《幻想交响曲》：1827年秋日某晚，柏辽兹在巴黎奥德翁剧院观看英国剧团演出莎士比亚悲剧，深受感动，且爱上了饰演朱丽叶的演员，却遭拒绝，使他极度苦闷。1830年，27岁的柏辽兹写成这部表现个人爱情狂热、绝望、幻想的标题交响曲，副题为“一个艺术家生活的插曲”。
全曲分五个乐章。第一乐章，“梦幻、热情”。先是广板，而后是热情的急快板，奏鸣曲式。作者于1832年在该曲的总谱上曾写了很长的文字，描述了一个神经衰弱、狂热而富于想象力的青年音乐家，在失恋时服毒自杀，因剂量不足，在昏迷中进入光怪陆离的幻境的情景。他还指出，贯穿全曲的“固定乐思”，表示着使音乐家神魂飘荡的恋人形象，第一乐章中，这一主题的出现顿使阴暗、忧郁的情绪变得热情、明朗。第二乐章“舞会”。适中的快板，在华丽宴会的舞会上，艺术家遇到心爱的人。这是一段辉煌的圆舞曲，作者在乐队中首次采用了两架竖琴。第三乐章“田园景色”。慢板，以英国管与双簧管模仿乡间牧童的二重唱，使沉思中的艺术家产生热情和希望。“固定乐思”再次出现，他求之不得，十分痛苦。牧歌复现，远处天边传来了雷声。第四乐章“赴刑进行曲”。从容的快板。艺术家服毒后昏迷，以为自己杀死了情人，被判死刑。在描写押赴刑场时，“固定乐思”的出现，仿佛是对爱情的最后眷念。这里用了三个长号，两个低音号，四个定音鼓及其它打击乐器。第五乐章，“妖魔夜宴的梦”。快板，是一段群魔狂舞的回旋曲。圣咏主题“愤怒的日子”在低声部与钟声、舞蹈节奏混为一片，情人的主题又以怪诞的面貌重现。乐曲在急速而狂热的舞蹈中结束。《幻想交响曲》从失恋这样一个侧面，反映了当时欧洲一些艺术家在生活逆境中的苦闷情绪。它还从标题音乐创作和交响乐配器两个方面，为后来的浪漫主义音乐创作提供了宝贵的经验。舒曼曾撰文高度评价这部作品，李斯特将它改编成钢琴曲，帕格尼尼对“幻想”推崇备至，并建议柏辽兹创作一部中提琴与乐队作品，也就是著名的交响曲《哈罗德在意大利》。

意大利四重奏团赋予海顿这三首四重奏浪漫迷人的乐风，同时结构紧凑而精准。如果说奥地利人诠释海顿的四重奏有时过于严肃，那么充满质朴与热情的意大利人，表现手法就几乎是太过活泼。意大利四重奏团演奏时丰富的音色，将此作品诠释得比较像中规中矩、平易近人、老成稳重的海顿承继者。这张唱片于1965年8月间灌录于瑞士，1990年以中价位重新发行，转录效果相当好。近距离拾音，颇具临场感。

富尼埃的录音录于60年代初，大师接近60岁时。这时，立体声录音技术早已成熟。那是个大师录音杰作不断涌现的年代。富尼埃在录制了这个录音之后的年代中，巴赫这套作品逐渐变成了他的演出曲目中的焦点。在1974年，也就是卡萨尔斯死后的第二年，富尼埃应邀到法国南部的普拉德斯(Prades)在卡萨尔斯创立的年度音乐节上演奏这套巴赫组曲。那天在普拉德斯城外的圣米切德卡萨教堂内坐满了听众。他们深深地被富尼埃追思卡萨尔斯的演奏打动。在全曲结束时，没有鼓掌，而是全部听众在寂静中肃立。

拉赫曼尼诺夫D小调第三钢琴协奏曲，作品30号 (Piano Concerto No. 3 in D minor, Op. 30)
钢琴演奏：马尔塔·阿格里奇(martha argerich)
乐团：柏林广播交响乐团(Radio-Symphonie-Orchester, Berlin)
指挥：夏伊(Riccardo Chailly)
作曲家：拉赫曼尼诺夫(Serge Rachmaninoff 1873-1943)
录音时间：1982.12
录音地点：柏林(Berlin)
柴可夫斯基降B小调第一钢琴协奏曲，作品23号 (Piano Concerto No. 1 in B flat minor, Op. 23)
钢琴演奏：马尔塔·阿格里奇(martha argerich)
乐团：巴伐利亚广播交响乐团(Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks)
指挥：孔德拉辛(Kirill Kondrashin)
作曲家：柴可夫斯基(Peter Ilyich Tchaikovsky 1840-1893)
录音时间：1980.2
录音地点：慕尼黑(Munich)
本辑从发行以来就深受好评，尤以阿格里奇的狂魔般演绎与弹奏速度，更令人咋舌称奇。她的触键与诠释将永远被列为"拉赫曼尼诺夫第三钢琴协奏曲"的首选推荐盘。一九八二年底女钢琴家阿格里奇在柏林现场演出拉赫曼尼诺夫的第三钢琴协奏曲，当时透过电视及电台的转播，使得全德国人为阿格里奇著迷不已。但也因此很多品质不良的侧录有声产品也充斥市面。本辑除了收录柴可夫斯基第一钢琴协奏曲（一九八三年德国唱片大奖）以外，最值得期待的拉赫曼尼诺夫第三钢琴协奏曲。一九八二年现场实况经过飞利浦唱片公司的数码技术重新呈现原有的亮丽风貌。

ついに、われらが小澤征爾が、日本人、いやアジア人として初めて、60余年の歴史を誇るウィーン・フィルのニューイヤーコンサートの指揮台に立った！ ハプスブルク王朝時代からの伝統文化を継承する世界最高のオーケストラ、ウィーン・フィルは、ユーロ通貨開始の国際的記念の年に、ヨーロッパを代表し、三顧の礼をもってアジアの偉大なマエストロを迎え入れたのである。この録音はその歴史的なドキュメントでもある。
この重大な演奏会にあたって小澤は普段にもまして綿密な準備で臨み、ウィーン・フィル楽員もそれに最高の演奏でこたえている。「こうもり」序曲でのロザムンデのアリアの哀愁のメロディでの滴り落ちるような美音、「悪魔のダンス」でのたたみかけるようなエネルギッシュな迫力、「ウィーン気質」での弧を描き、弓がしなるような独特の緩急自在なリズム、「チック・タック・ポルカ」での息を呑むスピード感、そして「美しく青きドナウ」で微妙に甘く漂う葡萄酒のような芳香、「ラデツキー行進曲」での小澤ならではの楽しさいっぱいの和やかさ。すべてがすばらしい。
それにしても、小澤の全身から発される生命力のオーラは本当に凄い。人種も文化の違いも越えて、誰もが魅惑されてしまう。ウィーンで小澤が聴衆にも音楽家たちにも絶大な人気を誇るのは当然だろう。
この演奏全体で特に感じられたのは、音楽全体に「愛と幸福のしるし」が満ち満ちていることである。困難と不安のなかで迎えた2002年の冒頭に当たって、「これから再び明るい時代がきっとやってきます！ 希望に満ちたいい年になりますように！」という熱くポジティヴなメッセージがここで発信されたことの精神的意味はとても大きい。
2002年秋からのシーズンでいよいよウィーン国立歌劇場の音楽監督の地位につく小澤征爾。ウィーン楽壇と小澤の結婚によって、両者とも画期的な飛躍を遂げるのではないか。そんな期待に思わず胸がふくらむのをどうして抑えられようか？（林田直樹）
メディア掲載评论ほか
2001/2002 OZAWA~スペシャル・活动。小澤征爾指揮、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団の演奏による、2002年1月1日にウィーン・ムジークフェラインで行われたニューイヤー・コンサートの模様を収録したライヴ盤の限定盤。 (C)RS

Shostakovich's "Leningrad" Symphony has been surrounded by controversy ever since it was written; it even ignited a battle between two great conductors, Toscanini and Stokowski, for the first American performance (Toscanini won). Composed in 1941 during the siege of Leningrad in homage to the Russian people's heroic resistance against the German invaders, it has been condemned by some as political propaganda, hailed by others as a symphonic masterpiece. Time and audiences everywhere have decided in favor of the latter view; today, the "Leningrad" is one of Shostakovich's best known, most popular symphonies. Though its programmatic content is clear, the emotional impact of the music itself invites listeners to imagine their own scenario. Gergiev has this music in his bloodstream and knows how to inspire an orchestra (two in this case); exploiting every instrumental resource, he elicits both massive and delicate playing, achieving powerful build-ups and tremendous climaxes. The result is a taut, concentrated performance that makes the symphony--Shostakovich's longest--seem shorter than usual; its no-holds-barred approach plumbs the depths and scales the heights of human experience, from bleak, grotesque irony to heart-breaking, anguished lamentation and ultimate triumph. The famous first movement march--a simple, deliberately trite little tune over a persistent snare drum figure--starts almost inaudibly; its eleven always different repetitions generate enormous suspense, and when the cumulative orchestration reaches its peak, you feel as if an entire army had marched over you. The recording's only flaw is its excessive dynamic contrast, so keep a finger on the volume control. --Edith Eisler

德沃夏克的两首小夜曲创作于他生命最重要一段时期，这是他从一个默默无闻的音乐人蜕变为他那个时代最伟大的作曲家的过程。之前若干年他创作了大量的交响曲、歌剧、室内乐以及其他作品，却始终不得志。直到34岁幸运之神才眷顾了他。当时作为奥地利国家音乐奖评委的勃拉姆斯和他的同僚，如著名乐评人汉斯利克（Hanslick）、音乐出版商赫贝克（Herbeck）一致推荐了德沃夏克，使他获得了这一奖项。之后德沃夏克两次获奖，其的天赋给勃拉姆斯留下深刻印象。勃氏还向自己的出版商Simrock推荐了德沃夏克。Simrock出版了德沃夏克的摩拉维亚二重唱，以及钢琴二重奏形式的斯拉夫舞曲（后来德沃夏克自己给它配器）。从那以后德沃夏克终于摆脱了抑郁的往事。
E大调小夜曲创作于1875年，反应了作者对作品中丰富了的管乐音色的自信。不到三年，他又创作了D小调小夜曲。他的作品中总是回荡着一股浓郁的捷克风。这两首曲目出版后在国外大受欢迎，与斯拉夫舞曲一样为人所称道。在1879-80音乐季中D小调小夜曲在布雷斯劳(今波兰弗洛瓦茨夫)、威斯巴登、德累斯顿、和汉堡上演，E大调小夜曲则在汉堡和格利茨上演。
德沃夏克在旋律和节奏上的丰富创意和特有的感觉在第一首小夜曲中得到了充分体现。我们时而感受到意想不到的迷人片段，时而可以感受到他的俏皮，比如第二乐章中的一段三重奏，他突然从降D大调转到E大调。在末乐章里他即兴的对上一乐章来了一小段呼应；在结尾又引用了第一乐章，形成一个轮回。
第二首小夜曲是写给管乐队的，编制为：双簧管、单簧管、巴松为双管，一把低音巴松，三把圆号，再加大提琴和低音提琴。德沃夏克尽量使作品的演奏规制符合那些夏夜进行街头演出的小乐团的编制。他还引用了一些颇具民主特色的片段，如开头和结尾的进行曲。第二乐章具有捷克古代民谣sousedska的特点。第三乐章则更融入了德沃夏克诗意化的表达，最后是一个活泼的乐章，俏皮地干净利落地结束全曲。

A CD offering less than 40 minutes of music these days is very short measure, but Mullova's is a commanding performance, pure and true throughout, made the more compelling by the spontaneous expressiveness that goes with a live performance. Her admirers need not hesitate, for with one minor reservation the recording is first-rate, and Abbado and the Berlin Philharmonic here match the Brahmsian achievement of their DG symphony cycle.
The surprise is that the recording, made at a concert in Japan in January 1992, has taken so long to arrive. Maybe they were waiting for a coupling, but in any case this is a one-off recording, supervised not by Philips's own engineers but by those at NHK, Japan. The reservation I mentioned is that though the sound in generally warm, well-balanced and well-detailed with a pleasant hall-atmosphere, the prominent placing of the timpani means that the many tremolos in the outer movements, notable at first, tend to cloud the texture. The effect is distracting enough to bring home afresh just how many such tremolos there are. Happily, the audience is extremely quiet, except in the brief gap between slow movement and finale.
The first obvious comparison is with Itzhak Perlman's live Berlin recording for EMI with Barenboim conducting this same orchestra. That was made two months after the present one but in the Schauspielhaus, Berlin with a sound-balance typical of Perlman's recordings, with the solo violin in close-up set against full-bodied orchestral sound. The immediate impact of the bravura double-stopping passages is obviously greater, but Mullova consistently compensates in the extra dynamic range that she can convey, with the many reflective passages in the first movement as well as the central Adagio given a rapt intensity. The combination of purity and warmth go with a clear purposefulness, heightened by the degree of freedom Mullova allows herself in linking the different sections of each movement. Similarly, instead of storming through the thorny technical problems of the Joachim cadenza (curiously not identified in the booklet), she again allows herself a degree of elbow-room, giving it more than usual the feeling of a spontaneous improvisation, culminating in an exceptionally sweet and pure account of the coda, bringing the most inward meditation of all.
The violin entry in the Adagio is then open and songful, with full meditative intensity reserved for later in the movement. The clarity of Mullova's articulation in the finale is phenomenal, the bravura most compelling. . . . Mullova's new disc makes an excellent recommendation . . . .
-- Edward Greenfield, Gramophone [11/1994]

Sibelius / Tchaikovsky: Violin Concertos
Viktoria Mullova, Boston Symphony Orchestra, Seiji Ozawa
1 CD | DDD | 00289 464 7412
Int. Release: Apr. 2001

柴可夫斯基创作了大量的歌曲与室内乐，大多是甜美、怡人的作品。但他更擅长较大规模的曲式，在戏剧类作品(如芭蕾和歌剧)与交响曲中，产量平分秋色，两者的共同点是管弦乐团的运用。柴可夫斯基不同于他的许多同行，写交响曲像裁缝师练习裁缝，他是直接以管弦乐的色彩来构思。虽然他对个别乐器的处理就能令别的作曲家难以超越，但他实在是将整个乐团看成一件乐器。这也正是为何他的管弦乐作品会具备非常容易听出来的灿烂音效。
柴可夫斯基的这四部管弦乐组曲创作于他的《第四交响曲》和《第五交响曲》之间十余年中(即1877年至1888年间)。这一时期，柴可夫斯基还曾先后完成了《意大利随想曲》、《弦乐小夜曲》、《曼弗雷德交响曲》等著名作品，是其创作的重要阶段。
《第一组曲》(Suite No. 1 in D minor, Op. 43)是柴可夫斯基题献给梅克夫人的。在与梅克夫人的书信中曾提到，这部组曲是根据德国作曲家Franz Lechner作品的样式所谱曲，具有巴洛克组曲的形式，全曲分为“序曲与赋格、嬉戏曲、间奏曲、小进行曲、诙谐曲、加伏特物曲”六段。
《第二组曲》(Suite No. 2 in C major, Op. 53)于《第一组曲》的四年后完成，整个作品由“声音的游戏、圆舞曲、浪漫诙谐曲、儿时的梦、巴洛克舞曲”五部分组成。
《第三组曲》(Suite No. 3 in G major, Op.55)被认为是柴可夫斯基的四首组曲中最成熟、最出色的，由于有前面两首组曲的创作经验，柴可夫斯基把第三组曲写得更有自发性的美感，更具创意，同时内容也更统一，全曲精练到四段，即“悲歌、乡愁圆舞曲、诙谐曲、主题与变奏”。这一时期，柴可夫斯基致信梅克夫人：“最近我特别喜爱组曲这一形式，因为它使作者在创作上更加自由，不必受传统及程式化的手法所约束。”同时，他还表示过“组曲是一种最理想的形式”。奇怪的是，柴可夫斯基在完成此组曲后却又表示在某些地方并不满意，而在它较成功地首演后才对这部作品恢复了喜爱与信心。
《第四组曲》(Suite No. 4 'Mozartiana', Op. 61, 1887)又名“莫扎特风格曲”，是改编自莫扎特的四首作品而集成的组曲。这四部分分别是“吉格舞曲、小步舞曲、圣体颂、以及十段钢琴主题变奏曲所转化而成的管弦乐组曲”，柴可夫斯基期望它“特别是在国外”受到欢迎。
《里米尼的弗兰切斯卡》(Francesca da Rimini, Fantasy after Dante, op.32, 1876)是柴可夫斯基根据但丁《神曲》(The Divine Comedy)中的故事题材，写了一首管弦乐曲。柴可夫斯基原本是计划写成一出歌剧，但由于与剧作家关系的不合，所以只将这个题材转化为一首管弦乐幻想曲(如其副标题所示)。因此，这首作品的形式，以及透过这个故事题材所表现的内涵，都是典型十九世纪浪漫主义的产物。
后来人们评论这几部组曲时认为，这些作品是作曲家受到西欧德奥风格影响而创作的，不具备他本人的显著特色。这也许就是这些作品演出录音如此之少的原因。但是这四首组曲在旋律以及配器等方面，还是很能体现出柴可夫斯基作品中的特有神韵的。或许它们没有三大舞剧中那俯首皆是的美妙乐句，没有《第一钢琴协奏曲》中意气风发的激扬神采，没有《D大调小提琴协奏曲》带出的质朴民风，也没有后三部交响曲情绪上的矛盾与起伏、悲观与厌世，但是熟悉柴可夫斯基作品的人从其中一定能够听到“柴可夫斯基之声”，它们是相对平淡了一些，可能达不到震撼心灵的效果，但无疑是值得音乐爱好者仔细聆听与品味的。

Region 1: US, CA

这张唱片收录捷杰耶夫指挥基洛夫交响乐团演奏的俄罗斯作曲家的作品，其中包括：柴可夫斯基1812序曲、格林卡的歌剧《鲁斯兰和柳德米拉》序曲、鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》等。
捷杰耶夫指挥基洛夫交响乐团演奏的这个柴可夫斯基1812序曲版本令人倾倒，这位俄国指挥家绝对是柴可夫斯基的理想演绎者，他指挥热情，演奏充满张力，唱片的录音水平极高，音色优美，录音平衡。

企鹅评荐三星唱片。“奈维尔·马里纳爵士在他和安德鲁·戴维斯精心制作的版本中以其才智运用各种不同的织体，在管风琴、羽管键琴等键盘乐器上给赋格与卡农曲予以均衡区分。每一个例子都可以找出适合特定乐章的乐器编配。速度合适，乐句自然而不做作、节奏富有弹性，马里纳的演奏风格极其符合作品要求；1974年的录音更是精雕细琢。与此相似，在《音乐的奉献》中马里纳采用了他自己为乐器的编配的版本：弦乐包括3把独奏小提琴、3把独奏中提琴、1把独奏大提琴以及长笛、管风琴和羽管键琴。此曲的演奏质素很高，他们演奏起来都举重若轻。唱片的录音好极，总而言之，此碟应该排列在此作品最成功的录音作品中。”
J. S. 巴赫的《赋格的艺术》，BWV1080，作于他生命的最后阶段，大约是1749—1750年。1749年，巴赫将要失明，身体也日见衰退，这部作品可看作是他的音乐遗嘱。这部曲集共包括22首赋格与卡农，但其编号只有19首，原因是16、17、18各号均含两曲，而第十九号未完成。在第十九号中，巴赫想把自己的姓名作成 B—A—C—H4个主题组成的四声部赋格，可惜未完成：他的手迹停止的地方就是这位大师要将他的名字的第四个字母填上去的地方。这部作品被看成是高级对位的教科书，全曲分为；1.对位法第一，4声部赋格；2.对位法第二，4声部赋格；3.对位法第三，4声部赋格；4.对位法第四，四声部赋格；5.四声部赋格；6.法国型的四声部赋格；7.扩大与缩小的四声部赋格；8.3声部赋格；9.12度的4声部赋格；10.10度的4声部赋格；11.4声部赋格；12.8度卡农；13.反行的扩大卡农；14.在3度对位上的10度卡农；15.在5度对位上的12度赋格；16.对位法第十六，4声部赋格（正反两首）；17.3声部赋格（正反两曲）；18.两台古钢琴赋格曲（正反两首）；19.3个主题的赋格曲，实际出现BACH4个主题。这部作品，巴赫只对第十八号两首作品注定了使用的乐器，早期研究，认为此曲集应由附有踏板的古钢琴或管风琴演奏。自20世纪后 由指挥家卡尔·斯特劳贝(K.Straube，1873—1950）1927年第一次以管弦乐的方式演奏，编曲是格拉萨(W.Graser，1906—1928）。他在18岁时改编了这部作品，22岁时自杀身死，现在这部作品的演奏，基本使用古钢琴。
J. S. 巴赫的《音乐的奉献》BWV1079，作于1747年。1747年巴赫到柏林看望他的爱子卡尔·菲利普·艾曼纽·巴赫(Carl Philip Emanuel Bach)，当时柏林的腓德烈大帝请他到宫中献艺，他根据腓德烈大帝所给主题，即兴创作演奏寻求曲（Ricercare，略长的赋格），使大帝赞叹不已。从柏林回莱比锡后，巴赫根据腓德烈大帝所给主题作成一套作品，献给大帝，他自己亲笔作了献词，这部作品共包括：1.三声部寻求曲，乐器配置：古钢琴独奏；2.无终卡农曲，乐器编制：小提琴、中提琴、大提琴；3.各种卡农曲：a.二声部卡农（两把小提琴）；b.由小提琴演奏的二声部同度卡农（两把小提琴和一把大提琴）；C.二声部反行的；d.二声部扩大与反行的（两把小提琴和一把中提琴）；e.每次升高一全音，变调的二声部（小提琴、大提琴、中提琴各一把）；4.卡农型赋格，乐器编制：长笛（或小提琴）、古钢琴；5.六声部寻求曲（古钢琴独奏）；6.二声部卡农（中提琴与大提琴）；7.四声部卡农（3把小提琴和大提琴）；8.三重奏（长笛、小提琴、古钢琴）；9.无终卡农（乐器与8同）。
Disc: 1
1. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 1
2. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 2
3. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 3
4. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 4
5. The Art of Fugue, BWV 1080: Canon alla Ottava
6. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 5
7. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 6, a 4, im Stile francese
8. The Art of Fugue, BWV 1080: Canon alla Decima, Contrapuncto alla Terza
9. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 7, a 4, per Augmentationem et Diminutionem
10. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 8, a 3
11. The Art of Fugue, BWV 1080: Canon alla Duodecima in Contrapuncto alla Quinta
12. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 9, a 4, alla Duodecima
13. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 10, a 4, alla Decima
14. The Art of Fugue, BWV 1080: Canon per Augmentationem in contrario motu
15. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 11, a 4
16. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 13, a 3 (rectus)
17. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 12, a 4 (rectus)
18. The Art of Fugue, BWV 1080: Fuga a 2 Clav.
Disc: 2
1. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 13, a 3 (inversus)
2. The Art of Fugue, BWV 1080: Contrapunctus 12, a 4 (inversus)
3. The Art of Fugue, BWV 1080: Alio modo Fuga a 2 Clav.
4. The Art of Fugue, BWV 1080: Fuga a 3 Soggetti (unfinished)
5. Musical Offering, BWV 1079: Ricercar 1 (a 3)
6. Musical Offering, BWV 1079: Canon perpetuus super Thema Regium
7. Musical Offering, BWV 1079: Canones diversi super Thema Regium: Canon 1 a 2 (Canon cancricans)
8. Musical Offering, BWV 1079: Canones diversi super Thema Regium: Canon 2 a 2 violini in unisono
9. Musical Offering, BWV 1079: Canones diversi super Thema Regium: Canon 3 a 2 per motum contrarium
10. Musical Offering, BWV 1079: Canones diversi super Thema Regium: Canon 5 a 2 (Canon circularis per tonos)
11. Musical Offering, BWV 1079: Sonata For Flute, Violin And Continuo: Largo
12. Musical Offering, BWV 1079: Sonata For Flute, Violin And Continuo: Allegro moderato
13. Musical Offering, BWV 1079: Sonata For Flute, Violin And Continuo: Andante larghetto
14. Musical Offering, BWV 1079: Sonata For Flute, Violin And Continuo: Allegro
15. Musical Offering, BWV 1079: Sonata For Flute, Violin And Continuo: Canon a 2 quaerendo invenietis (Canon contrarium stricte reversum)
16. Musical Offering, BWV 1079: Sonata For Flute, Violin And Continuo: Canon a 4
17. Musical Offering, BWV 1079: Sonata For Flute, Violin And Continuo: Canon perpetuus
18. Musical Offering, BWV 1079: Canones diversi super Thema Regium: Canon 4 a 2 per augmentationem, contrario motu
19. Musical Offering, BWV 1079: Canones diversi super Thema Regium: Fuga canonica in epidiapente
20. Musical Offering, BWV 1079: Canones diversi super Thema Regium: Ricercar 2 a 6

后毕勤时代，英国最重要的指挥家应非戴维斯莫属。他的演出范畴不但包括了歌剧与自家人的音乐，尚也含盖不少重要德奥曲目与民族乐派音乐，当然绝对令人无法忘怀的是他在柏辽兹音乐上所作的努力。萧提让柯芬园得到难以辩驳的地位，戴维斯则不但力保住萧提的「战果」，同时将柯芬园的艺术水准带入另一个高峰，因此在1980年受封爵位。
他的指挥技艺是无师自通的，这点令人有点惊讶，因为他在指挥艺术上所展现出来的高手级表现，让人五体投地。他对音乐有着崇高的热爱，并且感染他人。他在排练时不大摆架子，和团员很容易打成一片。他总是先把整个作品走过一遍，接着慢条斯理的整修他不满意的乐段，有时却又过度重视细节而牺牲了整体感觉。他的音乐整个来说就是英国文化的翻版:冷静、清冽。他德奥曲目的特性:「不加佐料的德国猪脚」，所有德奥精髓大概都被蒸馏掉了，但是你说他像托斯卡尼尼，那也不大对，因为他最极力避免的就是作出和托老差不多的音乐风格，毕生对「完全忠实原作」论调提出质疑。也就因此，他对现代音乐的东西十分反感，不认为里头有多少真实的情感。