“钢琴圣手”马克西姆 首发新曲“新丝绸之路”
跨界古典音乐界的优质新偶像
新丝路，魔力来袭
在世界范围享有广泛声誉的“钢琴圣手”马克西姆在中国联合太合音乐发表了其全新曲目“新丝绸之路”。这首曲目由克罗地亚著名音乐人赫吉克创作，他也是马克西姆的成名作《克罗地亚狂想曲》的创作人。“新丝绸之路”长达六分钟，整曲融合了中国、俄罗斯、印度、中欧地区的音乐元素，加上超过60人的交响乐团的衬托，气势恢宏、磅礴。
马克西姆自从2008年来到中国，至今已在中国举办了超过100场的个人专场演奏会，跨界钢琴家马克西姆以摇滚流行的风格演奏钢琴，已经在中国乐迷心目中有了固定的形象。作为古典钢琴界的“革命者”，马克西姆一向擅于用现代的手法演绎那些经过改编的古典作品。另外自2018年五月开始，马克西姆将在中国展开一次高达40场的巡演，为喜欢他的乐迷带来精彩的表演。
马克西姆是世界上弹奏钢琴最快的音乐家之一，曾以每秒弹奏16个音符而闻名。他演奏的多数作品慷慨激昂，振奋人心。身高1.97米，典型东欧男人的魅力外表、染发、休闲劲装、耳环、纹身……这更像是一个前沿偶像流行男歌手的特点。然而，这就是马克西姆。他颠覆了常人对于古典音乐印象，他用最大胆的跨类表演的让人们体验了全新的音乐盛宴。马克西姆以其鲜明的个性和独特的风格，越来越受到中国观众特别是中国年轻观众的追捧，成为古典音乐界的优质新偶像。

Ludovico Maria Enrico Einaudi OMRI is an Italian pianist and composer. Trained at the Conservatorio Verdi in Milan, Einaudi began his career as a classical composer, later incorporating other styles and genres such as pop, rock, folk, and world music.

The most renowned Canadian classical performer of the 20th century, pianist Glenn Gould remains one of the most fascinating and celebrated figures in all of music, the archetypal riddle wrapped inside an enigma wrapped inside a conundrum. A former child prodigy, his piano artistry was unparalleled, yet he often received less recognition as a virtuoso than as a troubled eccentric; a disconnected recluse notorious for such odd habits as wearing a wool topcoat in the dog days of summer, Gould was a sight to behold even in live performances — seated on a low chair and slumped over the keyboard, humming (sometimes singing) audibly to himself as he played, all the while conducting with his free hand. Gould's impossible technique and singular behavior were so hotly debated by scholars that often it seemed that his actual skills were negligible; perhaps it's not surprising that at the age of just 31, he left public performance behind forever, turning instead to broadcasting and writing, as well as an almost obsessive exploration of modern recording technology.
Gould was born in Toronto, Ontario, on September 25, 1932, the product of a musical family that included his father, an amateur violinist, and his mother, a pianist and organist; Edvard Grieg was a distant relation as well. Even at the age of three, Gould evidenced prodigious skills — in addition to his absolute pitch, he was already able to read staff notation, and just two years later he authored his first compositions. At the age of ten, he began lessons at the Royal Conservatory of Music in Toronto, and in 1944 took home the piano trophy from the annual Kiwanis Music Festival, the only such contest he ever entered in response to his strong opposition to the idea of competitive performance. In 1945, Gould passed his associateship examination as a solo performer at the Royal Conservatory; that same year he offered his first public performance on the organ, a concert reviewed under the headline "Boy, Age 12, Shows Genius as Organist."
At the age of 14, Gould made his debut as soloist at a Royal Conservatory orchestral performance of Beethoven's Fourth Piano Concerto. His first public recital was in 1947, and featured works by Scarlatti, Beethoven, Chopin, and Liszt; his debut network radio recital followed over CBC airwaves in 1950, and marked the beginning of his long relationship with broadcasting and recording. In early 1955, Gould made his New York debut, and within hours signed with Columbia's Masterworks imprint. His first recording, a performance of Bach's Goldberg Variations, became an instant best-seller, and he went on to make over 60 more recordings for the label in the years to follow. In 1957, Gould toured Europe, and at the peak of Cold War tensions he became the first North American ever to perform in the Soviet Union. His concert career continued to great success during the early '60s, but in Los Angeles on April 10, 1964 — with no advance warning, and without fanfare — he delivered his final public performance.
Gould's decision to retire from live performances was in part a result of his desire to focus more of his energies on writing, broadcasting, composing, and conducting; his first major new project was a "sound documentary" called The Idea of North, a philosophical musing on the meaning of northern existence. Keeping in contact with the outside world primarily over the telephone, Gould was often out of the spotlight for long periods of time, but in 1981 he broke with his long tradition of not re-recording material to return to the work with which he remained most closely identified, the Goldberg Variations; his decision was motivated in large part by the vast improvements in technology during the quarter century that separated the two recordings. Months later, he formed a Toronto chamber orchestra, serving as their conductor on a recording of Wagner's Siegfried Idyll; it was his last major work — Gould died on October 4, 1982, after suffering a stroke. He was just 50 years old.

巴赫在世的最后几年，主要花费时间在删改和完成先前的作品上面，但他仍继续写出新的作品。
《键盘练习曲集》第三卷出版之后，过了3年，第四卷在1742年也问世了，其实这是一套完整的作品。内容是咏叹调的三十首变奏曲，是巴赫为学生哥德堡（Goldberg）创作的乐曲。据说，俄罗斯驻德雷思顿大使冯·凯塞林男爵（Baron von Kaiseriling）因为晚上经常失眠，就让他的管风琴师哥德堡作一首催眠曲，用来在入睡前弹奏，哥德堡就向他教师巴赫求救，巴赫信手拈来，在短时间内，创作了这部作品。不过据英国传纪作家，蒂姆·道雷的《巴赫传》所述，这首曲子其实是凯塞林男爵直接委托巴赫写的，因与巴赫有师徒缘份的哥德堡每晚必须弹奏此曲而得名。这部作品堪称是“巴赫所有键盘作品中结构最简单、最扎实的作品，它气势磅礴、雄壮精美，经由技艺超群的大师巧妙演泽，将最严密的逻辑秩序和最自由的抒情表达融而为一，使人为之惊叹”。
加拿大钢琴家古尔德很好地把握了巴赫的精髓，用现代钢琴再现了这部原为大键琴写的作品的丰富内涵。古尔德成名后，第一张录制的唱片就是这首《哥德堡变奏曲》，当时的录音公司，即sony公司的前身哥伦比亚公司的职员问他，是不是换一首常见的，要知道在古尔德之前只有著名的波兰钢琴家兰多夫斯卡录过此曲，这样会不会太冒险。但年青的古尔德很有礼貌地固执了已见。就在它的唱片发行后，全世界爱乐者的心都被征服了，原先对巴赫音乐敬而远之的人，通过古尔德的诠释，开始读懂了巴赫严谨背后的美，许多人将其视为珍品。也许世界上唯一对这张唱片不满意的就是古尔德本人。在数码技术出来后，古尔德又重新录制了此首，且是他生平唯一的一次重录。原先自己用了20多年的斯坦威钢琴也变成了雅马哈钢琴，还是别人闲置在一边的旧钢琴。
谁也不清楚古尔德为什么重录这部作品。重录，某种意义上说就是对先前的否定，不过他的确公开否定了被公认为他里程碑的1955年录制版。“我无法与录制这张唱片的这个人的精神形成认同，就像这张唱片是一个别的什么人录制的与我无关。”确实，摆在我们面前的这张唱片，似乎没有先前演释的那种猛然攫住你的力量，但它更加严肃，更加柔情，更加具有声层的感染力……咏叹调主题沉静的深思，第15变奏中触键的变幻莫测，第25变奏中史诗般的距离感，所有这一切使这个1981的数码版，染上了一层超物然外的深刻宁静的气质。演奏时间也由原来的38分27秒放慢至51分15秒，特别是最后的咏叹调，他真的是在说，永别了，有种有意拖长的，令人揪心的口吻……
早先少数几个演奏过《哥德堡变奏曲》的钢琴家基本上都遵循老的传统。现在古尔德重又回到了早先的传统。但是这不是简单的回复，而是更高层次的扬弃。如作品以同一主题不断变奏的同度卡农、二度卡农、三度卡农直至九度卡农贯穿其中，互相之间安排性格不同的两个间播段进行对比，最后又回到“本体”——主题本身，这种既变化又统一，既和谐又对比，从一个本源出发，逐步发展，变形又回到本体，这一构想本身却具有更普遍、更广泛、更宏观的哲学内涵。正如黑格尔在《美学》中所说的，艺术在感性的面纱下揭示理念的发展，直到“看到更远的精神这一客观形式回转过来，把它扬弃，而后又返回自身”。
虽然，可以将古尔德1981年的版本，听成是他死前的永诀，如果仔细倾听，认真品味。我们发觉他的表情并没有过份的沉痛和悲哀，相反很宁静、深秋般的宁静。古尔德在巴赫的伟大音乐中，战胜了死亡，超越了自我，在生命最后时刻，似乎真正接受了上帝的福音。他知道自己已修成正果，成了名副其实的艺术圣徒。
他，从巴赫开始，以巴赫结束。
曲目介绍：
J. S. 巴赫的《哥德堡变奏曲》，BWV988，是巴赫著名的键盘作品，大约作于1741-1742年间。这部伟大的变奏曲原名叫做《有各种变奏的咏叹调》，1742年出版，此作为巴赫的学生哥德堡(Johan Theophil Goldberg)而作。哥德堡是侍奉当时驻在德累斯顿的俄国使臣凯瑟林(Hermann Karl Von Keyserlingk)伯爵的年轻演奏家。巴赫曾把他的《B小调弥撒》献给凯瑟林，因此而获得“宫廷音乐家”的封号。1741-1742年间，凯瑟林居住在莱比锡，让哥德堡师从巴赫，学习演奏技巧。伯爵患不眠症，失眠时就需哥德堡为其演奏，哥德堡以演奏需要，求巴赫帮助谱曲。巴赫当时作成这部变奏曲之后，凯瑟林送他一只装满100枚金路易的金杯以酬谢。
这是音乐史上规模最大，结构最恢宏，也是最伟大的变奏曲。这部变奏曲是为两层大键琴而作，巴赫在各段变奏里都指定了键盘的种类。变奏曲的形式，是以一个基本主题，引导出对比命题和对应（反对）命题，然后再探求演绎与对比的各种可能性。巴赫这部作品，以他1725年为安娜·玛格达琳娜而作的小曲集中的一首萨拉班德舞曲作为主题，发展成30段变奏。这30的数字，由3所支配，以3个成一组的变奏，以卡农的方式表达：一位齐声的卡农，二为二度卡农，三为三度卡农……此后达到第九个卡农后，第十变奏为四声部的赋格，之间不断出现创意曲、托卡它、咏叹调等各种形式。第一曾与第二层键盘交替。第十六变奏作为中心，速度分为前后两半，这种作曲技巧所构成的建筑结构之微妙，实在令人叹为观止！
这部作品共分32段，第一段以那首萨拉班德舞曲的主题开头，第32段是经过30段变奏后和缓地、平静地重新回到主题，不同的是第一段的简单主题经过30段变奏后，已变得异常丰富和复杂。
30段变奏分别是：
1.使用第一层键盘，二声部，前奏曲风格，拍子和调性与主题类同。
2.三声部，实用第一层键盘，上二声部暗示主题，低音不随基本旋律。
3.卡农，三声部，实用第一层键盘。
4.模仿前一变奏。
5.第一、第二层键盘交替表达。
6.第一层键盘的二度卡农。
7.第一、二层键盘交替表达，西西里舞曲风格。
8.使用第二层键盘，二声部，活泼的托卡它风格。
9.使用第一层键盘的三度卡农，三声部。
10.第一层键盘，四声部的小赋格。
11.使用第二层键盘的托卡它风格。
12.第一层键盘，四度卡农。
13.使用第二层键盘，抒情风格。
14.使用第二层键盘，活泼的前奏曲风格。
15.由原来一直的G大调转为G小调，第一层键盘，五度转位卡农，行板。
16.又变成G大调，前半部慢后半部快，序曲，把法国风格序曲的三段式改为两部：前半部为二声部前奏曲风格，行板；后半部为三声部小赋格，快板。
17.使用第二层键盘，二声部的托卡它风格。
18.使用第一层键盘的六度卡农。
19.使用第一层键盘，舞曲风格，三声部。
20.使用第二层键盘，具华丽的技巧。
21.七度卡农，部分使用半音阶。
22.托卡它风格，宁静的调子。
23.使用第二层键盘，模仿对位方式。
24.八度卡农，使用第一层键盘。
25.变成G小调，使用第二层键盘，浪漫的幻想曲性质，偏重于半音阶技法。
26.恢复G大调，前奏曲风格，慢拍和快拍子之间的旋律对比。
27.使用第二层键盘，九度卡农。
28.使用一贯的震音发挥华丽效果。
29.主调音乐样式，第一、第二层键盘交替。
30.使用第一键盘，标记是Quodlibet。Quodlibet是起源于中世纪的演唱方式，一种组合数首熟悉的民歌的乐曲。这里使用了17世纪意大利流行的民歌《被甘蓝和芜菁所追赶》和德国民歌《离开家已有许久》，使两者旋律以对位的方式互为缠绕。