亞瑟．丹托（Arthur C. Danto）是當代美國哲學家兼藝評家，現任哥倫比亞大學教授，他是一位強烈主張終結論的後現代主義理論家，其於1984年發表的論文〈藝術終結〉（The End of Art），宣稱藝術歷史告終，或更確切的說，指的是大論述或藝術進化觀的終結。
此爭議性命題一出，自然引發諸多熱烈討論。本書主要架構源自作者於1995年春天，受邀至華盛頓梅倫講座的講稿，除了對先前「藝術終結」的概念作進一步延伸和說明外，作者更以此帶出當代藝術發展的種種現況，剖釋藝術歷史結束和創作之間的互動關係，因此「藝術終結」的概念不可謂不是了解全書的一把鑰匙。
丹托的終結乃是對大論述的批判，企圖回歸藝術本質，從哲學角度審視藝術，或許正如丹托所言，整個當代藝壇的發展或許正是藝術哲學化的結果：傳統論述築起的高牆倒下，現代主義奉為圭臬的純粹性消失，藝術活動不再定繪畫於一尊，連帶地美術館的定位都要重新調整，當代藝術世界所展現出來的是前所未見的多元化，不但是題材多元，使用的媒材也多樣，而且更要和社會脈動或大眾文化結合，反映人類存在的真實面貌。
綜觀全書，讀者不難發現丹托念茲在茲的問題即為「何謂藝術？」，尤其在藝術多元的今日，視覺或感官刺激已經不是判斷藝術的唯一條件，勢必更加依賴「思考」，方可決定何謂藝術何謂非藝術？「兩件外觀完全相同的事物，如何判斷一為藝術品另一為非藝術品」，丹托對藝術展開全面的哲學探索，便是受安迪．沃荷的「布瑞洛盒」（The Brillo Box）所啟發，與此觀點相關的子題是單色畫的實質內涵，丹托亦有相當精闢之探討。
歷史論述既已遭處決，藝術世界獲得前所未有的自由，各國或各地藝術家紛紛起而創作「自己的」藝術，當代藝術家所處的年代究竟是金色年代還是灰色年代？這樣的發展動向是悲劇亦或是喜劇？實在無法一言以蔽之，現在藝術家可以任意佔用現存的各種風格，但僅止於討論的層面，一切創作都要落實在我們自己的時代，方才算數。

由藝術家策劃、群眾來協作
人類對社會系統、存在境遇的另類對峙
一條必須深刻檢視的特殊取徑
參與式藝術對參與者以及觀看者傳達在日常生活裡被壓抑的種種弔詭，
並誘發出變態的、讓人不安的、愉悅的經驗，
讓我們得以重新想像世界以及我們的各種關係。
它既是世界裡的一個事件，同時也脫離世界。
自從1990年代以來，評論家和策展人大抵上都認為，參與式藝術究其極是個政治藝術：他們鼓勵觀眾和藝術家合作，而促進新的解放式社會關係。在世界各地，這種表現形式的捍衛者不可勝數，從諸如格蘭．凱斯特之流的史學家、布西歐和納托．湯普生（Nato Thompson）之類的策展人，到諸如夏儂．傑克森（Shannon Jackson）的展演理論家。
《人造地獄》是關於社會投入的參與式藝術的第一部歷史性和理論性概述，在美國稱為「社會實踐」。克萊兒．畢莎普探索二十世紀的藝術軌跡，檢視參與式美學發展中的各個關鍵時期。這個旅程遍歷了未來主義和達達派；情境主義國際；東歐、阿根廷和巴黎的偶發藝術；1970年代的社區藝術運動；以及藝術家安置團體。它以當代藝術家倡議的長期性教育計畫作結，例如赫胥宏、布魯格拉、阿塔莫和陳佩之。
自從2006年在《藝術論壇》（Artforum）發表的爭議性論文以來，畢莎普一直是少數勇於挑戰參與式藝術的政治和美學野心的人。在《人造地獄》裡，她不僅仔細檢查這些計畫的解放性主張，對於這些藝術作品所引發的倫理（而非美學）判準，她更提出了替代方案。《人造地獄》呼籲一個關於藝術和政治沒有那麼規範性的進路，提出一個更引人入勝的、讓人不安的、大膽的參與式藝術和評論的形式。
本書特色
1.「人造地獄」出自布賀東，針對1921年由達達主義者發起的一連串「遊覽和參觀」活動所寫的同名的遺作，在其中，他提出公領域的社會瓦解的劇烈位能。畢莎普以此為書名是要作為參與式藝術正面和反面的描述符號。
2.作者試圖找出對參與式藝術負責任的方法，關注它產生的意義、而不是只看過程。
3.本書為參與式藝術提供一種評論的進路以及對作品品質（社會影響）的判準，解決一直以來此類藝術缺乏評論距離的窘境。
名人推薦
「當代藝術家的好意經常是鋪了一條通往地獄的路。克萊兒．畢莎普追蹤他們的墮落直到煉獄，邀請讀者分享她如何為一路所發現的事物驚豔不已。《人造地獄》結合了大量的歷史知識和個別藝術實踐的準確分析。以致於到了她的新書末了，我們開始愛上地獄──條件是它始終是人造的。」──《藝術力》（Art Power）作者　葛羅伊斯
策展人、國立台北藝術大學藝術跨域研究所副教授兼主任　林宏璋──專文導讀

布赫迪厄討論文化生產最重要的作品，
為其藝術社會學理論集大成之作。
透過科學分析，對於作品的感性之愛，就能實現在某種對事物的理智之愛。——布赫迪厄
皮耶‧布赫迪厄（Pierre-Félix Bourdieu, 1930-2002）是法國當代重要的思想家，也是20世紀最具影響力的社會學家之一。
本書是布赫迪厄以19世紀下半葉的法國文學場域為起點，所展開的一場對於文學與藝術場域的深刻分析。書中，他企圖在場域系統中把社會結構與複雜的情感心理連結起來，並以福樓拜的《情感教育》作為一個寫實主義文本裡的社會生活寫照摹本，深入發揮他的場域理論。
全書共分為〈前言〉、〈序曲〉和三個部分。作者分別在〈前言〉指出當代學術研究問題所在，並提出解決之道；〈序曲〉主要針對《情感教育》的分析；〈第一部〉，以法國19世紀中葉以後的文學與藝術現象，討論了文化生產場域中的自主性問題；〈第二部〉，為藝術作品的系統科學分析設立了基本原理；〈第三部〉，則是對純美學的分析。
布赫迪厄首先提出一個對於文學與藝術作品的質疑，亦即「為什麼那麼多人宣稱藝術作品的體驗是不可言喻？為什麼人們會表現出抗拒文學與藝術作品的科學分析？」對此，他認為社會學家對於文學與藝術作品的科學分析，並不會破壞閱讀或觀賞文學與藝術時的愉悅感受；此種科學分析看似消解了創作者先驗的特殊性，但這全是因為要重建那個圍繞著作者、將作者「像個點一樣地包含進來」的社會權力場域空間，並且在重建工作的最後，再找回這份特殊性。
而福樓拜與其小說《情感教育》即是布赫迪厄實踐此種科學分析的楔子。透過對於《情感教育》當中各個角色的討論，布赫迪厄指出，小說此種文學類型——如同《情感教育》所顯示出的那樣——之所以如此迷人而深具魅力，就在於其呈現了一個「真相」，亦即作者在小說當中所架構出的某種社會世界結構，也即是某種權力場域，在其中，每個角色及其之間，都象徵了在場域當中受到秉性（disposition）與各種慣習（habitus）影響的各個位置（position）、及所佔位者之間的關係。布赫迪厄繼而論證了，無論文學或藝術，所有社會場域的運作，其根源皆是一種「幻象」、一種對於場域內「遊戲」的潛心投入，亦即一種集體生產與複製的集體信仰價值，藉此交織建構出社會世界的意義，同時，也是各個位置之間的認證權力的壟斷與鬥爭。
由此，我們才能夠真正理解在那些由文學作家所打造的幻覺形式（小說），又或者是藝術家所拋出的關於藝術作品的體驗當中，究竟是什麼樣特定的構成條件，使得這些作品得以成立，並受到讀者與觀眾的認可。
本書可謂讓藝術從純粹藝術、美學的探討角度，轉而去分析作家、作品、團體和社會場域之間的關係。
本書特色
1.百年來不可不讀的當代社會思潮經典。
2.布赫迪厄討論文化生產最重要的作品。
3.內容廣博精深，可說是布赫迪厄藝術社會學理論集大成之作。
名人推薦
淡江大學西班牙語文學系專任副教授 林盛彬

失戀越糟糕，藝術越完美
Douleur exquise，一個無法翻譯的法文詞彙。
在醫學上，指局部的劇烈疼痛。
在情感上，指失去一個人，或明知愛一個人而不可得，卻仍無法割捨，無時無刻不渴望待在對方身旁的椎心之痛。
視覺藝術通常無法像文學或電影那樣，激起觀者強烈的情感及共嗚，法國藝術家蘇菲．卡爾的作品卻是例外。她以攝影與文字敘事並行的手法，從個人的生命經歷出發，剖析現代人的脆弱、親密感與自我認同，開創了一種描述人類感情的新形式，被譽為「將個人私密性推向藝術高度的操控大師」。
蘇菲．卡爾自曾述：「在我的作品中，最重要的是文字，然而，影像卻是一切的開端。」 在這部《極度疼痛》中，她將自己及別人生命中最劇烈的傷痛經驗扒開、晾曬，既拍出自己失戀之痛的所有證據，也把她的失戀故事重述了三十六遍，同時也請三十六人講出生命中最痛苦的一刻。
在一次次的重述與聆聽中，她的話越來越短，字跡越來淡，心境也從炙烈的痛苦慢慢冷卻，直到漫不在乎。幾乎如同文體練習般，她在書籍的左頁上演了由深至淡的三十六種悲傷心境，而書籍的右頁，卻在一則則新加入的故事中，構成越來越龐大的劇痛，而讀者也在一頁頁的翻動中，參與了這場集體驅魔。
藝術家將二十年前的一場心碎分手，變成一部詩意、動人，甚至帶著幽默的藝術作品。這既是一場藝術演出，也是女性以精神及想像克服傷痛的計謀。
全書分三部分。第一部分「疼痛發生前」是作者搭火車從巴黎一路經西伯利亞到北京、上海、香港，再搭船抵達日本的遊記，以照片為主⻆，構成一部思念情人的記憶拼圖。第二部分「痛苦發生時」，期待了九十二天的相會落空，一通簡短的電話宣告情人的分手，而客房中的一切，包括那部紅色的電話，也構成了作者痛苦的框架，在之後如影隨形。第三部分「痛苦發生後」是本書最重要的精神旅程，作者終於在三十六次的重述和三十六次的聆聽中，完成了痛苦的淨化。
名人推薦
黃亞紀、徐堰鈴、聶永真
重要事件
莎士比亞的姊妹劇團以本書為藍本，於2013年推出舞台劇《不在．致蘇菲卡爾》，在法國外亞維儂藝術節三周連演二十一場，挾國外好評回台連演二十六場。

敦煌研究院出品，包含敦煌市莫高窟、西千佛洞、瓜州县榆林窟、东千佛洞和肃北县五个庙石窟的主要石窟的内容，按照时间顺序排列，从十六国北凉时期（421）到元代时期（1386），每幅图片配有文字说明，是欣赏莫高窟艺术很好的参考导读。此书仅在当地由敦煌研究院出售，不公开发行。

享誉世界的中国艺术史家巫鸿，在美国名校讲授中国艺术史各领域的第一堂课汇集，是中国艺术的入门级读物。
《第一堂课》堪称中国版的《艺术的故事》，它以深入浅出的讲解，系统展示“中国美”的意蕴，带你领略中国艺术的至高境界。
这是让世界了解中国艺术的第一堂课，也是中国人走进自己伟大文明美的历程的第一堂课。
……………………………………
作为中国美术史领域国际著名的学者，巫鸿教授自上世纪开始尝试进行中西两种文化的转译，开启了一种新的中国艺术史写作范式。本书便是巫鸿30年来在哈佛和芝大给学生第一学期第一堂课的讲稿合集，希望中国读者可以通过他的眼光，重新发现和认识本国的艺术与文明。
这两个大学的开学第一堂课都是由教授向大学生介绍本门课程到底是研究什么的，以供大学生做选修的参考。哈佛和芝大的美术史课程都分为三个档次。最基本的是为本科生专门设计的“核心课程”(Core Course)，目的在于为“有教育的年轻人”提供基本知识修养。中间一级是本科和研究生均可遴选的课程，专业程度因而随之增强。最高一级是给研究生，主要是博士生开设的小型讨论课，这种课强调不间断的互动、讨论、磋商以及学生的独立研究。本书所收的讲稿包括了这三种课程。
不同于以往的艺术史著作，作者用一种专题性的讲述方式，来代替以往以时间为线索的艺术发展史写作，并以深入浅出的语言，将作者思想中的每一个灵光，汇聚成一片星丛，在更为真实、开放的历史时空中展开。

《画法要录》初编十七卷，二编十卷，书画家、书画理论家余绍宋先生辑撰。余绍宋幼承家学，长于书法，中年后始从事绘画，为‘新传统派’之代表人物。其对中国古代书画著述及理论颇加留意，其研究著作之最著者《书画书录解题》，系中国古代书画典籍目录学开山之作。
《初编》专为摹习山水画而作，分类辑录中国古代画学专著的相关论述，依次编排，凡有观点近似或不同者，则以注文形式附后，间有余氏所加案语，考订精当。《二编》则为除山水画之外的其他画学分科，体例与初编相似。另有颜料和点缀两部分，加上《初编》中的纸绢、题识二部分，中国古代绘画的方方面面，尽收于一书之中，非但便于初学，即使从事绘画多年者，亦可从中大获禆益。职是之故，该书一经问世，大受欢迎，曾多次影印再版。
本书首次加以校点整理，除分段标点外，对原书的讹误亦详加校勘，俾其更加完善，以便读者。

【编辑推荐】
◎ 推特CEO杰克·多西(Jack Dorsey)真诚推荐，著名导演大卫·林奇(David Lync)的枕边书，美国艺术院校常年推荐书，影响了近百年绘画者的艺术启蒙经典。
◎ 收录美国著名艺术教育家、现实主义先驱罗伯特·亨利100年前的信笺笔记、艺术评论， 真实再现20世纪欧美艺术界观念流派与历史脉络。
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罗伯特·亨利，
一位与雷诺阿、塞尚同时代的大师，
一位于天才辈出的19世纪，桃李满天下的艺术引路人。
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在他身后，遗留下的浩繁笔记、书信、讲稿和文章，在此汇集成册，
璞玉不琢，完整呈现一百年前的原始篇章。
书中涵盖了他对美的全部认知，
对线条、块面、明暗、色彩、笔触、背景的独到见解，
对伦勃朗、提香、马奈、雷诺阿、塞尚的批评，
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对时代审美的反思，对艺术个性的鼓励，对永恒艺术的追寻……
透过他的只言片语，你将抵达超越时间与空间的，那个瑰丽而伟大的思想所在。
那就是艺术精神。
【媒体推荐】
“它帮我顺利过渡难关，帮我开始，也帮我完成了很多事。它为艺术学子讲述创造力，但我认为，对于所有那些即将面对挑战的人来说，它依然非常具有说服力，希望你也能成为这本书的读者之一。”
——杰克·多西 Twitter（推特）创始人
“每个人都有过在生活中动些巧思的经历，让各种事物更好、更美、更有效率或趣味。《艺术精神》就是这样一座充满智慧的宝山，永远指引着你真诚的方向，它会占据你的床头，读它百遍也不嫌多。”
——简忠威 国际知名水彩画家
“35年前我就买了这本书，当时某些段落我根本读不懂。后来我重读了一遍，发现同样的段落居然展现出了不同的意义。罗伯特·亨利将艺术家们试图表达的东西都写了出来。这是一本鼓舞人心的书，它可以帮助艺术家找到自己内心深处的创造精神。”
——凯文·麦克弗森（Kevin Macpherson）美国著名油画家，《油画的光与色》作者
“在我的书房里，被我看得最破的书有两本，一本是罗伯特·亨利的《艺术精神》，一本是梅约的《手册》。”
——理查德・施密德（Richard Schmid）世界知名画家、教育家
“我还记得当时在纽约联合广场，听到学生热烈讨论亨利晚课的讲话。那次讨论相当激烈，也许没人会相信，这些年轻人白天做苦力，晚上却来画室作画数小时。他们聊完天后就在长椅上倒头大睡，因为他们连租一间房过夜的钱都没有。那些尊重表达自由的男男女女，从未忘记也无法忘记亨利曾给予他们的如此宝贵的一课。”
——福布斯·沃森（Forbes Watson） 纽约艺评家
“《艺术精神》之于艺术学生，犹如《圣经》之于基督徒。”
——美国亚马逊读者

我用这三场讲座做了一件我一般不太做的事，就是直接地讨论美术史研究中的概念和方法。我感到，美术史在中国是个有活力、吸引年轻学子的领域，因此希望将这个系列讲座想象成一个短期课程，从方法论的角度总结一下自己的学术研究和面对的问题，在总结和发展以往学术成果的基础上，引导听课者思考问题、寻找新的题目、做新的研究。——巫鸿
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《“空间”的美术史》是巫鸿教授应OCAT研究中心之邀于2016年6月20—22日在芝加哥大学北京中心进行的系列讲座的整理出版。
美术史对视觉对象的分析长期以来围绕“图像”和“形式”这两个核心概念展开，而“空间”及与之有关的概念不断出现在作者的美术史写作中，开始形成观察、描述和解释美术作品中的一个框架。
本书以“空间”为线索，将作者多年对中国美术史的研究在方法论的高度上进行整合，并从教育者的角度，首次为国内年轻学子开启“讲习班”模式，为学生总结自己以往研究的意图，讲解自身的治学经验。
讲座部分中英文共同呈现，同时收录与中央美术学院郑岩教授、浙江大学沈语冰教授和广州美术学院李清泉教授的三场精彩对谈，带来对“空间”主题的多角度思考。

20世紀最偉大的攝影家之一，被譽為「現代新聞攝影之父」的亨利‧卡提耶-布列松，他如詩歌般雋永的黑白攝影作品，一幕幕見證著時代重大變革的黃金比例構圖，影響著一代又一代的攝影人，直至今日。1947年，他與戰地攝影師羅伯•卡帕等人，共同創辦馬格蘭攝影通訊社，透過他最愛的萊卡135旁軸相機與50mm的標準鏡頭，我們跟隨著他的視角，直抵歷史上重大事件與人物現場——西班牙內戰、古巴的卡斯楚與切•格瓦拉、中國共產黨勝利前夕、甘地遇刺前的數個小時，他也是冷戰期間第一位進入蘇聯的西方攝影記者⋯⋯奠定了這位攝影大師在攝影史上不可抹滅的地位。
本書是布列松迄今唯一攝影精華文字集結，完整收錄他在1952年寫下的經典〈決定性瞬間〉一文，此文當年出版後，儼然成為報導攝影界的BIBLE：從如何透過影像說故事、攝影主題、構圖、色彩、技術、客戶⋯⋯等全面性思考，今日讀來依然深富啓發性，是布列松留給後代攝影人最偉大的遺產。
在書中，他也回顧了動盪時代的第一手採訪報導：1948年共產黨勝利前夕的中國、1963年第一手採訪古巴革命領袖切˙格瓦拉，以及1954年首度進入蘇聯等歷史片段。書中更收錄他寫給雕塑家賈克梅第、電影導演尚˙雷諾、攝影家安德烈˙科爾提茲、卡帕、恩斯特˙哈斯等友人的短信與評論，溫暖的筆調、機智的思考，是歷史雲煙和時代刻痕環繞下，以心靈之眼緩緩道來的洞見。

本书从尼罗河流域说到两河流域，从腓尼基和塞利努斯说到雅典的帕特农神庙。就像作者在本书前言所说的那样，她并不尝试提供一本希腊艺术史的入门手册，甚至也不是要介绍其发展梗概，而只是要形成一个思想，要解答两个问题，即为什么埃及、亚述和腓尼基都已经消亡，而希腊却能永葆青春，鲜活依旧？通过对希腊艺术的思考，我们得到的不仅仅是感官的印象，还有一种恒久的满足感，以及在道德和心智上继续成长的冲动，这是为什么呢？作者认为可以从希腊艺术的某种特殊品质中找到这些问题的答案，这一品质可以适应各个时代的意识，其中并不包含可能造成其死亡的种子，这一品质就是某种广博和普适性，个体的民族可以消亡，但是这种品质永存不朽。作者称这一品质为“理想主义”（Ideality），这也是这本小书所要阐述的唯一对象。最早写作的是关于菲狄亚斯和帕特农神庙的大理石雕塑所体现出来的理想主义，其中包括了本书的主旨，而前后的其他章节只是必要的前奏和续曲。

《中国青铜器全集1:夏商1(竖排版)》选录夏代青铜器二十余件、商代早中期青铜器一百三十余件，其中一些作品为首次面世。中国青铜器经历了产生和最初的发展阶段。夏和商早中期青铜器即是这一阶段的作品。夏、商早中期青铜器，继承了龙山文化陶器的造型和艺术特点，经过长期的发展变化，逐渐形成了独特的艺术体系。这一阶段的青铜器，由小到大，从简到繁，由朴素无华到富丽堂皇，为商代晚期以至两周时期青铜器的高度发达奠定了基础，在考古学和美术史上占有举足轻重的地位。

本书的写作起源于哲学发动的两场对艺术进行剥夺的运动。作者试图解说有关艺术和阐释、艺术和哲学、艺术和历史意识的主题，其目的是要表明：我们已进入一个后历史的时期，对艺术不断的自我革命的需求现已消失，阅读此书就像阅读一部独立的哲学史话。

初稿写于20世纪30年代，那时傅雷只有26岁，刚从法国留学归国不久，受聘于上海美术专科学校。为了教学，他根据留学积累的资料以及多年来钻研的体会，边授课边为学生陆续编写有关世界美术史的讲义，1934年离校后又将讲稿重新整理、补充，写成此书。全书围绕西方文艺复兴以来近二十位美术家及其名作展开，细述这样一种艺术的出现与发展。讨论从艺术风格延至人格操守，又涉及时代与环境，并融入了对相关文学、音乐、哲学的感悟，虽浅显通俗，却耐人回味。