周杰伦第16张个人专辑《太阳之子》正式官宣！暌违3年8个月，13首全新作品重磅集结，在熟悉的周氏旋律之外，更带来极具画面感与叙事性的全新听感体验。
专辑视觉及主打MV远赴巴黎圣母贞德教堂取景，复刻19世纪陈设美学，在光影交错间，打造出悬疑而富有层次的影像氛围。同名主打MV时长6分58秒，以更完整、更具电影感的影像语言，延伸音乐故事与情感表达。
作为华语乐坛年度重磅音乐事件，周杰伦全新专辑《太阳之子》将于3月25日全球数字平台上线；同名主打MV将于3月24日举行影院全球首映。内地版实体专辑正在精心筹备中，有望与海外版本同步上市，由环球音乐中国发行，敬请期待！

圆缺，是月球盈匮的天体运动，也是人间聚合离散、永恒缺憾的象征。郑宜农继《水逆》探索语言与沟通的孤独本质后，以《圆缺》叩问生命中无法回避的缺憾。专辑以十首台语歌创作，郑宜农携手制作人 Chunho（南瓜妮歌迷俱乐部的团长何俊苇），展开从伤痕记忆到情感依存等在“圆缺”光与暗之间往复的过程，融合 Techno、氛围音乐、Dream Pop 等元素，在电子声响与诗性叙事的交叠中，构筑一场跨越语言的共感实验。Apple Music 特别邀请郑宜农聊聊在专辑主题、语言、曲风上的选择，分享这张专辑的创作和制作历程。

<b>到了可以写“缺憾”的生命阶段</b>
在筹备专辑的过程里，郑宜农说自己和 Chunho 经历了一整年不断地互相挑战和辩证，去整合他们有关“缺憾”的思考。“想到的关键词包括‘时间’‘生命’‘伤痕’和‘沟通’等等。”郑宜农分享道，“讲缺憾，其实根本就是在讲‘人是什么’，为什么我们会让这些缺憾发生。”“我好像走到了一个阶段——我终于可以把这些主题写好了，我知道怎么写它是最适切的。它们可能是长期埋在我心里面的、单纯属于我个人的缺憾。”她感慨。

《未曾准备好》从具象的生死无常出发，“刚好我们家养了 18 年的猫过世的隔天，我写了这首歌，它其实是以一个很悲伤的故事为基底。”郑宜农也试着将个人在咀嚼的缺憾投射到更宏大的议题上，试图直视一些“人类世界会发生的，但其实始终被我们认为应该是不合理的事情”。她提到《留伫咱的血内底》，这首歌的主题是“历史伤痛”。“其实它不仅仅是台湾这块土地上发生的事，它也是一个全人类的议题，就是人类世界不断的重复出现的可以称之为悲剧的东西，这个东西它一直都存在，它始终没有获得解决。”郑宜农说，“我们去直视它的时候才能够创造一个空间，让大家在里面摆放隐藏在自己心里的，对于不合理的感受到的痛或者是受到的伤害，甚至直接是当事人他们受到伤害，可以有一个摆放的空间。”而这也是她当初为专辑定下“缺憾”主题时，就笃定的事。

<b>圆满不一定是终点</b>
专辑曲目编排以郑宜农与韩国歌手李泷 Lang Lee 共同创作的《宽宽仔来到祢的面前》为分界，前半段直面历史伤痕，后半段转向依存与和解，最终以《圆缺》的弦乐与短笛收束，象征“接受缺憾是生命必经之道”。“因为要让‘缺憾’走向圆满，应该是要在中间就问出那个最大的问题，那句‘为什么’，去问那个最大的——所谓的神或者全知的某某。但其实发现根本就没有答案。然后才能进到下一步，开始去感受什么是‘爱’。”

沿着这个思路，专辑原本有个从遗憾到圆满的顺向叙事排序。“但是最后没有这么做，是因为我们发现那样太顺了，顺到好像一整张听完就真的要圆满了那样。”郑宜农解释道，其实这张专辑是没有句点的，并不是说我们最后就什么都懂了、找到自己的哲学了、从今以后都可以跟遗憾和平共处了，我们是想让最后留在一个问号上。”

“所以，前面不能那么顺的状况，最后是一边充满遗憾一边走向‘人有悲欢离合’，走向在平淡的生活中体验人为何物，并且接受我们没有解答的人生。”

<b>语言是缺憾的根源，台语是具象化缺憾的载体</b>
郑宜农直言，选择台语创作《圆缺》是一种直面缺憾的过程。“我们的世界被不同的语言分割，然后要花非常大力气去重新学习，才能真正理解彼此。这本身就是一个要使我们谦卑的考验。所以我想用台语在我、还有我的同辈身上都补写某种分裂、某种断裂以及失落感的语言，我想要用努力捡回来的这个语言，去具体化缺憾，所以它本身就是一场实验。”除了台语，专辑里还加入英语和韩语，郑宜农分享道：“在这样的实验里面，我又融合了各式各样其他的语言，其实语言本身是缺憾，但是当你很自然地把它们融合在一起的时候，它有没有可能达到某一种圆满，在一首歌里面它圆满了。这个是我在写的时候，想要找到的那个东西。”

郑宜农在专辑中也尝试寻找台语文化的缺憾，比如《讲袂出嘴的彼个字》这首歌，“其实就是基于台语文化而诞生的，我们非常难用台语去讲‘我爱你’。在台语家庭这件事情很难成立，那我挑战用这个字、用这个语言去讲我爱你的话，它会是怎么样，会多么的别扭，我想把这个别扭体现出来。”

<b>台语创作启发了新的创作人格</b>
“因为台语是一个正在被重新捡回来的语言，所以我们会面对很严格的（关于台语使用正确性的）检视，我可以理解它的必要性。”郑宜农分享自己最初用台语创作歌曲被纠正时，还很不甘心，认为听感才是最重要的，但改正后，却有了新的发现。“我每改完一句，再重新回头去唱的时候，会发现它其实比原本的更有韵味或者是有一种 flow。还有，它的情感会变得比以往更浓郁，就算我轻轻地唱，听起来却很像讲话，会让人觉得瞬间理解了一些什么。”这些收获让她转变了写歌的思维模式。“等到我回头去写华语的时候，我开始对自己的词曲咬合变得很严格。然后发现我的曲式变了，不再是以前郑宜农的思维，或在郑宜农思维基底之下长出了一个更丰富的样子。这是我在写台语歌上面获得的第一个学习。我现在心里是崇敬、尊敬词曲咬合，我发现它是一个道理，这个道理它教会了我谦卑，让我变成一个更好的创作者。”

“台语的浓郁在于即使它是隐喻，通常也都是很具象的意思去处理。比如有一首歌叫‘pháinn-mih-á’《歹物仔》，其实‘歹物仔’在台语里面，通常我们会讲‘拄著歹物仔’是遇到鬼、遇到不好的东西。我是因为先想到‘歹物仔’这个词，然后我就想要把它写进歌里。那‘歹物仔’什么，撞鬼的感觉是什么？有没有可能是撞到自己心里的鬼？”沿着这个思路，郑宜农想到一些人们在心里突然长出“歹物仔”的瞬间，“因为我们可能没有那么认同当下的处境，我们没有那么认同对方的状态或是对方说的话，没有那么认同对方，就是像一颗气球一样逐渐升起来的自恋，所以在这个时候心里长出了‘I don’t really care’那个东西。”

而把这些呈现在歌曲里，对于郑宜农来说，像是“长出了一个、其实本来就存在在我的体内，只是没有想过可以用在创作里面的人格”。于她而言这是一份收获：“台语确确实实地让我体会了我不知道的事情，然后我开始去做它。”

<b>电子声响与台语的碰撞</b>
在说到选择电子乐作为专辑的主打曲风时，原因除了郑宜农和制作人 Chunho 对电子乐纯粹的喜爱之外，他们还发现了台语与电子乐的契合。郑宜农分享：“其实某种程度上也是台语在督促我们往更电的地方前进。当台语放进电子乐里面的时候，它的词曲咬合跟电子乐节奏的关系，跟电子乐声长的关系，然后还有一些专属台语歌特别显得浓烈的主题，跟电子乐之间结合起来、碰撞出来的火花等等，一来一往、就是去把它们组合在一起的过程，带给我们非常大的乐趣。”

对郑宜农来说，这也不仅仅是“单纯音乐性的思考”和“好玩的实验”，更多了一层“关于语言、创作与音乐”关系的考虑。“我们会去想电气化、电子乐这个东西，然后回到这个语言的未来性是什么——我们该怎么用这个音乐的语汇去诉说它，我们该怎么样去表达我们这一代，跟这个语言之间的关系。”

<b>每一首歌的尾奏都是一条转折的道</b>
郑宜农提到这次专辑有个不同以往的革新，“一个以往我写歌方式不会创造出来的东西”。她介绍：“我们每一首歌的结尾都有展开一个叙事，就是尾奏都会有一些符号性的，或是情境式的，或长或短的转折。”比如《一寡时间》失衡的 detune 音效与鸟鸣，象征在关系中“努力拉回平衡”的挣扎；《未曾准备好》以倒转的电子音阶模拟“时间回溯”，呼应梦境与现实的交错；《牵我》尾声突现海底嗡鸣声，隐喻情感传递的孤独与渴望；《圆缺》最后加入了短笛、弦乐，用声音开出一条生命的“道”——踩踏着无限缺憾的碎片走向彼此。“它其实是一个我找到了跟你说‘给我一点时间’的方式，在我找到的那个瞬间，我心里的失衡最后走向了我心里的自由。”

<b>跨媒材共感：影像与音乐的平衡术</b>
过往担任过导演、策展人的郑宜农，对音乐和影像的关系有着自己的思考，她分享：“一个好的音乐跟影像的关系，我认为应该不是堆叠上去，比如说我今天讲的伤痕，然后影像再去把伤痕强大、强化，不是，而是它可以补足这首歌没有讲的空间，变成一个相呼应的关系。”

“很幸运，我们这次有韩国团队，也有本地团队，都是超级棒的创作者们，而且都是女性。”郑宜农将《真罕得想起来》的 MV 交给韩国导演 iida Choi 完成，得到了影像对音乐的补充。“《真罕得想起来》在讲暴力幸存这件事情。导演提出来一个自己跟自己的无限轮回的对战，她用了惊悚片的方式去讲述。我觉得太棒了，因为这就补充了这首歌它没有讲到的，它在讲的事情毕竟还是对外的，就是我想要去爱、我想要当一个正常人、我想要不被当一个受害者，可是其实最终是自己跟自己的战斗。”

<b>专辑小巧思</b>
郑宜农分享了两个有待听众发现的文字设计。“我希望听众可以有空去玩味一下歌词中的文字巧思。例如，《留伫咱的血内底》在歌名上面是留下来的留，可是如果大家仔细看歌词内容的话，有一句会变成流动的流。它其实是停留的，可是它又是在流动的。或者是像第三人称，就是 ta，如果把 ta 普通话化之后，会出现人部的‘他’、女部的‘她’，跟神的‘祂’，然后 ta 们会不规则地转换，那不规则的转换其实都有它的意思，我会希望大家可以去发现它。”

“然后另外在我们公布专辑的背面，所有的歌名同时也有英文翻译，就有人发现其实英文翻译两首歌连在一起会有新的意思，就是它会长出一个故事。例如说第一首歌叫做《Rarely Think of It》，第二首是《Remains in Our Blood》，所以它连在一起就会变成一个完整的意思（很少去回想它，但它却一直存在于我们的血液之中）；然后第三首是《The Bad Things》，第四首是《Never Been Ready》之类的（连在一起意思是：从未准备好面对糟糕的事情）。有听众发现，我觉得很开心，因为翻译也是我们专辑企划的一个巧思。”

陳昇｜《我不是搖滾歌手》 Not a Rockstar
陳昇曾說，覺得自己不是個搖滾歌手，因為尚未抵那股氣質；倘若一定要說的話，也許他更接近一位吟遊詩人吧？背著故事走路，用歌把所見所感，訴說給人們聆聽。2026 年新專輯《我不是搖滾歌手》，便是這樣一位詩人對多年創作旅程的回望與再出發：不是宣言，而是把呼吸調回最自然的節奏，讓聲音替這位音樂詩人完成一段不急不徐的對話。
這張專輯向陳昇喜愛的八、九〇年代致意，卻不依賴懷舊。它借來那些年質樸而雋永的質地，吉他的線條、鍵盤的暈染、旋律與語詞之間恰到好處的空隙，用以承載今日的感受與疑問。你會聽見諷刺，也會聽見憐惜；會遇見對時代的質問，也會遇見對自身的打量。這些情緒並非為了姿態而排列，而是多年累積下來的生活秩序：把複雜留給歌曲，把簡單還給深處的內心。
37年來一路創作到現在，現在的陳昇，更懂得節制與留白。「搖滾」不再是音量與節拍的疊加，而是能否對世界保持敏感、對自己維持誠實。當外界要答案，他願意先把問題按下；當語言習慣喊叫，他選擇低聲說話，讓文字與旋律在更靠近內心的地方相遇。這份內斂並不寂寞，反而讓每個停頓都帶著指向，指向人與人之間仍可被理解的溫度，指向那些在變動之中依舊值得珍惜的價值。
作品的聲響分布，也像陳昇一路走來的足跡：除了另類氣息的流行搖滾，保留了骨幹的推進與幽微的反諷；有鋼琴主導的沉靜段落，把視線牽回到個人命運與記憶的紋理；還有承繼八、九〇年代的旋律美學，讓一整代人的共同記憶在耳邊慢慢成形。這些風格並置不是炫技，而是對「生命的複數」給出的誠懇註解：人同時可以敏銳、溫柔、諧謔，也可以困惑，而歌曲的責任，是把這些並存，保留下來。
「我不是搖滾歌手」聽來像是否定，讀久了卻更像一種自我要求：與其被名詞束縛，不如回到動詞，去寫、去唱、去面對當下。若說搖滾是一股氣，那麼這張專輯所追求的，是在日常裡持續生成那股氣的方式：在嘈雜裡保有分辨力，在疲憊時仍能對人事物投以善意，在看見荒謬之餘不忘看見人。這既是創作，也是修煉。
2026年《我不是搖滾歌手》並非總結，而是選擇把對話留在現在。它更像一本隨身筆記：記下此刻的語氣，記下行走過的旋律與餘韻，也記下仍然想問、仍然想唱的理由。當一個人選擇成為詩人，他所仰望的從來不是舞台的高度，而是聽者心裡留下的共鳴。或許在某個夜晚，你恰好把音量放低，讓歌與你並肩；那時你會明白，他說自己不是搖滾歌手，也許並非不願，或許是仍在路上，仍在尋找那股氣抵達的方式。
曲目推薦
〈革命家〉
這不是一首高舉旗幟的歌，而是一面照向內心的鏡。當「革命」變成自我辯解的口號、浪漫成為失敗的庇護所，他唱的其實是那種在理想與現實之間消耗殆盡的倔強。〈革命家〉帶著玩笑語氣，也藏著深刻的孤獨，在時代的喧鬧裡，每個人都想改變世界，最後卻只改變自己。這不是控訴，而是一種誠實的諷刺，一場對幻滅仍存溫度的自嘲。
〈Drill Baby, Drill〉
一首冷冽而諷刺的時代寓言。陳昇以近乎戲謔的筆調，描摹出慾望膨脹的世界，金錢、權力與麻木並行，笑聲底下是荒謬的共謀。節奏銳利、語氣輕快，卻越聽越覺悲涼。這首歌讓人想起他過去那些嘲諷現實的作品，只是如今的諷刺更溫柔，也更無力。當他唱出 “We are living in a wild, wild world”，像在對聽者輕聲提醒：別以為自己置身事外。
〈你是陌生人〉
寫給逝去的年代，也寫給仍在漂泊的人。這首歌像是一封沒有寄出的信，語氣平靜、情感卻深不可測。它談友情，也談離散；談記憶如何在時間裡慢慢失焦。旋律沉穩而明亮，像一種不願示弱的思念。〈你是陌生人〉的溫柔，來自對無常的體認：有時愛一個人，必須先學會離開。
〈錯愛〉
一首屬於夜晚的老派情歌。它回到九〇年代的浪漫語境，用簡單旋律包裹最難啟齒的告白。〈錯愛〉沒有怨，也沒有辯解，只是對「愛錯了也要誠實」的一次抒懷。男女之間的糾纏，被他唱成一種體諒，錯誤不再是罪，而是人生的必經段落。那種淡淡的滄桑，不是悲傷，而是理解之後留下的餘溫。

她坦白了我们所虚伪的　她单纯了我们所复杂的
五年以来…
5年的等待，是个漫长也是耗损的过程。
看尽乐坛芭比娃娃的甜美面具，「性格」这两个字，似乎快要消失！
她的声音，她的个性，象徵著无可取代的高傲、独特的姿态，
这样一股充满灵魂的音乐、沉寂而刚苏醒的真声音，
是我们唯一相信且期待杨乃文的理由。
杨乃文 2006全新专辑 《女爵》
2006.12.01 终结等待
(发行日期为暂定，实际时间将另外提供)
为谁重生 为谁毁灭 为谁失去自己的国度 ?
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向来以酷劲另类曲风见长的杨乃文，在沉澱了二年之后，这次带来了更鲜明的英式摇滚，第一主打歌「Queen」是一首节奏强劲、吉他爆裂的摇滚歌曲，在其中杨乃文唱出女人不应该只是摆在男人旁边的装饰；「祝我幸福」是一首带有古典味道的抒情歌曲，其中吉他和竖琴的编曲相当动人；「应该」是创作才女陈珊妮对杨乃文的诠释，她认为杨乃文是个永远坦白面对自己的人，这首歌有悠扬的弦乐，加上国际级交响乐团的现场即与演奏，随性的融合了杨乃文的个性与古典感。此外，不爱露身材的杨乃文，之前希望大家注意她的音乐，所以没有在造型上多做琢磨，不过在得到金曲奖入围的肯定后，杨乃文这次开心的和造型师玩起造型游戏，并大胆秀出模特儿出身的好身材，穿上造型师量身訂做的「花瓣装」，这套性感装扮让她突破过往尺度，背部全露，而胸前二片波浪狀的羽翼随着动作翩翩起舞，宛如一只酷味十足的蝴蝶。

愈沉默愈有力量
强烈不安 灵魂震荡 自由奔放 沉默震撼
所有的种种因为她的音乐得到了立即释放
直接 纯粹 无法复制
来自灵魂最深处的穿透与爆发
杨乃文十一首歌曲 全部推荐

初听这张唱片的人可能无法立刻找到合适的字眼形容自己的感受，音乐中传递出的强烈悸动与深刻感情、兴奋之后的隽永与哀伤之后的明朗相互交替，在听者心中产生撞击。这是一次不同的音乐体验，它没有速食文化中的俗套包装，也并不挥霍女性歌曲中惯有的过度哀伤，而是一种来自作者与歌者内心深处对生命与音乐的渴望和梦想，表现出卓尔不群的强烈个性和原发的创造力。
杨乃文，1974年出生于台北，小学五年级时随家人移民澳大利亚。1996年毕业于悉尼大学，主修微生物及遗传学。杨乃文自幼对乐器极有兴趣，先后学习钢琴、三弦、琵琶，中学时期学习长笛，并有过演出音乐剧的经历。由于内心对音乐的强烈渴望，杨乃文在上大四前休学一年，回到留有童年美好回忆的地方寻找旧梦。
一次偶然的机会，杨乃文认识了音乐人李雨寰和林伟哲，成为她音乐生涯的转折点。这期间她不仅听了大量音乐，还初次参与了录音演唱。只是由于必须完成大学学业，才忍痛返回澳大利亚，但仍利用寒、暑假的时间回台湾与制作人一起工作。制作人林伟哲绝对相信杨乃文是实力无穷的歌手，在他的引荐下杨乃文很快成为魔岩唱片的正式签约歌手，筹备两年有余的首张个人专辑也终于得以面世。整张专辑曲调舒缓自然、深刻动人、充满想象空间：歌词简捷直观而富有独特个性。杨乃文的演唱，真声与气声变换运用巧妙，高音浓烈缥缈，低音冷冽厚实，同时兼具力度与浓度的美感。专辑中《星星堆满天》、《一个人》、《你就是吃定我》等歌曲均值得反复听。
制作人林伟哲对音乐有一种近乎贪婪的执着，在杨乃文这张专辑中，林伟哲首次收录了自己的九首作品。对杨乃文声音中丰富迷离美感的迷恋、创造一种新的、属于时代的音乐的渴望和他自己生命中深刻的感情故事交织成这张专辑中最美妙动人的部分。在MUXDOWN完成后，林伟哲独自携带母带远赴美国，在首屈一指的BERNIEGRUNMANSTU DIO完成最后的母带处理，他严谨的态度与对作品质量的挑剔让美国的音乐人也不禁刮目相看。
对许多听完这张专辑的听众来说，他们必定可以感受到其中真挚的本质与强烈的新意。

魏如萱waa wei〈普通的日子〉（电影「深度安静」宣传曲）单曲文案
沈可尚导演首部长篇剧情电影《深度安静》
张孝全、林依晨、金士杰主演 入围第62届金马奖七项大奖
改编同名短篇小说 以影像书写压抑内敛的破碎关系
魏如萱词曲创作 电影宣传曲〈普通的日子〉
携手黄少雍联合制作
以声响弦乐书写歌曲 堆栈日子里最缄默窒息的情感暗角
普通的日子 是
在不确定的日常里
窥探幸福的模样 诘问真相的过程
普通的日子 是
当他人举证历历 爱人的模样
我们却 深度安静
魏如萱〈普通的日子〉（电影「深度安静」宣传曲）
1.21 数位单曲 正式上线
电影《深度安静》由瞿友宁、黄茂昌监制，沈可尚导演。沈可尚导演作品横跨剧情、纪录、实验电影及商业广告，电影《深度安静》是导演从影近二十年来首次挑战剧情长片，融合了纪录片的美学与对人性的深刻观察。
而相识多年的瞿导和魏如萱，这次更因监制瞿导邀约为电影亲自谱写、演唱宣传曲〈普通的日子〉。魏如萱谈及创作回想起电影《深度安静》里的日常场景和对话，电影重现了真实生活里的细节，也因为这样，角色反而变得非常鲜明。更惊艳张孝全和林依晨的演出，她感受到的不是在表现情绪，而是把情绪藏起来，却还是让人看得见。
魏如萱：「尤其是那些『明明彼此相爱，却同时压抑、却又无法解决』的时刻，让我很有共鸣。那种无奈不是大声的，而是慢慢堆积的。」
魏如萱也用自己的方式形容「普通」的定义，也许大部分的人都想让自己活得特别，但她觉得「普通」这两个字，对有些人来说反而是一种难以达到的奢侈。所以才写下那一句歌词「普通的日子要怎么普通的过。」
那其实是一个疑问，不是一个结论。
当时间隐藏幸福 刺进沉默和孤寂
追索情感真相的窒息感 一触即发却又随即消声匿迹
〈普通的日子〉由魏如萱词曲创作，再与黄少雍共同制作。在编曲上，让声响和弦乐一直存在，魏如萱形容，甚至有些声音是「不那么好听」的，它们像是情绪的重量，一层一层迭上去，但又没有真正的爆发。刻意不把情绪推到高潮，让整体停留在一个内缩、被压住的状态。这样的声音设计，其实是在对应歌词里那种说不出口、连自己都不太确定感受的日常。
而魏如萱心里想象的「普通的日子」，其实是一种表面看起来一切正常，但内在却有很多话没有被说出口的状态。那是一种压抑的孤寂，不是孤单，而是你身边有人，生活也在往前，但你还是感觉自己被卡在某个地方。在聆听上歌曲呈现的氛围比较低调、内缩，也让人有一种被包住、却无法完全呼吸的感觉。
制作人黄少雍形容：「所谓的『普通的日子』，就是外表看起来一切如常，但很多情绪只能留在心里，静静地过。」
普通是日子的奢侈升级 是验证幸福的附件
抽丝剥茧明天的模样 也许都还是徒劳
关于幸福或悲伤 我们都还未找到答案
在电影《深度安静》里以一段看似幸福的婚姻揭开故事序幕，相对现实生活里的魏如萱来说，幸福比较像是一种很安静的状态，甚至有时候安静到你不太敢确认那是不是幸福。
两个人手牵着手，无论是睡觉或是散步或是坐车，即使手没有牵着的时候，你还是会把那个重要的人放在心上。场景是日常，状态是如常，一种你能不能自在又放松的在对方面前保持安静的模样，普通平凡却最深刻的那种幸福。
〈普通的日子〉这首歌里用了大量的问题堆栈对爱或幸福的想象和疑问，魏如萱说：「其实我自己也还没有答案，但我想，也许能够诚实地承认『我不知道』，本身就是一种很靠近幸福的样子。」

“这是原子邦妮的第十张专辑，但也是我们的第一张’概念’专辑，歌曲的排序从第一首到最后一首，都是连贯起来的故事，像是人生不同阶段线性状的发展。”原子邦妮向 Apple Music 概括性地介绍了新作《和你一起的风景未完待续》。专辑讲述了一段爱情和人生的旅程，从懵懂的恋情到骤然的心碎，从无忧无虑的陪伴到孑然独行的救赎，一路上风景变幻，有灿烂明媚的心动瞬间，也有孤独坠落的无光深渊。而对于原子邦妮的两位成员来说，这样的概念叙事或许并非只是虚构一个故事，而是将现实中一路走来的感悟投射进创作当中。从成军之初的青涩，到第十张专辑风格圆融熟成，他们用音乐记录的“风景”同样变奏不息，歌中的“你”或许也指代携手同行十多年的查查和 Nu（羽承）彼此，一起走过这座里程碑，还有下一段“未完待续”的前程。

以下，由原子邦妮亲自为我们介绍专辑曲目。

<b>《和你一起的风景》</b>
“‘和你一起的风景’象征恋人在一起的安全感，或是与信任的人在一起的感觉，可以无忧无虑并且勇敢探索世界上有趣的事物。”

<b>《耍废》</b>
“‘耍废’顾名思义就是一起耍废，而且是不顾旁人眼光的那种，但前提是对一切都已经疲惫。无论是社交、工作，还是生活，我们都需要适时地充电耍废。”

<b>《明年夏天我们会不会还在一起》</b>
“这是这张专辑释出的第一首单曲，是一首很原子邦妮风格的 Synth-Pop，诉说一段放不下的时光和人事物。”

<b>《放弃你我无法度》</b>
“这首歌是原子邦妮首度尝试台语，原本是收录在某部剧的片尾曲，但因为我们很喜欢这首歌的氛围，于是重新制作，变成更适合原子邦妮的台式情歌。”

<b>《别让我心碎》</b>
“这首歌是我们很喜欢的 Dream Pop 风格，充满空间感的吉他包覆着整首歌曲，满满的心碎感。”

<b>《忘了带钥匙》</b>
“延续上一首歌的尾奏，这两首是设计一起顺接聆听，歌曲描述即便我们充满力量的前进，到了陌生的国度探险，一切都是如此正向与完美的时刻，发现自己竟然还是忘了带回家的钥匙，也似乎忘记了自己的初衷与原本的初心。”

<b>《碎吧碎吧我的心》</b>
“这是这专辑里对我们来说很惊喜的一首歌，经典流行 EDM 的编制，但诉说着破碎的心情，呼应第五首《别让我心碎》，坦然面对这样的结局。”

<b>《Twinkle Twinkle》</b>
“《Twinkle Twinkle》是专辑里我们觉得算是比较深入的一首歌，呼应我们第一张专辑的《在最灿烂时毁灭》，歌曲的段落分明，即便是心碎了但还是记着对方的好，还是希望对方能够留下，编曲上使用等比的合成器和吉他营造出类似泼墨感的层次。”

<b>《灵马》</b>
“致敬游戏《艾尔登法环》的灵马，在专辑的聆听上也是进入到另一种风格的转折点。”

<b>《INFP》</b>
“‘INFP’再怎么样毕竟就是个 i 人，但谁说 i 人不能暗黑，不能优雅，他只是更喜欢把自己层层包覆。”

<b>《Falling》</b>
“《Falling》也是我们再度尝试全英文歌曲，描述坠入深渊后自我救赎的过程，风格上回到原子邦妮每张专辑都有的 House/Techno 本位。”

<b>《未完待续》</b>
“《未完待续》作为专辑的最后一首歌曲，满满的模拟合成器与空灵女声，这张专辑的曲风从 Dream Pop、Synth-Pop、Modern Pop、Lo-Fi、House、EDM、Techno、Midtempo Bass，其实音乐曲风越是近代越是融合，许多曲风也是我们从第一张专辑到第十张都有的标配，但原子邦妮的本位也许还是电子，也是我们觉得最温暖的声响。”

开场曲《荷花荷花几月开》在鸟鸣、海水的采样声中，缓缓摊开一场静谧而酣甜的梦境，许含光轻哼着“快快睡”，为整张专辑作序；随即《等待 Check-in 的 Orion》以一阵电吉他轰鸣倾泻而出，又掀起一波波迷离、混乱的宿醉回忆。正如“Orion”徘徊在 A1、A2、A3、A4、B1、B2 之间，这些房间序号几乎遍布于唱作歌手许含光第三张专辑《太平洋大酒店》的歌词文本中——他将歌曲比喻为酒店的一间间客房，用序号标记一缕缕梦与现实之间的深夜心绪，让情绪在酒店的走廊之间肆意游走、切换。

睽违五年，许含光再度携手制作人陈建骐，并与 Tizzy Bac 鼓手林前源、何欣穗等音乐圈好友一同打造了这张以独立流行与另类摇滚为基调的《太平洋大酒店》。专辑同名曲的第一句歌词“轻轻的一个吻/所有荷花都开了”，呼应邓丽君金曲《月亮代表我的心》与开场曲，在一片合成器暗潮中营造出复古而迷幻的声响质地；其后的《电影少女》《气象观测》以失真的吉他噪响与干脆的鼓点，共筑澎湃的摇滚光景，而许含光柔和的声线旋律与情绪化的歌词又注入了一抹温柔诗意。

许含光从不回避在创作中剖析自我，他柔软、善感的特质与深厚的文学功底，也使歌曲兼顾深度与感染力。在以酒店为喻体的《太平洋大酒店》中，那些无法消解的情绪如同深夜不散的魂灵，在走廊间低语，不断叩响记忆的大门。《丽水街的丽水海边》中逐渐堆叠的电吉他音墙仿佛丽水夜海的波涛，“Hey，잘 지내？”（嘿，过得好吗）借助韩语歌词的陌生化效果，将感情搁浅后的无助、孤单悄然诉出。《雪国》则抛开电吉他编曲，鲜见地以极简钢琴铺陈出白茫茫的雪国天地，将自我厌弃托付于宿醉与幻想中的远方，并最终在结尾化作一声无奈叹息。尾曲《风吹来的方向》在钢琴、弦乐的极简氛围中，以“快快睡”的安慰之语中收束全专，而当钢琴旋律无缝衔接回开场曲《荷花荷花几月开》，电影般的叙事质感也由此闭合，稳稳接住了太平洋大酒店中所有未竟的梦与呓语。

名人闪婚闪离，竟然不光能喂养八卦小报，也能催生出一张专辑；更离奇的是，专辑由当事人 PiA吴蓓雅亲自上阵操刀，此举看似“自揭伤疤”，可她在封面上又笑得格外灿烂。在这张别出心裁的《离婚初体验》中，一向“接地气”的吴蓓雅用十首歌倒叙回顾从牵手到放手的爱情历程，幽默搞怪的表面之下，流露出真情大过戏谑、戏谑多于怨怼的动人心语。

《离婚初体验》由金曲制作人柯智豪加持，延续上张专辑《成功的人》的创作思路，在 City-Pop、Vaporwave 的绚烂质地上玩味闽南语的美妙旋律。专辑开场便如同闺蜜的圆桌声讨会，给前任一个踉跄的下马威：吴蓓雅大喊“看你过甲按呢我就放心矣”（看你变成这样我就放心了），为一段有毒关系画下句点；《吉他手贱》大剌剌嘲笑目的不纯、只顾耍帅撩妹的音乐人，纯正的 Funk 吉他一响起，也让假把式的吉他手无处遁形。《树缠藤缠树》为专辑增添古意，化用客家山歌“树缠藤、藤缠树”的表达，二胡与古筝缠绕合鸣，纤细而哀怨，恰似婚姻中剪不断理还乱的纠葛；与 rapper 芮鲨 RapShark 合作的《代替鸡蛋共你捽》亦引入传统器乐音色，同时又加入强烈的电子节拍，尽显“杀气”，“捽”走同居生活里的一地鸡毛。故事回到起点，《一人じゃない (不再孤单)》从甜蜜清新的日系情歌，悄然过渡到百转千回的 Neo-Soul，曾摘得金曲奖的闽南语“歌王”陈以恒与吴蓓雅一起书写了一个开放式结尾，也呼应了《牵手去分手》中“放下你开启新的宇宙”的积极讯号。

白安的第五张专辑《星期八》是一部关于时间、爱情与自我的音乐日记，记录了她从 20 多岁到 30 岁出头的心境转折。白安告诉 Apple Music，这张专辑“容得下后悔、怀念，还有放下”，是用音乐为自己开辟的一个“重整的空间”，她希望通过轻快的电子节拍与充满夏日感的旋律，营造出“故事有一点难过，但听起来是比较轻快的、开心的、有太阳的样子”的氛围。于是，她一改以往偏向冷调、抽离的风格，在音符之间注入更高的亮度与温度，埋下转变的线索。

开场曲《时间胶囊》宛如开启尘封记忆的钥匙，特意加入的长笛声铺陈出天空初亮的画面感，暗示着那些“来不及完成、来不及告别”的故事即将徐徐展开。紧凑的电子节拍拼贴成俏皮的《数羊》，白安以小羊只顾吃眼前草、寓意活在当下的故事为引，反思了年轻时代挥霍青春、不顾明天的集体状态。呼应专辑的另一个关键词“爱情”，白安则从电影、小说与体育比赛中汲取灵感：《路边野餐》将同名小说中外星人在地球留下的破铜烂铁被地球人当成宝贝来变卖的的科幻寓言，转写为爱情中“他人视若珍宝的，其实是另一方丢弃的”的荒诞情境，构成一首既讽刺又温柔的情歌；《白热化》用网球比赛的僵持状态来比喻爱情中的徘徊与等待，“Let’s roll the dice”的歌词唱出了将未来交给命运的坦然。白安坦言：“当很多事情在当下无法决定，我觉得交给时间、交给命运，是好是坏都甘愿接受。长大更多一点之后，更相信顺流比逆流而上好。”源自她真实拔牙经历的《乳牙》则关照“晚熟”的自我，映射出成长过程中的自我怀疑与挣扎，“我觉得每个人应该都会有自己的节奏，照着自己的节奏往前走，你就会是一个最适合自己长大的样子。”

献给离世的父亲的《我该用什么才能留住你》是整张专辑中最缓慢也最深情的一首歌，白安的低声轻语仿佛在与父亲对话：“副歌是爸爸对我说的话，主歌是我。”白安承认，每次唱起这首歌都会很难过，但仍希望把这份思念像照片一样留存下来。《卧室音乐》则回到音乐创作的起点，感念父亲对她音乐事业的支持：“我爸超级支持我写歌，他买了我的第一个录音卡，还有我的 keyboard，让我自己在房间录 demo。”这首歌回溯了年少时写歌的纯粹快乐，是整张专辑最轻盈的一页。

在制作上，白安改变了以往词曲一起写的创作习惯，先写旋律、后填歌词，让作品更贴近电子乐的极简气质和轻盈的夏日感，同时她也首次深度参与编曲，与团队共同打磨出这张“从身体长出来”的作品。比起之前的专辑，白安表示这张专辑“做得最自然而然”，没有刻意寻求合作，只是保持“就好像我走在马路上，我说，欸，要不要一起出专辑，他就突然跳进来这个队伍了”的状态，也没有刻意追求风格，只是选择“现阶段让我快乐的事情”。经历了创作早期的热血与迷惘，白安在《星期八》中表达了她成长后的淡然、自在，她不再急于回答所有问题，而是学会在现实的土壤中继续生长，正如她所说：“到了这一张（专辑），我好像比较知道要怎么跟自己好好说话，也比较懂如何面对生命里面曾经很重要的人离开，或者梦醒后你还是知道要如何重新入睡。”

曾把早餐店寫進歌裡的盧廣仲，這次集結網友推薦的十首獨立音樂人的慢板情歌遺珠，推出概念翻唱專輯《傷心早餐店》。他收起代表性的吉他，改以鋼琴、貝斯與爵士鼓刷構成的三件式編制同步錄音，捕捉細膩的呼吸與情緒。在「不當自己」的狀態下，他唱進陌生的旋律與和弦，專注於貼合歌曲質地。從輾轉難眠的〈一夜一夜一夜〉、偷偷愛著的〈愚人節快樂〉，到戀人未滿的〈不要在一起〉，每一首歌都映照不同的悲傷滋味，皆是盧廣仲以「調酒師」之姿，替聽眾調製出的專屬情感配方。

五十岁之后，答案没比较多，疑问不那么急；
不急著去哪里，也不需要什么指引；
浪慢慢冲、山慢慢爬，
感觉对了，就走吧！
7/23 《跟著感觉走》数位专辑 正式上线
【在《我是海雅谷慕》《远走高飞》之后】
相隔十二年发行专辑《跟著感觉走》，生活在前、创作在后的区间，张震岳一贯轻松的分享：「有时在冲浪路程，有音乐旋律就哼出来，用手机录，收集出来做歌。」不刻意的创作状态，让生活自然地流进音乐，所有日常皆收拢在这张全新创作专辑中，从生活微观，到能对生命全景的宏观，在新专辑《跟著感觉走》做了不同维度的跨越。
在音乐市场的快速流转中，他始终不急不徐，不打造人设，由生活自然成了人设，在乐坛中有了自成一派的识别；在乐迷期盼新专辑的这些年，也随著张震岳的自然，自然的继续汇聚，不断听著不同时期的歌曲，用来覆盘青春年少，在他的音乐里找到曾经任性的应许之地；用来探问生活觉醒，在他的音乐里拆解情绪、关系、生命之必然，学会虚假的尽头有著生活。
《跟著感觉走》这不仅是张震岳久违的专辑，更像是老朋友的照面，轻松写意又真诚赤裸，谈著我们都有却难以面对的失意、失去、失败。
【《跟著感觉走》收集普通人的牢骚 偷渡普通人的情感】
「我话不多，喜欢在角落看著故事发生，喜欢偷听隔壁桌在说什么，很有趣。」摊开专辑十首歌曲，谈论普通人在普通日子里的缺失；张震岳在每个故事现场写生，远看潦草轻率，近看却细腻的耐人寻味。
专辑的前半张制作，去了宜兰山上和花莲海边，在看得到山、海的空间搭建录音设备，边录音边玩耍，制作人黄冠豪谈及制作说到：「移地录音是我希望我跟阿岳的转速一致，我觉得这样的作品才会强壮。」一天录音的进度完成，阿岳就会在附近走走，带大家探路爬山，晚上一起煮烧酒鸡，边享用边弹弹唱唱，所有制作团队，也更有机会走入他的视角，亲身体验他懂得生活才创作的音乐经历，一起在同一个频率上制作一张普通人的专辑。
没有停止创作的张震岳，他的音乐经历像徒步般，没有错过生活，拥有了时间；十二年，从Demo走到专辑制作完成，众人期盼已久的摇滚岳、情歌岳正式开张了，这次的创作有别以往，钢琴的运用比吉他更多，转变源自阿岳近年对音乐喜好的变化；制作上也加入了丰富的和声与管乐编排，综观整张专辑，融合阿岳最经典的摇滚与抒情，同时注入崭新的爵士风格；在贯彻「跟著感觉走」精神的创作过程中，每一首歌，各个层面也渐渐走到专辑核心，那些关于我们总是太想「找到」，却忘了「走著」本身就很值得的常态，成就了这张没有包装，只有真心的专辑。
【歌曲介绍】
● 浪人的... Surfer's Love Story
「浪人的等待。」
将浪拟人化，等不到的妳，正如同等不到那道理想的浪。歌曲中鼓与bass的律动缓缓推进，反复堆叠出情绪的起伏。制作过程中，团队花了大量时间来回讨论，只为捕捉那股在海面流动、忽远忽近的氛围。温润细腻的合声与管乐加入，让编曲层次更为丰富，情绪线条更加饱满。
● 搬家 Sadly Moving On
「要把过去丢掉，哪些要丢、哪些要留？」
讲述一段男女感情已到尾声。搬家的过程中，整理物品过去的回忆也随之不断重播，在心里反复上演，歌曲中的主角，也同时对自己生活做自我重整。音乐编排上隽永氛围的开场，渐进预告著搬家不难，自己的问题和回忆最难。
● 梅雨季 Rainy Season
「回过头来，才心动。」
创作灵感从梅雨季的湿热与空气中的气味展开，延伸至当初感情里的误解与不理解，最终成了遗憾。爵士曲风成为阿岳近年创作中偏好的元素，恰如其分地诠释这段悠远的情感故事。
● 感情勒索 Emotional Blackmail
「歹戏拖棚，与时间一起受伤的故事。」
以男性视角揭开情人关系中如同监牢般的痛苦束缚。歌曲段落的旋律高度重复，编曲巧妙透过不同节奏与层次的变化，划分段落，呈现主角的精神状态转折——从压抑沉重到逐渐释放。
● 好糟糕的派对 Want To Take You Home
「我只想带妳回家。」
张震岳的创作，脱离不了派对、酒精、男男女女。糟糕的派对、把不到的女孩子，纯情里埋藏著坏坏幻想的故事场景，戏谑有趣；是专辑中录制的第一首歌曲，为完成混乱画面，合声名单落落长，名单内藏有彩蛋嘉宾，提示：浑厚的声音。
● 操场酒吧 Errand Boy
「他＊的我是傻瓜。」
操场酒吧，存著不少张震岳偷到的故事，那里有形形色色的人物，对他来说很值得纪念的青春也都在那里；这首感情工具人之歌，写实直白的歌词，将主角的傻和骨气一吐之快。
● 跟著感觉走 Go With The Flow
「我其实也不喜欢他们说的大道理。」
熟悉的摇滚岳，阿岳说：「这首歌就是简单、直接、记忆点强烈的吉他Riff。加上另类时期的节奏氛围，产生出爽朗富有活力的情绪。」是一首多年前写的歌被选入专辑当中，体现耐听纯粹的作品，不被时间所影响，每个时代的任性也是。
● 亏欠 Let Me Go
「可不可以让我离开你，我并没有亏欠。」
取材自朋友的故事，在感情停损点的独白，放弃预约有你的未来，唱透感情始末和遗憾。
● 妈妈的眼睛 Mama's Eyes
「有人说 ，当你想起一个人，就是他来找你。喔原来，妈妈一直都在，然后在某个夜晚，怀疑与愤怒也散了，就写下这首歌。」——张震岳
这首歌诞生于张震岳生命中幽暗的篇章，那段时间，他选择走向孤独，在孤独之中，并将这段旅程写进歌里。在专辑中的定位是福音歌曲，音乐制作上保留Demo的质地，强化细节；歌曲后段制作人与阿岳决定歌曲加入儿童合唱团的和声，如同一道开阔的出口，为留下来的人，留下希望。
● 答案 Answer
「内心的声音，或许它会给你答案。」
制作人黄冠豪形容：「这首歌是一首灵性和自省的歌曲，像电影一般。」因从Demo中被触动，选择了手碟鼓带出歌曲中的灵性，再以声响节奏引出部落歌谣，保留了原味的律动；从一个人自省，到磅礴的答唱回应，建立出像是一个人面对大山大海般找寻答案的画面感。
【专辑曲序】
1.浪人的... Surfer's Love Story
2.搬家 Sadly Moving On
3.梅雨季 Rainy Season
4.感情勒索 Emotional Blackmail
5.好糟糕的派对 Want To Take You Home
6.操场酒吧 Errand Boy
7.跟著感觉走 Go With The Flow
8.亏欠 Let Me Go
9.妈妈的眼睛 Mama's Eyes
10.答案 Answer

來自內在的召喚，不為誰的凝視而定義
She is not made to please the gaze.
She is made to echo the voice within.
Sinners in the garden of The Seven Deadly sins,
This is your Mommy!
暌违六年！华语流行天后蔡依林重磅来袭，第15张全新专辑《Pleasure》即将在6月跟大家见面，新专辑同名单曲〈Pleasure〉更将于5/28抢先推出。透过全新专辑中的11首歌曲，探讨各种“欲望”的面貌，蔡依林这回也担纲专辑制作人，参与专辑内大部分的词曲创作。
全新专辑《Pleasure》透过文学戏剧中常探讨的“七宗罪”去挖掘“欲望”的面貌，蔡依林想强调“欲望不是原罪”，并在首波释出的概念视觉中，头顶着赤蛇缠绕的“美杜莎欲望桂冠”搭配直击人心的灵魂凝视，邀请大家加入这场Pleasure探索之旅。在东、西方的神话故事中，女娲、美杜莎皆以蛇做为形象，分别展现不同的女性力量，让Jolin认为非常适合诠释“Pleasure”的主题，也是对自己内在欲望的灵魂提问。
蔡依林这回担纲专辑制作人，参与专辑内大部分的词曲创作，她说：“之前等合适的歌词卡关了两三年，有天突然想说不然我来试试看，写了第一首歌后觉得很有成就感，就愈写愈多首，一写完就发给经纪人看。”她笑称歌词创作犹如自我疗愈，专辑制作过程也因为求好心切的个性，其中一首歌的编曲就改了34个版本，坦言自己是属于不断自我推翻又重建的制作人，最后也分享心情“整个制作过程就是我的Pleasure旅程，愉悦不等于极致的快乐，会先感受到痛苦，获得满足之后又感受到自负，又再回到内心的自我怀疑，不断轮回。”

身处如今万千事物日新月异的时代，创作者坚持慢工出细活的耕作精神还有意义吗？已经 12 年没有发专辑的陶喆，或许也忧心过多年的沉淀是否会追不上流行音乐迅速的更迭变迁。旁观华语 R&B 新血不断涌现，经历疫情的集体低潮，又感受到了 AI 等技术革命对创作环境造成冲击的这些年里，陶喆一边慢火熬煮一首首新歌，一边重建着自己的创作价值观。这张乐迷们久候多年的《STUPID POP SONGS》，不仅是陶喆一次音乐上的自我革新和华丽回归，更倾注了他在这些年里，对自身与音乐创作之于这个时代意义的惑与思。

接下来，就让陶喆亲自为我们深度解说专辑中几首歌的创作故事，分享他深藏于旋律背后的思考与启示。

<b>《Stupid Pop Song》</b>
“在音乐产业待了超过 25 年，不免让人开始思考，自己在当今这个市场中是否还有一席之地。其实不论你从事哪一个行业，这样的疑问或许都曾浮现在心头：我是否还有价值？对于一个被年轻、潮流与流行文化推动的产业而言，寻找自我存在的意义、保持新鲜感与被认可，成了我们不断追求的目标。

“《Stupid Pop Song》——无论是同名歌曲还是整张专辑——都是我与自己内心对话的结晶。它不是为了解答这些问题，而是一段穿梭于过去与现在的旅程，通过一首首歌曲传递情感与线索，也许会在某些时刻触动你心中的某处。

“‘Pop’这个字，在不同年代常常被赋予负面的意涵。像是 50 到 60 年代的‘波普艺术’（Pop Art），就曾是个具争议性的词汇，它挑战了‘高艺术’与‘低艺术’之间的界线，重新定义了创作的价值。这样的精神让我开始反思自己如今创作音乐的方式。在 AI、生成式工具与各种音乐软件高度发达的今天，音乐与艺术仿佛可以通过几个简单的提示就‘被创造’出来，只需演算数据即可生成作品。但数据能感受吗？当一首歌的旋律与歌词触及某个特定音符时，它的灵魂会因此被感动到落泪吗？它能捕捉我们试图表达的心碎、怀旧与喜悦吗？

“如果如今的艺术与音乐能如此轻易地被电脑重现，那么我们作为人类，是否就失去了存在的意义？我们的创作是否变得可有可无，只是一首又一首的普普愚乐？

“我希望你能在这些歌曲中感受到人性——那些不完美、那些灵魂与真挚。当然，我得老实说：这些作品中，其实也用了不少电脑的帮忙，😏 谢啦 💻🙏”

<b>《Moonchild》</b>
“我在 1980 年代青春成长，那是一个流行文化渗透一切的时代——从音乐、时尚，到设计、视觉艺术与广告。它不仅仅影响了我，更深深塑造了我。即使多年之后，那个时代的精神仍在我创作中回响。

“《Moonchild》正是向那个世界致敬的一首作品——融合了新浪潮、迷幻与多元声响的万花筒。我试图让过去的音色重新复苏：宏亮的混响鼓声、奔放高亢的萨克斯风独奏，以及闪烁着类比光泽的合成器，这些曾经定义一整个世代的声音。铜管与萨克斯风曾是 60 到 80 年代唱片的灵魂，如今在现代音乐中已不常听见，而在这首歌里，它们再度全彩登场，熠熠生辉。

“有些人可能会将它归类为‘City-Pop’，但对我而言，它远超过一种音乐风格。它唤起的是霓虹闪烁的街道、午夜的魅影，以及都市过度繁华下那股电流般的悸动。这是一种带着怀旧感，却依然鲜明现代的声音。”

<b>《路上》</b>
“我最难忘的一些旅程，往往是那些在无边公路上独自驾驶、长时间奔驰的时刻。公路旅行让我有空间整理思绪、重新感受这个世界的美好，也能更深刻地与音乐重新连结。

“有些歌曲天生就适合在旅途中聆听——它们带着一种移动的感觉，一种向前冲刺、将烦忧抛在脑后的氛围。我希望《路上》对你来说也是这样的一首歌——陪伴你前行、给你勇气放下过去、迈步向前的旅伴，并激发你探索世界的冒险精神。

“Abe Laboriel Jr. 节奏错落、有如行军般的鼓声，精准捕捉了一段旅程的律动——停顿、启程与坚定不移的节奏感；而吉他的声音则让整首歌充满飞翔与解放的感觉。

“虽然离开熟悉的事物总带着一丝淡淡的哀愁，但那背后也藏着希望——对崭新开始的期盼，以及无限可能的召唤。拥抱人生无尽的转折，你终将从中获得爱与力量的回报。”

<b>《半晴天》</b>
“这首歌起初是一个作曲上的实验：我能否创作出两段几乎对称的旋律，一段采用小调，另一段则为大调？我当时并不在意它是否容易演唱、编曲或现场演出，只想满足自己在创作上的一个小小挑战。

“这个过程意外地收获良多。吴庆隆写出了极其华丽、史诗感十足的配乐，完美呼应了这首歌的双重性。而易家扬的歌词，也在情感与语意上精准地展现出这种镜像般的对照。

“我选择以特雷门琴（Theremin）作为开场的主奏乐器——这可能是许多人从未听过的乐器。它那种诡异、超脱的音色曾出现在许多经典作品与实验性音乐中。在这里，我觉得它正适合为这首歌揭开序幕，特别是与管弦乐与大键琴交错搭配时，更激荡出无限的声音可能性。

“这也是整张专辑中最晚录制、也最具挑战性的一首歌。但我希望，它会是一首能在你心中回荡许久、久久不散的作品。"

<b>《微尘》</b>
“我记得大约 12 岁的时候，那时台湾的民谣摇滚仍盛行不衰，尤其受到大学生，以及二十多岁到三十出头的年轻族群喜爱。那是一个用精致木吉他编织旋律、配上真挚又赤裸歌声的年代——歌曲诉说着日常生活、社会观察与个人省思，全都以诗意的语言呈现。在那种简约与意义交织的音乐里，蕴藏着一种深刻而近乎神圣的情感。

“当时有一首歌完美地捕捉了这样的精神，那就是 Kansas 乐队在 1977 年推出的经典名曲《Dust In the Wind》。它深深触动人心，成为跨越时代的代表作。那时街坊邻居的男生们，尤其是学校吉他社的同学，几乎人人都在弹这首歌，或者努力学习它那段令人着迷的指弹旋律。我记得那时心里觉得，如果能做到别人做不到的事，是多么有力量、多么迷人。而这首歌，还有那份感觉，就是我当初拿起吉他的原因之一。

“在制作这张专辑的过程中，我对自己说，我想回到那样的初心——创作一首由一把吉他承载、旋律能触动灵魂、歌词能直指人心的作品。在这个节奏快速、纷乱复杂的世界里，问自己、也问听者：这一切到底有什么意义？

“《微尘》正是这样的一首歌。由李焯雄所写的歌词，如诗一般地勾勒出一个被剥去繁华、只剩骨架的世界——一种宁静而近乎乌托邦式的荒凉。带有凯尔特色彩的小提琴声、清冷克制的合唱，以及极为简约的编曲，都引导着听者放慢脚步，深思：当我们走过这个脆弱的地球，我们究竟留下了什么样的足迹？”

<b>《千言万语》</b>
“每一次决定是否要翻唱一首歌，我心里的目标都是：我能不能为这首歌带来新的生命、新的面貌。

“其实现在大家听到的这个版本的《千言万语》是我这半年才完成的。之前其实已经有一个完整的编曲版本，整体以电吉他为主，节奏也慢很多，走的是比较 Downtempo 的 Neo-Soul 风格。虽然那个版本几乎已经完成，也有气氛，但我总觉得那份氛围太 blue。后来才决定整个推翻，变成现在这个 Hip-Hop 的版本。那个早期版本我也有考虑之后找机会跟大家分享，应该会有不同的人喜欢这两种风格。

“有趣的是，这首歌也是整张专辑里唯一一首完全交由别人来编曲的作品。那个人就是 Bryan Tay。我和 Bryan 在巡演上合作了好几年，但我们从没想过会在专辑里也携手创作。应该说，是因为我越来越了解他的弹奏风格和个性，所以才认为 Bryan 能够好好发挥这个编曲。

“翻唱经典其实最难的地方就在于：我们太熟悉那些旋律和情绪了。要怎么加入新的元素，是需要巧思和实验的。当初一直卡在写不出新的旋律，差一点就放弃 cover 这首歌。写一段新的旋律，是希望能带听众走向更高潮、更释放的情感。但同时，又得顾虑原作的线条和精神，不能过度扭曲或破坏。这种‘旧中求新’的尝试，其实也出现在我处理《月亮代表谁的心》《望春风》，甚至《Susan说》的时候。至于我有没有做到，就交给你们来评断了！”

<b>《陪你》</b>
“《陪你》的主歌原本是用假音演唱的。早期的 demo 是降 B 大调，而你现在听到的正式版本则是 D 大调，整整高了四个半音。当初的想法是让主歌听起来柔和、流动，像水一样，用假音来表现这种细腻的感觉。但过了几年，当歌词终于写好、我录了一个新 demo 时，我发现要在那个假音的音域唱这些歌词其实非常困难。我在这首歌上挣扎了很久，因为我真的很想保留假音的处理，但唱起来实在不太舒服。

“当时我只有两个选择：不是改旋律，就是调整调性。我先把调性升到 C 大调，这样我可以用较低的真音来唱主歌，但这也让副歌变得太低，整体缺乏能量。最后只好再升一个全音到 D 大调，主歌变得比较好唱，但副歌却落在我声音的第一个断点，演唱上会比较尴尬、有挑战。这就是创作音乐时常常会遇到的取舍。有时候，你没办法让每一个段落都落在最舒服的位置，只能在整体的感觉和可唱性之间找到平衡。

“《陪你》对我来说也很特别，因为这是我第一次亲自写所有的国乐乐器编曲，包括二胡、笛子和古筝。以前这些部分大多是由吴庆隆负责编写，但这次我想自己挑战看看。因为我对这些乐器还算熟悉，也很想试试看亲自编写的感觉。

“如果真的要说有什么遗憾，那就是我们没有重新录制弦乐部分，而是用升高四个半音的方式处理。如果能重新录音会更理想，但那样会拖延整首歌的完成时间，我也不想让 Penny 等太久，毕竟这是我写给她的歌 😏。

“我也花了不少时间调电钢琴的音色，灵感来自我的音乐偶像之一——Babyface。他标志性的电钢琴音色和弹奏风格，定义了 80 和 90 年代的 R&B 音乐，对我来说一直是一个谜。这次能试着重现那种氛围，是整个创作过程中最有趣的部分之一。

“希望《陪你》听起来能够流畅自然，尽管它的背后经历了不少挑战与取舍。”

許多歌迷都是從《旅行的意義》這首單曲開始接觸陳綺貞的音樂，其實距離她發行第一張專輯，已經有七年的時間。這張完全由陳綺貞個人企劃創意並執行製作的專輯，單曲提前一年曝光，便俘獲了死忠歌迷們的心，專輯還未發行便凝結了廣大聽眾的期待，發行後更在華語樂壇掀起了台灣獨立音樂文化現象。