《艺术的故事》概括地叙述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，每一件作品在这历史中都既回顾过去又导向未来。
继1997年三联版《艺术的故事》后，英国费顿出版社授权广西美术出版社独家出版，也是国内唯一合法授权的版本。

文学是可爱的。生活是好玩的。艺术是要有所牺牲的。
八十年代末，木心客居纽约时期，亦自他恢复写作、持续出书以来，纽约地面的大陆和台湾同行在异国谋饭之中，居然促成木心开讲“世界文学史”，忽忽长达五年的一场“文学的远征”——从1989年1月15日开课，到1994年1月9日最后一课，每位听课人轮流提供自家客厅，在座者有画家、舞蹈家、史家、雕刻家等等。
听课学生陈丹青说，“我们当年这样地胡闹一场，回想起来，近于荒谬的境界：没有注册，没有教室，没有课本，没有考试与证书，更没有赞助与课题费，不过是在纽约市皇后区、曼哈顿区、布鲁克林区的不同寓所中，团团坐拢来，听木心神聊。”
菜单开出来，大家选。从古希腊神话、新旧约，到诗经、楚辞，从中世纪欧洲文学，到二十世纪文学世界，东方西方通讲，知识灵感并作。其中听的听，讲的讲，“金句”纷披，兀自燃烧。“讲完后，一部文学史，重要的是我的观点。”木心说。古代，中世纪，近代，每个时代都能找到精神血统，艺术亲人。
他爱先秦典籍，只为诸子的文学才华；他以为今日所有伪君子身上，仍然活着孔丘；他想对他爱敬的尼采说：从哲学跑出来吧；他激赏拜伦、雪莱、海涅，却说他们其实不太会作诗；他说托尔斯泰可惜“头脑不行”，但讲到托翁坟头不设十字架，不设墓碑，忽而语音低弱了，颤声说：“伟大！”而谈及萨特的葬礼，木心脸色一正，引尼采的话：唯有戏子才能唤起群众巨大的兴奋。
木心开讲时六十二岁。多少民国书籍与读者，湮灭了。他的一生，密集伴随愈演愈烈的文化断层。他不肯断，而居然不曾断，这就是纽约世界文学史讲座潜藏的背景：在累累断层之间、之外、之后，木心始终将自己尽可能置于世界性的文学景观，倘若不是出走，这顽强而持久的挣扎，几乎濒于徒劳。
如今，听课学生陈丹青整理那五年那五册听课笔记，共八十五讲，逾四十万字，结集这本大书时，已不再将之仅仅看做“世界文学史讲座”。诚如木心所最早时设想的那样，这是他自己的“文学回忆录”，是一部“荒诞小说”，“在自己的身上，克服这个时代”。
这也是木心留给世界的礼物，文学的福音书。
本书首次披露的木心先生及其亲属的珍贵照片，由陈丹青先生和木心的外甥王韦先生提供。附印民国版本的世界文学书影，是一部民国出版史的私人旁证。

峨眉电影制片厂主办。

坦诚客户缺点的广告公司、自学建筑的普利兹克奖得主、拥有四个博士学位的调香师 、四十年坚持把生意做小的出版商…… 将每期数千元的杂志卖脱销的时尚编辑 本书集结了PPAPER自创刊以来50位全球重量级设计师、建筑师、时尚编辑等活跃于创意文化产业一线的大师及团队，以访谈的形式 娓娓道来这些文创领域执牛耳者们的行业经验、生活趣味、执业素养及创作观念，配以数百幅代表作品图片，一本书网罗全球创意先驱全纪录。

1971年至1978年，徐小虎就中国书画笔墨问题对旅美书画收藏家、鉴赏家、画家王季迁先生进行了一场马拉松式的采访。在徐小虎的巧妙追问下，王季迁尽最大努力解释了中国传统书画中“只可意会，不可言传”的大问题。二人以时而犀利时而风趣的问答，对中国古代书画的时代风格、笔墨特质、 用笔技法、构图布局提出了各种精辟的观点。
这本书的诞生，有赖于难得的机缘巧合——结合当代数一数二中国传统鉴赏巨擘王季迁，以及拥有双重语言背景的提问者—诠释者徐小虎——徐小虎具备知识、热情与耐心，以灵敏而尊重的态度，引出王氏的看法与感知，任何读者只要仔细阅读，并不时参考书中插图，都会发现自己对这些无价艺术杰作的欣赏，已增添一层新境界。 ——高居翰（加州大学伯克利分校教授）
吴湖帆先生……可以在他的许多弟子中求拔萃之才，我以为王季迁先生不仅能全面继承乃师，而且是后来居上，青出于蓝而胜于蓝，吴先生地下有知，必为此感到欣慰。 ——杨仁恺（著名书画鉴定家，原辽宁博物馆馆长）
高居翰曾在日本购得一幅山水，由于破损，题字和印章都漫漶难认。经过谨细的风格比较辨析后，他认为出诸谢时臣之手。另一位生活在东京的中国鉴定家费力地研究了题跋和印章后也得出同样结论。而王季迁展卷一览，即断为谢时臣。王季迁这样的法眼，举世又有几人？ ——范景中（中国美术学院教授）

What does it mean to be lonely? How do we live, if we're not intimately engaged with another human being? How do we connect with other people? Does technology draw us closer together or trap us behind screens?
When Olivia Laing moved to New York City in her mid-thirties, she found herself inhabiting loneliness on a daily basis. Increasingly fascinated by this most shameful of experiences, she began to explore the lonely city by way of art. Moving fluidly between works and lives -- from Edward Hopper's Nighthawks to Andy Warhol's Time Capsules, from Henry Darger's hoarding to the depredations of the AIDS crisis -- Laing conducts an electric, dazzling investigation into what it means to be alone, illuminating not only the causes of loneliness but also how it might be resisted and redeemed.
Humane, provocative and deeply moving, The Lonely City is about the spaces between people and the things that draw them together, about sexuality, mortality and the magical possibilities of art. It's a celebration of a strange and lovely state, adrift from the larger continent of human experience, but intrinsic to the very act of being alive.

每位艺术家，都与他那个时代的颜色有一份属于自己的约定。
一部揭示艺术、科学与文化协同演进历程的力作，获评第十八届引进版优秀图书，美术史学家范景中作序推荐 。
▼内容简介
艺术史的书写向来重技艺而轻材料，英国作家菲利普·鲍尔却让调色板上的无名英雄列队登场，以外观、气味、质地和名称彰显了颜料迷人的物质 属性。他搅动炼金术师的坩埚，聆听画家与画材商的争执，又拈起科学家的色卡和棱镜，细腻地谱写出梦想家与手艺人协力合作、发明新颜料的漫长故事：千百年来，艺术需求刺激了化学工艺的演进，绘画乃至整个社会生活的色彩谱系又因科学而扩张。名画背后的科技革新，给我们带来了理解西方艺术史的独特维度。
▼媒体专家推荐
这部书用科学和艺术的精工去绘制金碧山水，从而创造一套色彩的语言，帮助眼睛重新观看色彩的绘画和色彩的世界。——范景中
这部作品是对西方绘画的一次全新审视，叙述简洁，构思精巧。在学术史与一系列可读性极强的奇闻趣事和艺术家传略之间，鲍尔恰如其分地挥洒着他的渊博才学。——《每日邮报》
一部研精究微、信息量极大的色彩大全。——《泰晤士报文学副刊》
充满了妙趣横生的小插曲……鲍尔动人地书写了诸多复杂的主题。——《星期日电讯报》

本书是经典之作《摄影的艺术》的升华篇。《摄影的艺术》被认为是具可读性、易理解和全面的摄影教科书。现在，作者将他在摄影实践中领悟的更多关于摄影的本质、观察与创意的内容编写下来，作为前一部著作《摄影的艺术》的升华与补充。本书可以拓宽你的摄影视野，让你看到除了摄影技术以外的更多更有意义的理念与观点。 　　本书有以下重点内容：如何用有意义的、甚至持久的方式透过摄影表达自我；如何把摄影当成视觉研究实验，无论你使用数码还是胶片，或是其他影像创作方式；介绍视觉探索、试验和自我满足；如何面对场景（包括人造的场景和遇见的场景）和如何发现场景中可用作个人表达的潜力；如何创作和亚当斯、韦斯顿、卡帕、坎宁安、萨尔加多等大师作品一样具有持久影响力的摄影影像。 　　Bruce被公认为是世界上杰出的风景和建筑摄影师之一，同时又是摄影领域杰出的导师之一。本书是其摄影教材的化身，经过35年的发展、演变和提炼，它已成为一本在未来多年内仍将具有持久意义的、价值无可估量的摄影参考书。对于有想法的摄影师，这确实是一部不可多得的好书。

巴恩博编著的《摄影的艺术》是经典之作《摄影的艺术》的最新修订版（原版于1994年出版），这部著作被认为是最具可读性、最易理解和最全面的摄影教科书。现在，它已经更新了数码摄影的内容。这本书有超过100幅黑白和彩色摄影的插图，还有各种图表，可以帮助初学者、进阶者乃至高级摄影师找到自己的摄影表达方式。Bruce没有故作高深，也没有以高人一等的姿态进行论述，而是以清晰、简明、易懂的方式介绍了数码和传统摄影的创作技术。他还超越了技术层面，深入地讨论了有关摄影的哲学、表达方式以及创意的内容，这往往是其他摄影书避而不谈的内容。 Bruce被公认为是世界上最优秀的风景和建筑摄影师之一，同时又是摄影领域最优秀的导师之一。《摄影的艺术》是其摄影教材的化身，经过35年的发展、演变和提炼，它已成为一本在未来多年内仍将具有持久意义的、价值无可估量的摄影参考书。对于有想法的摄影师，这确实是一部不可多得的好书。

《演员自我修养(第1部)》是俄罗斯、苏联杰出的戏剧艺术家K．C．斯坦尼斯拉夫斯基最重要的作品之一，为日记体形式，主要探讨体验创作过程中的自我修养，其中所涉及的各个方面都是经过深思熟虑的，在历史上被证明了的，通过了试验，被演员职业检验过的东西，是斯坦尼斯拉夫斯基表演体系的精华所在。不管是国内的北京人艺还是好莱坞的艺术家，都以学习《演员自我修养(第1部)》为荣。此次翻译的版本是莫斯科艺术出版社1989年出版的版本，完全忠实于原著，全面贴切地反映了作者的意图。

For courses in the History of Art.
Rewritten and reorganized, this new edition weaves together the most recent scholarship, the most current thinking in art history, and the most innovative online supplements, including digital art library. Experience the new Janson and re-experience the history of art.
Long established as the classic and seminal introduction to art of the Western world, the Eighth Edition of Janson's History of Art is groundbreaking. When Harry Abrams first published the History of Art in 1962, John F. Kennedy occupied the White House, and Andy Warhol was an emerging artist. Janson offered his readers a strong focus on Western art, an important consideration of technique and style, and a clear point of view. The History of Art, said Janson, was not just a stringing together of historically significant objects, but the writing of a story about their interconnections, a history of styles and of stylistic change. Janson’s text focused on the visual and technical characteristics of the objects he discussed, often in extraordinarily eloquent language. Janson’s History of Art helped to establish the canon of art history for many generations of scholars.
The new Eighth Edition, although revised to remain current with new discoveries and scholarship, continues to follow Janson’s lead in important ways: It is limited to the Western tradition, with a chapter on Islamic art and its relationship to Western art. It keeps the focus of the discussion on the object, its manufacture, and its visual character. It considers the contribution of the artist as an important part of the analysis. This edition maintains an organization along the lines established by Janson, with separate chapters on the Northern European Renaissance, the Italian Renaissance, the High Renaissance, and Baroque art, with stylistic divisions for key periods of the modern era. Also embedded in this edition is the narrative of how art has changed over time in the cultures that Europe has claimed as its patrimony.

★ 刚才有年轻人问：“谁能救救我们？”我的回答可能会让年轻人不舒服：这是奴才的思维。永远不要等着谁来救我们。我们都得一步一步救自己，我靠的是一笔一笔地画画，贾樟柯靠的是一寸一寸的胶片。
——陈丹青
★陈丹青称他为“不一样的动物”。戛纳国际电影节“金马车奖”获得者，首个获得该奖的华人导演贾樟柯第一部回顾其电影创作和思路历程的著作。
★我想用电影去关心普通人，首先要尊重世俗生活。在缓慢的时光流程中，感觉每个平淡生命的喜悦或沉重。“生活就像一条宁静的长河”，让我们好好体会吧。
北岛在一篇散文中写道：人总是自以为经历的风暴是唯一的，且自喻为风暴，想把下一代也吹得东摇西晃。
最后他说，下一代怎么个活法？这是他们自己要回答的问题。
我不知道我们将会是怎么个活法，我们将拍什么样的电影。
因为“我们”本来就是个空洞的词——我们是谁？
——贾樟柯
★“邮政绿”皮面软精装设计，适合随身携带，细细品读“柯长”对电影艺术、社会现状的深刻思考。
本书稿是著名电影导演贾樟柯第一部回顾其电影创作和思路历程的著作，也是对其1996到2008年这十余年来导演生涯的梳理与总结，全景记录了这些年来其思考和活动的踪迹。此书2009年由北京大学出版社首次出版，此次经作者重新修订，改版推出。书中收录了贾樟柯导演生涯各时期对电影艺术孜孜不倦的探索和独特的思考，另有多篇与电影界、艺术界、媒体等多领域关键人物的代表性访谈。全书以贾樟柯所拍电影为纲，所有收录文章以发表的时间顺序排列，呈现出导演个人敏感而执着的心路历程，也体现出贾樟柯以电影抒写乡愁的深切情怀。
摄影机面对物质却审视精神。
在人物无休止的交谈、乏味的歌唱、机械的舞蹈背后，我们发现激情只能短暂存在，良心成了偶然现象。
这是一部关于现实的焦灼的电影，一些美好的东西正在从我们的生活中迅速消失。我们面对坍塌，身处困境，生命再次变得孤独从而显得高贵。
<导演的话>（“1998年，小武”）
我想用电影去关心普通人，首先要尊重世俗生活。在缓慢的时光流程中，感觉每个平淡生命的喜悦或沉重。“生活就像一条宁静的长河”，让我们好好体会吧。
北岛在一篇散文中写道：人总是自以为经历的风暴是唯一的，且自喻为风暴，想把下一代也吹得东摇西晃。
最后他说，下一代怎么个活法？这是他们自己要回答的问题。
我不知道我们将会是怎么个活法，我们将拍什么样的电影。
因为“我们”本来就是个空洞的词——我们是谁？
<我不诗化自己的经历>
在法国的一家影院，我观看了文德斯的最新纪录片《乐满哈瓦那》（Buena Vista Social Club）。这部主要拍摄于古巴、讲述几个老爵士乐手生活的影片也是用数码技术拍摄，而后转为胶片的电影。银幕上粗颗粒的影像闪烁着纪录的美感，而数码摄像机灵巧的拍摄特点，也为这部影片带来了丰富的视点。观看过程中始终伴随着观众热情的掌声，不禁让我感慨，一种新的电影美学正在随数码技术的发展而成型。数码摄像机对照度的低要求，极小的机身，极易掌握的操作，极低的成本，都使我们看到一种前景。
<有了VCD 和数码摄像机以后>
这些年来，我目睹了太多朋友想拍一部电影而经历的遭遇。有的人怀抱一叠剧本，面对“推销者勿入”的牌子，艰难地推开一家又一家公司。在各种各样的脸色面前，自尊心严重受挫，理想变成了凶手。有的人将希望寄托在人际关系之上，千方百计广交朋友，在逢场作戏中盼望碰到大哥，能帮小弟一把。但大哥总在别处，希望总在前方。有一天突然会有“老板”拿走你的剧本，一年半载后，才发现“老板”也在空手套白狼，而且不是高手。也有人在向外国人“公关”，参加几次外交公寓的party 后，才发现洋务难搞，老外也一样实际。大小娱乐报纸你方唱罢我登场，一片繁荣景象。但在北太平庄一带遛遛，心里依旧凄凉。机会看起来很多却无从入手。于是电影研究得越来越少，社交能力越来越强。几个同病相怜的朋友偶尔相聚，在北航大排档喝闷酒，猜拳行令时开口便是：“人在江湖漂呀，谁能不挨刀呀！一刀，两刀……”
<东京之夏>
后来有人跟我说，你选择小偷这样一个角色作为主要人物缺乏普遍意义，不符合你记录这个时代的创作意图。我觉得要谈一个作品里的角色有没有普遍性并不在于他具体的社会身份是什么，而在于你是否能从人性的角度去对这个特定的角色加以把握。
我之所以会对小偷这个角色感兴趣，是因为他给我提供了这样一种角度，通过这个角度去切入可以表现出一种很有意思的关系转换。譬如小武的朋友小勇，他本来也是个小偷，通过贩私烟、开歌厅，摇身一变，成了当地有头有脸的“民营企业家”。这里就有一个价值关系的转换：贩私烟→贸易，开歌厅→娱乐业，像小勇这样的人在这样一个世界里可以通过这种方式如鱼得水地变来变去，不断改变自己的社会地位。只有小偷，到什么时候他也只是个小偷。
我的这种美学偏好，可能多少来源于我对博尔赫斯小说的阅读经验。当然我读的是中文译本，所以我没有办法去判断他原来的文字。通过译本，我所接触到的是一个个不带修饰成分的具体的文字意象，博尔赫斯用这样一种简洁的文字通过白描为我们构筑起了一个扑朔迷离的想象世界—这正是我在拍电影的时候非常想去实现的。像《小武》里梅梅吻了小武以后那一组镜头的安排，画外配上了吴宇森《喋血双雄》里的音响，目的是想制造这样一种间离的效果：使我们的感知能够来来回回地在现实和非现实的两个层面上自由地进行穿梭。
<一个来自中国基层的民间导演（对谈）>
但电影开演后，我一下跌进了杨德昌细心安排的世俗生活中。这是一部关于家庭、关于中年人、关于人类处境的电影。故事从吴念真饰演的中产阶级扩展开去，展示了一个“幸福”的华人标准家庭背后的真相。我无法将这部电影的故事一一道出，因为整部影片弥漫着的“幸福”真相让人紧张而心碎。结尾小孩一句“ 我才七岁，但我觉得我老了”更让我黯然神伤。杨德昌的这部杰作平实地写出了生之压力，甚至让我感觉到了疲惫的喘息。我无法将《一一》与他从前的电影相联系，因为杨德昌真的超越了自己。他可贵的生命经验终于没有被喧宾夺主的理念打断，在缓慢而痛苦的剥落中，裸露了五十岁的真情。而我自己也在巴黎这个落雨的下午看到了2000 年最精彩的电影。
<谁在开创华语电影的新世纪>
我的方法是根本不介入那个所谓的圈子之中，更对其中的恩怨不感兴趣。在北京，相对来说我自己是一个独立的系统，虽然多少有些封闭，但我在其中可以焦点集中地专注于自己的工作。从一开始我就对自己的创作有一个比较完整的规划，希望能够逐渐在电影中建立自己的精神世界。这是一个非常有吸引力的工作方法，让我能不太在意创作之外的事情，包括影展的得失和票房的好坏。因为这两者都不是我的终极目标，让我焦灼的永远是艺术上的问题，而艺术问题是你自己的事情，与圈子无关，与他人无关。
<经验世界中的影像选择（笔谈）>
我特别喜欢安东尼奥尼说的一句话，他说你进入一个空间里面，要先沉浸十分钟，听这个空间跟你诉说，然后你跟它对话。这几乎是一直以来我创作的一个信条，我只有站在真的实景空间里面，才能知道如何拍这场戏，我的分镜头差不多也是这样形成的，它对我的帮助真是特别大。在空间里面，你能找到一种东西，感觉到它，然后信赖它。
我拍了很多空间。火车站、汽车站、候车厅、舞厅、卡拉OK、台球厅、旱冰场、茶楼……后期剪辑的时候，因为篇幅的限制，好多东西不得不去掉，我在这些空间里面找到了一个节奏，一种秩序，就是许多场所都和旅途有关，我选择了最符合这条线的东西。
电影是一种工业，拍电影是一个非常有计划性的工作，一个导演独立制片的方法也是为了尽量减少工业带来的捆绑和束缚。那种束缚不单是制片人的压力，电影审查的控制，电影制作方法本身也是一种规范，DV 带给人一种摆脱工业的快感。在拍公共汽车站的时候，当地的向导先带我们去煤矿拍了一个工人俱乐部。出来以后，就是电影里那个地方，正好有一些人在等车。太阳已经开始下来，一下就有被击中的感觉。我就拍这个地方，一直拍，一直拍，拍了很多东西。当我拍那个老头儿的时候，我已经很满意了，他很有尊严，我一直很耐心地拍他，当我的镜头跟着他上了车的时候，突然有一个女人就闯入了，我的录音师说我那一刻都发抖了。我注视她的时候，她的背景是非常平板的工人宿舍区，那时候我特别有一种宗教感，就一直跟着拍；然后又有一个男人突然进入了，他们什么关系，不知道，最后两个人都走掉了。整个过程里面，我觉得每分钟，都是上帝的赐予。
<《公共场所》自述>
我还是习惯下午在黄亭子见人：约朋友举杯叙旧，找仇家拍桌子翻脸，接受采访，说服制片，恳求帮助，找高人指点。酒喝不多话可不少，我的家乡汾阳产汾酒，常有名人题词。猛然想起不知谁的一句诗：有酒方能意识流，大块文章乐未休。于是又多了一些心理活动。在推杯换盏时心里猛地一沉，知道正事未办，于是悲从心起。话突然少了，趴在桌子上看烛光跳动，耳边喧闹渐渐抽象，有《海上花》的意境。于是想起年华老去，自己也过上了混日子的生活。感觉生命轻浮肉身沉重。像一个老男人般突然古怪地离席，于回家的黑暗中恍惚看到童年往事。知道自己有些醉意，便对司机师傅说：有酒方能意识流。师傅见多了，不会有响应，知道天亮后此人便又会醒：向人赔笑，与人握手，全然不知自己曾如此局促，丑态百出。
到了下午，又在等人。客人迟迟不来，心境已然没有了先前的躁动，配合下午清闲的气氛，站起来向窗外望。外面的人们在白太阳下骑车奔忙，不知在追逐什么样的际遇。心感苍生如雀，竟然有些忧伤。突然进来一位中年女子，点一杯酒又让小陈放张信哲的歌，歌声未起，哭声先出。原来这酒吧也是可以哭的地方。
现在再去黄亭子，酒吧已经拆了，变成了土堆。这是一个比喻，一切皆可化尘而去。于是不得不抓紧电影，不为不朽，只为此中可以落泪。
<有酒方能意识流>

本书分为关于Vintage，百年Vintage，Vintage的经典回忆，时尚向大师致敬和复古探索五部分，内容包括：Vintage的两个重要阶段，设计师们的Vintage，Flea Market等。

影片用一封无法投递的信件串联起梵高在去世前最后六周里与他生命中最重要的三个人物之间的秘密，带观众穿越回十九世纪末的欧洲，并陪伴梵高走完他最后的人生。影片采用梵高原画作品中的人物原型还原梵高的艺术人生，让观众在享受美得令人窒息的视觉盛宴时，抽丝剥茧地发现隐藏了一个半世纪的秘密。

尼克的作品善于运用视觉比喻，通过超越现有的设计规则并使用新的方式对设计提出了挑战。比喻、并列及比较都是他用于视觉上加强编辑内容的技巧。他的书籍排版常建于引起思考的折合式双连画上，在两种形象之间传送着一种精神的联接，比如两种概念。他的煽动艺术并不限于自然的视觉双关语或玩弄概念上，也重新界定了字体与插图之间的关系。字体，似乎渗入设计，仿佛设计师想打乱文字与整体的设计。

◎享誉全球五十载的艺术史划时代巨著
◎叙述时间跨度最长，门类最齐，插图最丰富的单卷本艺术史
◎艺术通史著作的典范，畅销半世纪的艺术类图书
本书是一部艺术通史著作，聚焦从史前直到20世纪末的西方艺术。该书英文原版自1962年出版以来，迅速占据最畅销艺术史书籍的位置， 成为西方大学艺术史课程的标准教材。
本书以时间为框架，分为古代世界、中世纪、从文艺复兴到洛可可和现代世界四个部分，以各个时段的代表艺术品和艺术家为重点，阐释了艺术风格及其演变的历史。此外，书中穿插了六个学习板块，补充介绍了背景知识，艺术家的创作技法，艺术史家的研究方法以及大量的历史文献等相关知识，并有章末小结梳理各章重点。全书配有1450余幅插图，每幅作品都经过了调色或专业审核，确保忠实原作，是了解学习西方艺术史的最佳书籍。
本书是该经典著作的第七版，内容上较之前版本有很大扩充，除了包含传统的绘画、雕塑和建筑之外，摄影和工艺美术等门类也得到了足够的重视。此外，本版还顺应了当代学术思想的发展潮流，扩充了对女性艺术家、当代艺术和文化多元论等当代议题的论述。
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《詹森艺术史》是一部在学界和社会大众中很有影响的学术著作。在一次次新版中不断修订和补充新内容，引导读者思考和提出问题，把艺术史的学习、研究和提高人们的文化素质联系起来，鼓励和启发人们探究未知。
——邵大箴，著名艺术史家，中央美术学院教授
新版《詹森艺术史》反映了当今艺术研究、鉴赏和收藏中的新观念和潮流。新版对当代艺术的重视也远远超过旧版，选为插图的当代作品更反映了改编者对多元文化论的兴趣，而全球化则是另一被强调的重点。
——巫鸿，著名艺术史家，芝加哥大学教授
这是一本可以说是传奇性的教材,它曾带领一批批充满求知欲望的本科生穿越艺术的历史，从旧石器时代一直走到现在。詹森的名字成为了艺术史课程中“研究”一词的同义词。
——温尼·海德·米奈，科罗拉多大学博尔分校人文与艺术史教授
书中对中世纪艺术的美丽和庄严给出了清晰并权威的阐释。……大卫·西蒙把詹森的杰作变得更可靠，更富启发 性，同时也更为实用。他对这本超越时代的著作做了一次细致而又明智的修订。
——查理·李特尔，大都会艺术博物馆
这是《詹森艺术史》的一大进步，本版装帧精美，结构清晰，文字流畅，可读性高。除了提供基本的历史信息和精彩的形式分析之外，新版还从物质文化和社会/文化史的角度加以论述。书中没有令人费解的术语，感谢作者。
——肯尼斯·E·西尔维，纽约大学美术系主任
戴维斯教授用清晰、有趣且整合良好的散文式语句阐释了古代艺术传统的发展。……这些权威、生动又引人入胜的文本必然会激励读者，并为他们做好阅读后续章节的准备。
——大卫·戈登·米滕，哈佛大学詹姆斯·洛布古典艺术和考古教授

本书为电影爱好者、初学者提供一条了解、认识、学习电影制作常识的捷径。作者提出通过观看影片来学习电影镜头语法的观念，并化繁为简，归纳、总结了电影拍摄过程中各种最为常见并有效的镜头技法，包括基本电影技巧、构图技巧、升降技巧、运动镜头技巧、视点技巧、摄影机技巧、剪接技巧等。作 者运用最容易为读者理解的方式阐释每一种技巧的概念、用法及效果，并列举出运用此种技巧的相关影片场景。另外，本书请来专业画师，为书中的电影技法配置了相应的故事板插图，帮助读者更为直观地理解、掌握电影制作的秘密。
本书特点：化繁为简，汇上百种电影制作技巧于一册，让您轻松认识电影技巧。囊括150多种电影制作技巧，涵盖现场拍摄、后期制作各个阶段。列举350余部经典影片参考片目，以更专业的视角边看边学。辅以200多幅故事板插图，一目了然读懂基本镜头语言。提供每一章节的相应练习题，巩固所学到的电影技巧。

《认识电影》作为电影入门书中的经典之作，用深入浅出的笔触，告诉我们影视传播的手法，并逐项解析其复杂的语言系统与要素。问世几十年以来，此书始终是世界各地影视从业人员和主流专业院校的必备之选，更是电影爱好者不可或缺的手边书。

这本书从电影理论的典型视角出发，简明扼要地评论了电影艺术的方方面面。书中提及的影片包罗万象，组成了一道世界各地电影人的经验光谱，其中有我们熟悉的面孔如美国的斯蒂芬·斯皮尔伯格、英国的麦克·李、伊朗的阿巴斯以及中国的李安等。作者对欧美影片和导演了如指掌，尤其对美国影片和美国导演做了全面而详细的介绍。同时，作者也很关注第三世界国家电影，书中广泛涉及了伊斯兰电影、新亚洲电影以及非洲电影。作者以鞭辟入里的分析，新颖独到的见解和纷繁多样的视觉冲击，呈现给读者一个全新的电影世界。

全书围绕电影制作的核心要素组织架构，其中穿插以数百幅精美图片和精辟的说明，再加上缀于各章后的延伸阅读和书末的重要词汇表，让读者在轻松的阅读过程中吸收到最专业的电影知识，从而真正“认识”电影。

“没有一张照片可以被否定。所有照片都具有事实性。需要加以检验的只是照片以何种方式能够或不能赋予事实以意义。”写下这些话时，我们时代两位深刻而雄辩的视觉探索者，对一种似乎是最直截了当的艺术形式的歧义性，提出了最为独特的思考。
此书由约翰·伯格和瑞士著名摄影家让·摩尔共同撰写。图文并茂，理论分析与奇闻轶事、新闻纪实兼顾。书中探索了摄影师与被拍摄之物、图片与观众、被拍摄的瞬间与回忆之间的张力。伯格和摩尔，以批评家的道德热忱和摄影家的实践技术，制作了这部著作，由此拓展了由瓦尔特·本雅明、罗兰·巴特和苏珊·桑塔格所开创的批评前沿。