한 모험. SM 신예 걸 그룹의 신비로운 사운드.

On their first mini album, Hearts2Hearts settle into the smooth, propulsive sound that has defined much of their first year as a K-pop squad. On the hypnotic house-pop title track “FOCUS,” members Jiwoo, Carmen, Yuha, Stella, Juun, A-na, Ian, and Ye-on sing about an all-encompassing attraction (“I cannot focus on anything but you, baby/I cannot focus on anything but you”). While the track works as a tale about youthful infatuation, it can also be read as a story about parasocial fascination—a complexity of attraction that Hearts2Hearts expand on across <i>FOCUS</i>’s five glossy tracks. The intimacy of female friendship is sugar-sweet on the sleepover-coded nu-disco track “Apple Pie,” while a delicate romantic love takes center stage on the city-pop bop “Flutter” and dreamy ballad “Blue Moon.” “Pretty Please” evokes the spirit of first- and second-generation girl groups in its vocally driven, midtempo exploration of connection.

“这是一张包容的专辑，有点像我这两年的日记，有我的一些探索、一些新的体验。”单依纯告诉 Apple Music。自首张专辑《勇敢额度》发行以来的三年里，单依纯的歌手事业稳步向前：两度登台春晚、举办个人演唱会、参加《歌手2025》、并为多部热门影视作品献唱；与此同时，她从未停止对音乐的新鲜度与可能性的探索：从《纯妹妹》的古灵精怪、《还有什么更好的》的轻盈自在，到《珠玉》的意识流实验，每次释出的新作都能让歌迷耳目一新。一路累积的艺术构想与声音探索，连同四首未曾发表的新作，被打包装进第二张专辑《纯妹妹》中。“每一首歌我都非常喜欢”，单依纯说道。

如果说首专《勇敢额度》是以偏传统的抒情与 R&B 语汇，书写爱情中的脆弱与勇气，那么这张新作则容纳了更多富于实验性的表达。不过，对单依纯而言，这种“风格变化”与其说是刻意为之，不如说是顺其自然的成长方向：“我有我的生活，有各种各样的经历和体验。我毕竟也很年轻，我慢慢地在构建自己的世界观，这些的背后是一个整体的审美的输出。这些变化是为了我的音乐表达，可能这两年我是这样的，下两年我又不一样，我也说不太准，总之我不是很想限制自己的生长。”

因此，这张专辑顺着生活步调延展，记录她的成长感悟与真实状态，没有刻意设置的概念包装。在专辑收录的四首新作中，《我表示理解》唱出即便伤心也要保持姿态的坚定与倔强，单依纯解释道：“不管周遭的一切如何，我都允许，我允许破碎，我允许释怀，我就是不抱执念，对谁来说都会很好、都会舒服一些。”这种面对感情的强大内核，也延伸至另一首情歌新作《假如我们还爱着》中：“我就是非常有态度的，不对结果抱有预设，就像歌词里唱的，‘有一生相处，我们还有时间’。”至于《向日葵朝着夜》，它从名字本身就吸引了单依纯：“它有一种非常独特的、有点破碎的，但是又自我治愈的气质在里面。”《还你茉莉》则是一首“大气又自信”的作品，她表示：“我觉得这首歌的气质和口感是非常爽朗的。”

乐于探索的单依纯，也将这份寻求变化的乐趣带入了演唱中。出道以来，她的声音特质便很鲜明，而这张作品更展示了她持续进化、兼顾技术与情感的声音表现。“之前有制作人老师说我录音的时候唱得非常稳定，其实这是一句褒奖，但是某种程度上也说明可能缺乏更多的可能性，或者是未知带来的惊喜。”她解释道，“我觉得自己声乐上的突破不仅是技巧的开发，还开始尝试着去打破自己的一些惯性处理。这让我发现了我其实有很多的可能，我在这当中也找到了很多乐趣。”

而专辑制作人常石磊，既是单依纯音乐上的伙伴，也是生活里的挚友，被她形容为“八爪鱼似的、什么都能干”的“石头”，也以灵动的编曲与制作为这些作品“穿上很好看的衣服”。谈及两人平时的创作方式，单依纯表示：“我们日常就很喜欢分享，我跟他来来回回地分享东西，这些东西会自然地流过我们的脑子。可能在某些时候、某些创作的瞬间，这些东西会突然浮现。”她用“很合拍、有缘分”形容这段合作关系：“我怎么样都是可以的，他永远都接得住我。对我来说我就是放开大胆去玩，然后他就能够帮我兜得住。”

有别于传统的流行专辑，这张《纯妹妹》多彩、大胆而不设限。当被问及如何兼顾艺术性与流行性时，单依纯坦言：“这个歌到底能不能被更多人听见，这个是需要天时地利人和的，不是一件很容易的事情，但我也觉得这个东西不应该成为创作者的困扰。”尽管名气水涨船高，单依纯仍让内心的节奏指引自己的创作，而非被外界的喧嚣裹挟：“我要做的是对我自己诚实，我诚实地表达我的感受，然后通过我的音乐，把这一切传递给大家。”

The singer-songwriter finds grace and resolve in the changing of seasons.

生活即是修行 庆幸我们见山还是山 戴佩妮与GAI周延 一见即如故 肝胆相照共赴《明知山》 年少时的我们，眼角带着锐气，心中燃着怒火，对事物的理解全源于莽劲和直觉。见山便去攀、见林就去闯，明明知道山中有虎，脚步依然不畏惧。哪怕招惹一身伤，也要去到最巅峰。那时候，见山是山。 当年少不再无知，我们开始有了生存的技能和生活的历练之后，踩着前尘铺垫的满山足迹，我们学会防御。为了更保护自己和家人，对山林中的一草一木、一虎一兽，开始起了分别心和怀疑，亦对眼前所见的风景过度解读。身在迷雾山岚中，才猛然发现，要翻越的已不再只是山。 而今站在最靠近穹苍的地方，观云来去自如，不逃避、不排斥、不依附的接纳一切，适度而安然。然而我们已学会在愤怒中体会无常，在孤独中安住当下。眼前的山依旧，但前行的心境已经不带偏颇，不再被执念捆缚。此时，见山还是山。

开场曲《荷花荷花几月开》在鸟鸣、海水的采样声中，缓缓摊开一场静谧而酣甜的梦境，许含光轻哼着“快快睡”，为整张专辑作序；随即《等待 Check-in 的 Orion》以一阵电吉他轰鸣倾泻而出，又掀起一波波迷离、混乱的宿醉回忆。正如“Orion”徘徊在 A1、A2、A3、A4、B1、B2 之间，这些房间序号几乎遍布于唱作歌手许含光第三张专辑《太平洋大酒店》的歌词文本中——他将歌曲比喻为酒店的一间间客房，用序号标记一缕缕梦与现实之间的深夜心绪，让情绪在酒店的走廊之间肆意游走、切换。

睽违五年，许含光再度携手制作人陈建骐，并与 Tizzy Bac 鼓手林前源、何欣穗等音乐圈好友一同打造了这张以独立流行与另类摇滚为基调的《太平洋大酒店》。专辑同名曲的第一句歌词“轻轻的一个吻/所有荷花都开了”，呼应邓丽君金曲《月亮代表我的心》与开场曲，在一片合成器暗潮中营造出复古而迷幻的声响质地；其后的《电影少女》《气象观测》以失真的吉他噪响与干脆的鼓点，共筑澎湃的摇滚光景，而许含光柔和的声线旋律与情绪化的歌词又注入了一抹温柔诗意。

许含光从不回避在创作中剖析自我，他柔软、善感的特质与深厚的文学功底，也使歌曲兼顾深度与感染力。在以酒店为喻体的《太平洋大酒店》中，那些无法消解的情绪如同深夜不散的魂灵，在走廊间低语，不断叩响记忆的大门。《丽水街的丽水海边》中逐渐堆叠的电吉他音墙仿佛丽水夜海的波涛，“Hey，잘 지내？”（嘿，过得好吗）借助韩语歌词的陌生化效果，将感情搁浅后的无助、孤单悄然诉出。《雪国》则抛开电吉他编曲，鲜见地以极简钢琴铺陈出白茫茫的雪国天地，将自我厌弃托付于宿醉与幻想中的远方，并最终在结尾化作一声无奈叹息。尾曲《风吹来的方向》在钢琴、弦乐的极简氛围中，以“快快睡”的安慰之语中收束全专，而当钢琴旋律无缝衔接回开场曲《荷花荷花几月开》，电影般的叙事质感也由此闭合，稳稳接住了太平洋大酒店中所有未竟的梦与呓语。

由来自布鲁克林和曼哈顿的四位老朋友组成的 Geese 乐队可谓“年轻气盛”——2016 年乐队成立时他们还只是高中生，却已展现出惊人的摇滚潜力，知名制作人 Kenny Beats 为了与他们合作，甚至不惜改名。Geese 成员还在上小学时，Beats 就已凭借为 Smoke DZA、ScHoolboy Q、Freddie Gibbs 和 Vince Staples 等人制作的 Hip－Hop 专辑逐渐崭露头角。而到了 2024 年，Beats 开始追随 Geese，当他提议在自己位于洛杉矶的新录音室中为乐队录制作品时，乐队提出了一个条件：彻底放弃“Beats”这个名字而改用本名 Kenny Blume。事实证明，这个决定非常值得——Geese 与 Blume 联手打造的专辑《Getting Killed》堪称 2025 年最出色的摇滚作品之一，在独立摇滚的个性色彩与主流音乐的爆发力之间找到了微妙的平衡，整张专辑充盈着新生的蓬勃能量。

疫情期间，Geese 以高中生身份签下合约，推出了首张由唱片公司发行的专辑《Projector》；随后，专辑《3D Country》以放纵、散漫而迷人的音乐气质，展示了他们的冒险精神与创作野心。主唱兼乐队领袖 Cameron Winter 的首张个人作品《Heavy Metal》在 2024 年末获得热烈反响，也意外地扩大了乐队的声量。Winter 的创作印迹也同样延续到《Getting Killed》中，比如《Cobra》开场时轻快的键盘旋律，难免让人联想到他的《Love Takes Miles》。

不过，除了 Winter 独特的嗓音和直白犀利的歌词之外，两部作品的相似之处并不多。《Getting Killed》充满野性之美，由贝斯手 Dom DiGesu 和鼓手 Max Bassin 打造出活力十足的节奏基底，吉他手 Emily Green 则增添了一抹锐利的锋芒。歌曲《Islands of Men》以略怪异的方式致敬 Rolling Stones 式的自信律动，随即又迈向了前卫摇滚的超越境界。《Bow Down》从始至终沉浸在紧张与狠戾中，Winter 随着心跳般的器乐伴奏，为失恋之痛怒吼。他又在开场曲《Trinidad》中咆哮着“我车里有一枚炸弹”（There's a bomb in my car），恰如一块扭曲的废铁碎片猛然砸下，直击听觉。《Half Real》是一首守护爱情的赞歌，提醒人们在世界不断侵蚀它时握紧手中的爱。而高潮曲目《Au Pays du Cocaine》则在这个普遍散发不满情绪的时代中呼唤团结，直抵灵魂深处。

Geese 的出色表现，也再度引发了“摇滚乐的救世主”等讨论，他们富有想象力又野心勃勃的创作，让许多人将他们与 Strokes 或 Radiohead 相提并论。这种比较或许不无道理，但更重要的是，Geese 追随着许多伟大摇滚乐队的步伐，在吸取前人经验的基础上，又将其拆解重组，创造出既让他们自己满意，也让听众们激动不已的作品。“我正在被美好的生活杀死”（I’m getting killed by a pretty good life），Winter 在专辑同名曲中颤抖地唱道，仿佛在半个世纪后与 Neil Young 遥相呼应。无论你身处天堂还是地狱，相信你都难以抵挡这支爆发力十足的摇滚新势力以及他们扣人心弦的乐音。

“I feel like I’ve combined the best out of the two albums I have out already,” Norway’s pop queen Sigrid tells Apple Music, as she thinks about <i>There’s Always More That I Could Say</i>. “It’s the same carefree, joyful, childlike wonder, bursting with creativity from the first album. And it has the ambition and the nitty-gritty detail and expansive production from the second album with some of the harder lyrics.”

The down-to-earth star isn’t entirely comfortable talking about her music in such glowing terms, but she should be. Working with longtime collaborator and good friend Askjell Solstrand, she’s produced 10 perfect pop tracks, from Norwegian summer jam “Jellyfish” to the heartfelt breakup ballad that’s the title track.

Unleashing herself from the studio was a key move for Sigrid as she and Solstrand headed out into coffee shops, parks, and remote places to write. “I really loved making this album,” she says. “Some of the lyrics are funny and silly, taking the piss out of myself. And other ones are raw and vulnerable. It’s never felt like work with Askjell and that line in ‘Jellyfish’ that says, ‘We’re just two kids in a crowded room’ is about him. It was super cathartic to make music out of pure joy.”

This time around, Sigrid doesn’t shy away from writing about love in a deeper way. “It’s the thing that connects us all as people and it’s fun to write about because it’s a hard nut to crack,” she says. “But it’s also an album about how you respond to love, friendships, finding more out about yourself, and who you’ve become. Every time I talk to my mother, she’s like, ‘Why don’t you write about the hike you went for the other day or cooking?’ I tell her that’s not stadium-worthy. I want to write these big songs with larger-than-life lyrics.” Read on as Sigrid takes you through the album, track by track.

<b>“I’ll Always Be Your Girl”</b>
“We’d spent the whole of 2024 recording this album in cafés, parks, and studios. There’s one of the best studios in Ålesund called Ocean Sound Recordings where some of the songs are written, but we also had a makeshift studio in my parents’ house. The order of the tracklist landed in January 2025 and it felt like ‘I’ll Always Be Your Girl’ had to be the opener. I wrote that guitar line when I was in Tooting Broadway, South London—I was in the studio with Nick Hahn [Rita Ora, Mimi Webb, James Blunt], who I worked with before on [2023 EP] <i>The Hype</i>. It’s a song about having a crush and being irritated.”

<b>“Jellyfish”</b>
“‘Jellyfish’ sounds like a Scandinavian summer: breezy and never too warm. I think you can hear that in the song. It’s lighthearted, fun, and cute, but it has this urgency to it. I thought I was writing about flirting with someone, but then I realized it’s about how beautiful friendships are. It’s about my friends, my band, my crew, the producer, and writers that I work with and how we collaborate together. Sonically, it’s the first song we wrote for the album where we felt like, ‘OK, I think this is what it can sound like.’ You always have that one song that starts a new era. I never set out thinking, ‘Here’s the title, here’s the vision for it,’ I just sit in a corner and I write.”

<b>“Do It Again”</b>
“‘Do It Again’ is moving into the more reflective part of the album. It’s a fun pop song. I was thinking a lot about Keane and Gorillaz, where ‘Jellyfish’ is more Lykke Li and early Peter Bjorn and John. Scandipop is not only electro, it’s this indie-cutesy thing. This song is about thinking, ‘I could just do this over and over again, even if it isn’t the best idea, but fuck it.’ I was with Martin Sjølie, who I wrote most of my first songs with. We had a rendezvous again in the studio, which was so lovely, together with Will Taylor from the British band Flyte.”

<b>“Kiss the Sky”</b>
“‘Parody of myself’ was the first line I had for that song, and that came to me when I was out driving in Oslo. Then I had a session with a Norwegian writer and producer called Whammyboy. He’s really cool, and this song came out on our first time writing together. It’s about blowing everything up and riding into the sunset. This was the hardest song to produce—I remember I rewrote the verses with Nick Hahn, but me and Askjell nearly hit the wall with it. We ended up with something straight to the point, and that’s exactly what the song needed.”

<b>“Two Years”</b>
“We usually write in this really old studio in Bergen. It’s like a shed and there’s definitely mold on the outside, but I love it. It makes me feel like 19 again because it’s the studio we’ve been working in since day one. That’s where ‘Fort Knox’ was written, but we were like, ‘Maybe we should go somewhere else and get some inspiration.’ So we went to Tokyo and rented this really cool studio, and I had this idea for a piano hook. I knew the rhythm I wanted, referencing some of my favorite French dancey-but-cool songs, like Phoenix and Justice. It’s written from someone else’s perspective, and I’m trying to see the situation from another point of view, but it’s also this chaotic dance. It was basically a competition for me and Askjell to see how many key changes we can fit into this song. Towards the end, it spirals.”

<b>“Hush Baby, Hurry Slowly”</b>
“‘Hush Baby’ is a song that came around the time where I was having writer’s block. This album has taken me three years to get out: one year of writing, a year of overthinking it and another to wrap it up. Askjell, my bestie, was like, ‘I know what you need. I’m pulling a writing camp together.’ We were with Edvard Førre Erfjord, who wrote a lot of the Little Mix hits, Anders Nilsen, who comes from a bangers-only background, and Harald Sørebø, a Norwegian rap producer. We had the best two weeks. I can be a bit of a micromanager in the studio, but I felt so free because I approached it like I wasn’t writing for myself. Usually, I don’t like singing until I know exactly what I’m doing, but I got on the mic and freestyled, so basically I wrote it in one take.”

<b>“Fort Knox”</b>
“I’d been traveling a lot the summer I wrote this. I was really angry and I had to let it out. I was running around the studio, shouting and screaming and those vocals made it onto the record. It was important that we recorded it on the handheld mic. I tried to record it on the classic studio mic standing still, but I was like, ‘That’s not the vibe of this song.’ I feel more comfortable singing in a live environment because I love the feeling that I have one chance. And if you fuck it up, it happens. I think I have a good skill of pulling myself together when it’s needed, so I like it to feel like I’m on stage and imagine everyone watching. Production-wise, it’s a very dramatic song with Davide Rossi, who did the strings on Coldplay’s ‘Viva La Vida,’ doing the arrangements. He’s amazing.”

<b>“There’s Always More That I Could Say”</b>
“This song is so beautiful. And I think it’s funny how I start it with, ‘I should have done that differently. I hurt you. I’m so sorry. Really, you’re seeing the worst of my personality now.’ And then it snaps in the second half of, ‘You know what, actually? You weren’t that nice either. So both of us could have behaved better.’ This was written in London again with Will Taylor and Oli Bayston in an old BBC studio with a ’70s vibe, a lot of brown mahogany, leather couches, and rugs with orange, earthy tones. It’s a good example of how your environment can really inspire how you write. I love a good ballad and I’m really proud of this one. I could always give more of myself, but this is what you get.”

<b>“Have You Heard This Song Before”</b>
“The lyrics are all about potential. It’s about love, but it could also be about something else, like releasing my third album. Who knows how far it can go or what countries it will take me to? I wake up and then something new and crazy happens. This song is so optimistic, but the production is nostalgic. Melodies usually come first for me, but that day, it felt like the lyrics came just as easily. My favorite line is in the mid-eight, where I say, ‘You should catch me while you can/Before I change my mind again/These songs don’t write themselves.’”

<b>“Eternal Sunshine”</b>
“This is one of the songs I’m most excited to play live. It sounds epic. I feel like it’s a galloping beat—I imagine a horse on the American plains, like proper cowboy vibes, riding into the sunset. That’s how I hear it, but with a bit of Kate Bush and The War on Drugs, who are one of my favorite bands. It plays on the film <i>Eternal Sunshine of the Spotless Mind</i>, how it would be easier to just paint someone out of the picture sometimes, but you can’t erase the memory. I originally thought ‘There’s Always More That I Could Say’ should be the closer, but this is such a nice way to wrap it all up.”

<i>TUNNEL VISION</i>, the 11th mini album from K-pop girl group ITZY, is far from a debut for the five-member JYP Entertainment squad (Yeji, Lia, Ryujin, Chaeryeong, and Yuna), which has been active since 2019, but it embraces the kind of goal-oriented ambition usually associated with rookies. The EP opens with the mantra-like self-empowerment track “Focus” before launching into its main, anthemic statement: “TUNNEL VISION.” The Dem Jointz-produced dance track blends hip-hop and Afrobeats elements for a declaration that the group is “never backing down” from the grind required for their pop star dreams. Elsewhere on the six-track project, ITZY brings the theme of “focus” to the subject of relationships, challenging a would-be lover to make a move on the punchy dance-pop track “DYT” and giving up on an unfulfilling romance to concentrate on yourself on the retro-video-game-inspired “8-BIT HEART.”

아일릿의 변신! Jasper Harris, 유라 등의 협업진과 함께 만든 새로운 사운드.

游荡于电子舞曲与另类摇滚之间，捕捉青春期骤然成长的混乱、脆弱与悸动。

“这张专辑基本上是在一种紧迫的状态下诞生的，它就像一股激烈的洪流从我心中奔涌而出。”谈及 Florence + the Machine 的第六张专辑《Everybody Scream》，Florence Welch 告诉 Apple Music，“这是一张如果我现在不发表就可能永远不会问世的专辑。因为我对很多事情的感受只属于当下那个特定的时刻，它们只在当下爆发出来。这张专辑几乎是我心理调节、自我疗愈的一种方式。”

而 Welch 所说的“当下”，是指乐队的《Dance Fever》巡演期间。“实际上，我在舞台上经历了宫外孕流产，情况非常危险，我不得不住院治疗并立即接受手术，因为我腹腔里有整整一听可乐那么多的血。”她解释道。这场突如其来的病痛与随之而来的情绪，催生了《Everybody Scream》，使这张专辑对她本人与听众而言，都成为了一次难忘的宣泄体验。“我感觉自己完全无法控制身体，这很奇妙。我探讨了巫术和神秘主义，在所有涉及生育的地方，你都会发现巫术、民俗恐怖和神话的影子。”

Welch 将这些元素贯穿于整张专辑中，以饱满的情感与恰到好处的“巫”式魅力，时而哀号，时而颤抖，时而高歌，时而尖叫，并得到了 Mitski、Aaron Dessner 和 IDLES 乐队吉他手 Mark Bowen 的鼎力相助。同名曲《Everybody Scream》反思了名声与忍着痛苦表演的心境：“但看着我把自己累垮/血洒舞台/可当你们呼唤我的名字时 我又怎能离开？”（But look at me run myself ragged/Blood on the stage/But how can I leave you when you’re screaming my name?）《Witch Dance》通过急促的节奏和 Welch 喘息般的吟唱施展魔法，营造出一种酒神式的森林狂欢氛围。而《Perfume and Milk》则是 Welch 的自我疗愈之歌：“这首歌关于疗愈，讲的是看着季节更替，看着万物生长、归于尘土，我意识到自己也是自然的一部分，是整个轮回中的一部分。”

随着 Welch 反复吟唱“和平即将到来”（Peace is coming），专辑在充满希望的抒情曲《And Love》中走向尾声。她说：“让这首歌成真吧，让它在这个世界上实现。我总觉得这些歌曲走在我前面，我一生都是如此。”

aespa의 세 번째 월드 투어, 그 화려한 무대를 압도한 멤버들의 4인 4색 솔로 트랙.