一部英国大提琴演奏家杜普蕾（Jacqueline du pre）的传记性电影，讲述了女性天才演奏家富有传奇性的一生。电影力图从人性的角度出发，去“发现”一个舞台之外的杜普蕾。尽管这部电影与历史事实有不少出入，但无妨于电影的可欣赏性。
杜普蕾是演绎英国作曲家埃尔加（Edward Elgar）大提琴协奏曲的权威（原声中保留了完整的协奏曲演绎）。这首协奏曲是20世纪最为感人的协奏曲之一，杜普蕾的演绎丝丝入扣，充分发挥了其女性独有的柔美与抒情性格，受到乐界一致的好评。可惜杜普蕾英年早逝，是当年乐界一大损失。
电影将这种遗憾留在埃尔加大提琴协奏曲的不断反复中，以此为基调，融合了其他古典音乐家的作品，如巴赫的序曲、长笛独奏，以及音乐监制及指挥家Barrington Pheloung的小品，使得整部电影富有音乐的节奏感和美感。

李云迪，中国最卓越的钢琴家，《华尔街日报》对他有着高度评价：“高贵优雅，音乐里流淌着深切的诗意情怀。” 继李云迪此前一系列对肖邦作品值得赞誉的探索之后，2016年伊始，李云迪推出了最新演奏专辑《肖邦：叙事曲》，这是继《肖邦传奇：前奏曲全集》之后再次以肖邦为主题的新作。专辑收录叙事曲、摇篮曲、玛祖卡三种体裁的钢琴作品，灵感分别源于肖邦对生活及艺术不同层面的捕捉及创作。
2000年,李云迪获得第14届肖邦国际钢琴比赛冠军, 成为历届最年轻冠军得主，2015年，以大赛评委身份重返华沙赛场。这个舞台见证了他在音乐上的成长到成熟,十五年里在演绎肖邦音乐的道路上他一直有自己不懈的追求，对于演奏肖邦的音乐也有了更深刻的体悟。“钢琴王子”不只是代表殊荣的勋章，更是践行在追溯肖邦音乐本源的真实道路上，这也是为何听众可以从李云迪的演奏中感受到高贵的原因。
新专辑其中收录了肖邦四首叙事曲，是自19世纪30年代中期到1843年，肖邦跨越10年所创作。“叙事曲”体裁是作曲家受到诗人密茨凯维奇所做叙事诗影响，并将用于声乐作品的叙事曲体裁首次用于钢琴创作。民歌性质的主题，民间音乐的即兴性变奏手法，篇幅长大而富有戏剧性的器乐曲规模，使得肖邦的叙事曲具有高度的艺术性。
1844年肖邦所作的摇篮曲（作品57号）在极简的和声基础上发展一系列的变奏，保持不变的左手伴奏音型营造出催眠效果。旋律静谧、和谐，作曲家将这一古老的音乐题材，加以丰富的变奏手法，融入艺术歌曲式的意境和钢琴化的旋律进行，给人以无限的宁静、美好。
谈到肖邦的玛祖卡就不得不提到它的民族气质，这是一种来自作曲家早年生活的马佐维亚地区的民间舞蹈，后逐渐从乡村进入宫廷再走入沙龙。这种三拍子的舞曲，自然流露着波兰乡村的淳朴气息，在对自然景物和民间风俗进行描绘的同时，糅合作曲家对本民族的深厚情感，加之音乐元素的丰富多样，使“玛祖卡”成为肖邦的音乐符号之一。
在新专辑发行之际，李云迪也即将从2月26日至4月23日展开欧洲及北美的巡演，此次巡演包括伦敦、维也纳、布拉格、罗马、柏林、慕尼黑、汉堡以纽约等城市。届时，钢琴家将会演奏新专辑中的四首叙事曲，以及肖邦前奏曲全集，请广大乐迷朋友敬请关注。

被珍藏的青春是永恒的
Youth & Eternity
大提琴家 欧阳娜娜
首张古典名曲演奏专辑<15>
11.27开始预购 12.18 正式发行
环球音乐 2015年 年终璀璨压轴盘
她不是偶像，她是大提琴家欧阳娜娜
15岁青春的首张录音作品 15首永恒的难忘经典名曲
从电影《北京爱情故事》和《破风》，以及真人秀《偶像来了》，我们看到欧阳娜娜的气质和个性。她不是偶像，也没学过演戏，真实的她是位大提琴家。
2000年出生，欧阳娜娜是位名副其实的新世纪音乐家。她五岁起学钢琴，六岁学大提琴，台下已有十年功。11岁起在台湾以至海外举办过多场售票个人音乐会，欧阳娜娜是年纪最小而在台湾两厅院演奏厅举办独奏会的音乐家，并以14岁之龄于北京国家大剧院举办独奏会。
2013年，年仅12岁的欧阳娜娜成功获得国际知名音乐学府柯帝士音乐学院（Curtis Institute of Music）录取，并获全额奖学金，成为钢琴家郎朗和王羽佳的师妹。欧阳娜娜的音乐才华以及个人的不断努力与累积，为她赢得了业内的认定并得到更多的鼓励与支持。
2015年对于欧阳娜娜来说是不平凡的一年，她为自己的音乐事业，做出了多个重要决定，包括录製自己的首张古典专辑。这个被她称为“史上最累”的事情，就是她即将发行的首张古典专辑，这是娜娜送给乐迷的一份礼物，也是对自己古典音乐事业的一份美好承诺。
环球音乐作为全球最大的唱片公司，于古典音乐的领域更是成绩斐然，也因此成为了欧阳娜娜最理想的合作伙伴。欧阳娜娜的新专辑将是一张具有国际水准及视野的製作。
作为环球旗下最年轻的古典音乐家，欧阳娜娜被各界看好，她的出现将为古典乐坛注入更多活力，欧阳娜娜必将成为新一代最璀璨的古典音乐明星。

01 Suite No.1 in C, BWV 1066 - 1. Ouverture
02 Suite No.1 in C, BWV 1066 - 2. Courante
03 Suite No.1 in C, BWV 1066 - 3. Gavotte I-II
04 Suite No.1 in C, BWV 1066 - 4. Forlane
05 Suite No.1 in C, BWV 1066 - 5. Menuet I-II
06 Suite No.1 in C, BWV 1066 - 6. Bourrée I-II
07 Suite No.1 in C, BWV 1066 - 7. Passepied I-II
08 Suite No.2 in B minor, BWV 1067 - 1. Ouverture
09 Suite No.2 in B minor, BWV 1067 - 2. Rondeau
10 Suite No.2 in B minor, BWV 1067 - 3. Sarabande
11 Suite No.2 in B minor, BWV 1067 - 4. Bourrée I-II
12 Suite No.2 in B minor, BWV 1067 - 5. Polonaise
13 Suite No.2 in B minor, BWV 1067 - 6. Menuet - 7. Badinerie
14 Suite No.3 in D, BWV 1068 - 1. Ouverture
15 Suite No.3 in D, BWV 1068 - 2. Air
16 Suite No.3 in D, BWV 1068 - 3. Gavotte I-II
17 Suite No.3 in D, BWV 1068 - 4. Bourée - 5. Gigue
18 Suite No.4 in D, BWV 1069 - 1. Ouverture
19 Suite No.4 in D, BWV 1069 - 2. Bourrée I-II
20 Suite No.4 in D, BWV 1069 - 3. Gavotte
21 Suite No.4 in D, BWV 1069 - 4. Menuet I-II
22 Suite No.4 in D, BWV 1069 - 5. Réjouissance

拜鲁伊特贝九原版录音发现经过
1951年拜鲁伊特音乐节重开时，上演了贝多芬的第九交响曲。在听说巴伐利亚广播公司档案中尚保存着这场著名演出的录音带后，我尝试去寻找关于这个事件的更多具体情况。对于这个可说是富特文格勒最著名录音的起源，已经有很多传闻和推测，现在似乎有机会得出一个最终的结论了。
在一位朋友的慷慨帮助下，我证实这个录音的确存在，并得到了听录音带的好机会。于是有一天，我去到位于慕尼黑的巴伐利亚广播公司的大办公室，那里配备了我们通常所听的EMI公司出版的CD及一本总谱。录音带装在一个旧的硬纸匣里，上面用旧体字打印出录音师、录音计时等说明以及“不准播放”的标记，看起来的确是在架子上存放了很多年，到现在才第一次被取出来。
接着我开始听录音。从一开始就明显感觉到，这个录音是从一个不同的话筒位置录的，声音形象很不一样。我于是一小段一小段地播放录音带，然后再切换到CD唱片，这样对比着一直往下听。我越往下听越觉得兴奋，越来越确定这个录音带中有很大一部分与为人所熟知的“官方”版本是完全不同的演出。最初的迹象是演奏过程中的一些细节及观众的咳嗽声，而最终的证明则是在慢乐章中，小提琴提早进入——这个情况在EMI的CD中没有出现。所以，可以肯定EMI的工程师们曾经运用了更多的材料和手段对录音进行过制作。细心的听众可以自己听出所有不同的部分，这里只列举其中一些：EMI版在极弱段落加大了动态处理使其听起来更加响亮；在结尾的和弦增加了渐强；歌唱部分也变得不同，他们对总体的休止进行了编辑，改变了各位歌手间演唱的均衡。原版录音在这些方面都显得更加自如、更加紧凑。当我们使用更好的播放器材去听这个未经修改的录音时，上述的聆听印象再次得到加强。
此后的事情，就是与巴伐利亚广播公司展开顺利的谈判，结果发行了这张美妙的CD唱片。现在，所有的富特文格勒崇拜者终于可以完整、真实地听到未经瓦尔特.李格修饰处理过的、这场在难忘的时刻举行的音乐会了。
————Dietrich von Kaltenborn
富特文格勒1951拜鲁伊特贝九现场录音
1951年7月29日，在拜鲁伊特音乐节重开的纪念音乐会上，富特文格勒指挥演出了贝多芬的第九交响曲。慕尼黑的巴伐利亚广播公司（BR）派出录音团队，通过覆盖全欧洲（包括巴黎）的广播网络，对这个具有历史意义的事件进行现场直播。这一事件标志着巴伐利亚广播公司录制并现场直播拜鲁伊特音乐节舞台演出的传统由此开始。
第九交响曲由音响工程师Hildebrandt和技术指导Bethkenhagen录音，只作了现场直播，但没有重播。因此，这个录音带一直收藏在巴伐利亚广播公司的音响档案馆里，从未以任何形式再次播放。1968年1月，原始录音带以单声道38cm/秒的速率复制到两卷由BASF公司生产的15英寸大圆轴盘式磁带上，以作更好的保存。第一盘磁带收录第一、二乐章，第二盘磁带是第三、四乐章，总时间长约74分钟。期间，HMV的商业录音于1955年被制成密纹唱片出版，而巴伐利亚广播公司档案中的录音带却仍然鲜为人知。
2006年初，巴伐利亚国家管弦乐团年轻的大提琴手Dietrich von Kaltenborn向巴伐利亚广播公司询问这个录音带的情况。在听录音带时，发现由巴伐利亚广播公司所录的演出，与HMV出版的商业录音存在很多不同点。Dietrich von Kaltenborn曾经于2004年在慕尼黑诸圣教堂的富特文格勒钢琴五重奏公众演出中演奏大提琴声部。接着，2006年10月30日，在巴伐亚广播公司主楼的第一录音室举办了一个试听会。Dietrich von Kaltenborn，Michael Arlt（巴伐利亚国家管弦乐团的小提琴手，在富特文格勒钢琴五重奏公众演出中演奏小提琴声部）和日本富特文格勒中心的理事们一起参与试听，巴伐利亚广播公司的几位雇员也在场。试听会是真正激动人心的、令人难忘的，大家尤其对来自日本的访问者对音乐的兴趣和热情留下深刻印象。于是，我们毫不犹豫地决定授权日本富特文格勒中心，以CD唱片的形式专门向其会员以及世界各地富特文格勒协会的会员们出版这个录音。
————Mary Ellen Kitchens(巴伐利亚广播公司 电台档案馆)
真实的传奇：富特文格勒1951年拜鲁伊特"本真”贝九
1951年7月29日，富特文格勒受邀在拜鲁伊特音乐节重开的纪念音乐会上指挥演出贝多芬第九交响曲。第二次世界大战后，拜鲁伊特音乐节就中断了。英国HMV唱片公司派出唱片制作人瓦尔特.李格到拜罗伊特，负责对这场音乐会进行录音。
传闻在音乐会后，李格立即拜访了富特文格勒，表示对演出感到很失望，声称此前他曾听过富特文格勒更好的演出。此后数年间，这个录音一直未能出版，甚至到富特文格勒离世以后。尽管当时高品质的磁带录音和密纹唱片都发展起来了，但是唱片公司仍然不习惯对现场演出的录音作商业发行，HMV显然也不例外。另一方面，从1950年开始，HMV正着手进行富特文格勒与维也纳爱乐的贝多芬交响曲系列录音，本来还应该包括第二、八、九交响曲，而拜罗伊特的录音是为未来的录音室录音作某种准备。但是富特文格勒于1954年离世，没有录下以上三首交响曲。鉴于第九交响曲的重要性，HMV不得不发行在拜鲁伊特的录音。
结果证明这个演出是HMV所发行的最成功的富特文格勒录音之一，远远超出了李格和HMV的想象。它变得相当“流行”，不管发行的形式如何变化——单声道密纹唱片、Elektrola-Breitklang、开盘磁带、Musicassete及CD唱片，它始终保留在目录上。现在我们在市场上还看见一些非EMI的CD唱片，据称是从EMI各个分公司早期压制发行的密纹唱片转制而成。这些出版公司不约而同地声称，拜鲁伊特贝九的原版录音带已经损坏，他们根据以前的老密纹唱片转制的CD，声音比新出版的根据原版录音带重新制作的CD更加好，而且每间公司竞相表示，自己的转制技术比其他公司强。
EMI日本分公司（东芝）长期以来发行一个独特的版本，这个版本包含了富特文格勒上台前观众的短暂嘈杂声，接着是热烈的掌声，富特文格勒走向指挥台的脚步声，以及他与一些乐团团员的“简短交谈”。有些追捧者称赞这个版本，宣称它是一个杰作，真正传达出富特文格勒这场音乐会的紧张气氛。无论如何，“拜罗伊特贝九”仍然是 最受喜爱的富特文格勒录音之一，尽管后来又发行了柏林、卢塞恩和维也纳的贝九现场音乐会录音。另一方面，尽管人们非常喜爱这个录音，但仍然有人对它提出怀疑。例如：（1）录音带有明显的剪接痕迹；（2）演出中最后的和弦有点奇怪；（3）在合唱部分“vor Gott”的结尾，有突兀和不寻常的渐强；（4）演出结束后的掌声存在数个不同的“版本”；（5）最后，对东芝版的疑问：在登上指挥台之后，富特文格勒真的会跟乐团团员交谈吗？去年（2006）我们拜访伊丽莎白.富特文格勒夫人的时候，就最后一点向她提出询问。听完东芝版后，她的意见是“komisch!”（奇怪！）这些现象意味着，目前为止我们所听到的HMV拜罗伊特贝九并非纯粹的现场演出，而是一个被瓦尔特.李格剪辑过的、由排练和现场音乐会混合而成的版本。
这场历史著名的音乐会由巴伐利亚广播公司录音，于演出当天在慕尼黑、斯图加特、巴黎和赫比（Hörby）现场广播。（资料来源：奥尔森著《富特文格勒1932-1954年广播录音》/《Furtwängler Broadcasts / Broadcast Recordings 1932-1954》by Henning Smidth Olsen）如果巴伐利亚广播公司仍然保存着这场音乐会的“本真”现场录音带的话，那么HMV后来做的手脚将会无所遁形，上述指出的种种问题也理应得以澄清。在René Trémine编著的《富特文格勒唱片目录》（《The Furtwängler Discography》）中提到，巴伐利亚广播公司的档案中保存着这份录音带。幸运的是，这份录音带真的存在于巴伐利亚广播公司的档案中！这个录音带被巴伐利亚国家管弦乐团的大提琴手Dietrich von Kaltenborn先生“重新发现”，他曾经在2004年德国耶那（Jena）的“富特文格勒日”上演奏富特文格勒钢琴五重奏的大提琴声部，我们在那里相识。他联系到他的朋友，证实存在这份录音带，并且得到了听录音带的机会。此外，他还好心地为我们安排了一次试听会。借此机会，我们愿向von Kaltenborn先生所作的安排表示最由衷的感谢。现在，未经任何剪辑处理过的“本真”拜鲁伊特贝九已经投入发行，根据与巴伐利亚广播公司签署的正式合约，唱片封套将打上“BR”的标记。
关于这场演出的特征，请听众们参考Dietrich von Kaltenborn先生的笔记。各个乐章之间的间隔大部分都幸运地保留下来，我们可以听到，独唱家们在第三乐章之前进场，而第三乐章结束仅一瞬间，第四乐章便开始。录音的质量非常好。弦乐的音色被完美地捕捉下来，动态幅度惊人地宽广，我们在同一年斯图加特音乐会（富特文格勒中心发行）上的拉威尔和海顿作品中，同样感受到这一点。这有力地证明了关于拜鲁伊特贝九“原版录音带已经损坏，声音比密纹唱片还差”的故事是不真实的。总之，对比之下，HMV版清楚地显示瓦尔特.李格作了一些改动：增加回响，用其他录音替代了带有听众杂音的乐句，改变动态，以及在合唱“vor Gott”的结尾部分增大渐强。
至于为什么这个录音直到目前都未被发行，这是一个谜。现在就连巴伐利亚广播公司自己也弄不清楚那些“广播播放-摘要-封存”的字样当初是想说明什么。总之，我们可以听到，在经过56年的漫长沉睡之后，这场历史著名的演出仍然具有出色的声音。经巴伐利亚广播公司的许可，日本富特文格勒中心得以使其会员以及国外的富特文格勒协会会员们拥有这个录音，这是一件令人相当欣喜的事情。我们将共同分享富特文格勒中心理事们2006年10月在巴伐利亚广播公司播音室里聆听这个录音时经历过的那种战栗感觉。
我们的唱片封套选用了1951年拜罗伊特音乐节的原版宣传品的部分页面，其中包括四整页的“1951拜鲁伊特音乐节管弦乐团和合唱团”成员名单。
————Masayuki Nakamura（日本富特文格勒中心主席）
英译文审校：Lee Schipper
中文翻译：岛冰
原文出处：日本富特文格勒中心“世界首发”原版拜罗伊特贝九唱片说明书翻译+听后乱弹

谁也不知道，究竟是什么原因促发了古尔德重录《哥德堡变奏曲》的念头。1955年他所录制的《哥德堡变奏曲》一直畅销不衰。在很多人眼里这张唱片几乎成为古尔德就的一个标志。重录《哥德堡变奏曲》对于古尔德，确实是一个非同可的挑战。他1955年的录音不仅为很多人所熟悉，而且被公认为是他巴赫演释独特风格的一座丰碑。如果在他49岁时，他拿不出能够超越自己23岁时的演释结果，那么就等于搬起石头，砸了自己的脚。最终，在第一次录制这部作品26年后，古尔德再次回到位于纽约东30街的录音室，谱架上再次摆上了《哥德堡变奏曲》。重录《哥尔德堡变奏曲》先后用了七段时间，分别是在1981年的4月22日至25日和5月15日、19日、29日，每次基本都是从下午4点到第二天凌晨。1982年，这张唱片与广大听众见面。
“早先的演释富于朝气，以力量和自由为本。”评论家们这样写道，“而现在摆在我们面前的这张唱片，似乎没有早先演释的那种猛然攫住你的力量，但它更 加严肃、更加柔情、更加具有深层的感染力……咏叹调主题沉静的深思，第15变奏中触键的变幻莫测，第25变奏中史诗般的距离感，以及声部进行令人震惊的高度清晰感，所有这一切使这个《哥德堡变奏曲》染上了一层超然物外和深棠驳钠省！?br />
然而，谁也没有想到，一星期后，古尔德便突发脑溢血，撒手人寰。几乎所有熟悉古尔德的人都惊讶地注意到，《哥德堡变奏曲》的两次录音不仅是这位钢琴怪杰生前的第一张唱片，而且还可以说是他的最后一张正式唱片。尽管古尔德在1982年2月至8月间还录制了一些其他作品，但这些唱片均是古尔德去世后才发行的。迷信的人认为这肯定是天意的安排。这同一部作品代表著古尔德职业生涯的起点和终点。古尔德从这里出发，临死似又重回故里。
风景依旧，人事全非。这时的古尔德与二十七年前的自己相比，无论从什么方面说，都已经完全不同。青年古尔德踌躇满志，演奏中尽显英华四溢的天才本色，整部作品只用38分27秒，可谓快马迅捷；暮年古尔德则深邃内省，少年天才一变为沉思稳健的智者，持重坚忍的速度居然将演奏时间拖至5l分15秒。他这两个同样精妙绝伦、但风格完全不同的录音版本成了一个象征。古尔德向世人、也向自己证明，在艺术中，天才不可多得，但对自我的不断修炼和超越才是艺术之本。
古尔德的两次录音版本中，很多人在音乐背后听到了演奏家两种截然相反的人生态度。早年的意气风发和英姿勃爽。晚年让位给老人面对死亡时超然的平静。让我们来看看现场拍摄的纪录片：电视镜头中，古尔德身著深蓝色的布衬衣，袖口忘了系扣，脸色疲惫，容面苍老。他几乎蜷缩在钢琴上，戴著老花镜的眼睛死死盯著琴键，似乎要看破钢琴这件乐器的整个奥秘。熟悉青年古尔德英姿的人看著古尔德一步步走向老态龙钟的晚年，不仅会感慨时光的流失和岁月的无情。然而，随著音乐声响起，观众会逐渐忘却一切，开始被古尔德对音乐的投人所打动。荧屏上的古尔德依稀仍和年轻时的他一样，演奏时手舞足蹈，摇头晃脑。只见他嘴里不停地哼唱著音乐，只要能腾出手，就会做出各种自我指挥的动作。
回想一下，巴赫也是在垂暮之年写下了这部作品。“五十而知天命” 。正是这同在垂暮之年的古尔德，只有这同在垂暮之年的古尔德，参透了这最后一道宿命的咒语。“朝闻道，夕死可矣”。古尔德在大彻大悟之后死去，这也许是成就他艺术生涯的最完美的一个句号。

巴赫在世的最后几年，主要花费时间在删改和完成先前的作品上面，但他仍继续写出新的作品。
《键盘练习曲集》第三卷出版之后，过了3年，第四卷在1742年也问世了，其实这是一套完整的作品。内容是咏叹调的三十首变奏曲，是巴赫为学生哥德堡（Goldberg）创作的乐曲。据说，俄罗斯驻德雷思顿大使冯·凯塞林男爵（Baron von Kaiseriling）因为晚上经常失眠，就让他的管风琴师哥德堡作一首催眠曲，用来在入睡前弹奏，哥德堡就向他教师巴赫求救，巴赫信手拈来，在短时间内，创作了这部作品。不过据英国传纪作家，蒂姆·道雷的《巴赫传》所述，这首曲子其实是凯塞林男爵直接委托巴赫写的，因与巴赫有师徒缘份的哥德堡每晚必须弹奏此曲而得名。这部作品堪称是“巴赫所有键盘作品中结构最简单、最扎实的作品，它气势磅礴、雄壮精美，经由技艺超群的大师巧妙演泽，将最严密的逻辑秩序和最自由的抒情表达融而为一，使人为之惊叹”。
加拿大钢琴家古尔德很好地把握了巴赫的精髓，用现代钢琴再现了这部原为大键琴写的作品的丰富内涵。古尔德成名后，第一张录制的唱片就是这首《哥德堡变奏曲》，当时的录音公司，即sony公司的前身哥伦比亚公司的职员问他，是不是换一首常见的，要知道在古尔德之前只有著名的波兰钢琴家兰多夫斯卡录过此曲，这样会不会太冒险。但年青的古尔德很有礼貌地固执了已见。就在它的唱片发行后，全世界爱乐者的心都被征服了，原先对巴赫音乐敬而远之的人，通过古尔德的诠释，开始读懂了巴赫严谨背后的美，许多人将其视为珍品。也许世界上唯一对这张唱片不满意的就是古尔德本人。在数码技术出来后，古尔德又重新录制了此首，且是他生平唯一的一次重录。原先自己用了20多年的斯坦威钢琴也变成了雅马哈钢琴，还是别人闲置在一边的旧钢琴。
谁也不清楚古尔德为什么重录这部作品。重录，某种意义上说就是对先前的否定，不过他的确公开否定了被公认为他里程碑的1955年录制版。“我无法与录制这张唱片的这个人的精神形成认同，就像这张唱片是一个别的什么人录制的与我无关。”确实，摆在我们面前的这张唱片，似乎没有先前演释的那种猛然攫住你的力量，但它更加严肃，更加柔情，更加具有声层的感染力……咏叹调主题沉静的深思，第15变奏中触键的变幻莫测，第25变奏中史诗般的距离感，所有这一切使这个1981的数码版，染上了一层超物然外的深刻宁静的气质。演奏时间也由原来的38分27秒放慢至51分15秒，特别是最后的咏叹调，他真的是在说，永别了，有种有意拖长的，令人揪心的口吻……
早先少数几个演奏过《哥德堡变奏曲》的钢琴家基本上都遵循老的传统。现在古尔德重又回到了早先的传统。但是这不是简单的回复，而是更高层次的扬弃。如作品以同一主题不断变奏的同度卡农、二度卡农、三度卡农直至九度卡农贯穿其中，互相之间安排性格不同的两个间播段进行对比，最后又回到“本体”——主题本身，这种既变化又统一，既和谐又对比，从一个本源出发，逐步发展，变形又回到本体，这一构想本身却具有更普遍、更广泛、更宏观的哲学内涵。正如黑格尔在《美学》中所说的，艺术在感性的面纱下揭示理念的发展，直到“看到更远的精神这一客观形式回转过来，把它扬弃，而后又返回自身”。
虽然，可以将古尔德1981年的版本，听成是他死前的永诀，如果仔细倾听，认真品味。我们发觉他的表情并没有过份的沉痛和悲哀，相反很宁静、深秋般的宁静。古尔德在巴赫的伟大音乐中，战胜了死亡，超越了自我，在生命最后时刻，似乎真正接受了上帝的福音。他知道自己已修成正果，成了名副其实的艺术圣徒。
他，从巴赫开始，以巴赫结束。
曲目介绍：
J. S. 巴赫的《哥德堡变奏曲》，BWV988，是巴赫著名的键盘作品，大约作于1741-1742年间。这部伟大的变奏曲原名叫做《有各种变奏的咏叹调》，1742年出版，此作为巴赫的学生哥德堡(Johan Theophil Goldberg)而作。哥德堡是侍奉当时驻在德累斯顿的俄国使臣凯瑟林(Hermann Karl Von Keyserlingk)伯爵的年轻演奏家。巴赫曾把他的《B小调弥撒》献给凯瑟林，因此而获得“宫廷音乐家”的封号。1741-1742年间，凯瑟林居住在莱比锡，让哥德堡师从巴赫，学习演奏技巧。伯爵患不眠症，失眠时就需哥德堡为其演奏，哥德堡以演奏需要，求巴赫帮助谱曲。巴赫当时作成这部变奏曲之后，凯瑟林送他一只装满100枚金路易的金杯以酬谢。
这是音乐史上规模最大，结构最恢宏，也是最伟大的变奏曲。这部变奏曲是为两层大键琴而作，巴赫在各段变奏里都指定了键盘的种类。变奏曲的形式，是以一个基本主题，引导出对比命题和对应（反对）命题，然后再探求演绎与对比的各种可能性。巴赫这部作品，以他1725年为安娜·玛格达琳娜而作的小曲集中的一首萨拉班德舞曲作为主题，发展成30段变奏。这30的数字，由3所支配，以3个成一组的变奏，以卡农的方式表达：一位齐声的卡农，二为二度卡农，三为三度卡农……此后达到第九个卡农后，第十变奏为四声部的赋格，之间不断出现创意曲、托卡它、咏叹调等各种形式。第一曾与第二层键盘交替。第十六变奏作为中心，速度分为前后两半，这种作曲技巧所构成的建筑结构之微妙，实在令人叹为观止！
这部作品共分32段，第一段以那首萨拉班德舞曲的主题开头，第32段是经过30段变奏后和缓地、平静地重新回到主题，不同的是第一段的简单主题经过30段变奏后，已变得异常丰富和复杂。
30段变奏分别是：
1.使用第一层键盘，二声部，前奏曲风格，拍子和调性与主题类同。
2.三声部，实用第一层键盘，上二声部暗示主题，低音不随基本旋律。
3.卡农，三声部，实用第一层键盘。
4.模仿前一变奏。
5.第一、第二层键盘交替表达。
6.第一层键盘的二度卡农。
7.第一、二层键盘交替表达，西西里舞曲风格。
8.使用第二层键盘，二声部，活泼的托卡它风格。
9.使用第一层键盘的三度卡农，三声部。
10.第一层键盘，四声部的小赋格。
11.使用第二层键盘的托卡它风格。
12.第一层键盘，四度卡农。
13.使用第二层键盘，抒情风格。
14.使用第二层键盘，活泼的前奏曲风格。
15.由原来一直的G大调转为G小调，第一层键盘，五度转位卡农，行板。
16.又变成G大调，前半部慢后半部快，序曲，把法国风格序曲的三段式改为两部：前半部为二声部前奏曲风格，行板；后半部为三声部小赋格，快板。
17.使用第二层键盘，二声部的托卡它风格。
18.使用第一层键盘的六度卡农。
19.使用第一层键盘，舞曲风格，三声部。
20.使用第二层键盘，具华丽的技巧。
21.七度卡农，部分使用半音阶。
22.托卡它风格，宁静的调子。
23.使用第二层键盘，模仿对位方式。
24.八度卡农，使用第一层键盘。
25.变成G小调，使用第二层键盘，浪漫的幻想曲性质，偏重于半音阶技法。
26.恢复G大调，前奏曲风格，慢拍和快拍子之间的旋律对比。
27.使用第二层键盘，九度卡农。
28.使用一贯的震音发挥华丽效果。
29.主调音乐样式，第一、第二层键盘交替。
30.使用第一键盘，标记是Quodlibet。Quodlibet是起源于中世纪的演唱方式，一种组合数首熟悉的民歌的乐曲。这里使用了17世纪意大利流行的民歌《被甘蓝和芜菁所追赶》和德国民歌《离开家已有许久》，使两者旋律以对位的方式互为缠绕。

关于古典音乐不再赘述，本专辑由大卫·帕里指挥，伦敦爱乐乐团演奏，介绍一下伦敦爱乐交响乐团。
伦敦爱乐乐团是世界著名的一流交响乐团。自从1932年托马斯·比切姆爵士创建了伦敦爱乐乐团以来，该团以其演奏曲目的多样性和卓越的艺术性而享盛誉。几十年来，众多著名的指挥家曾经担任过伦敦爱乐乐团首席指挥，其中包括阿德里安·博尔特爵士、约翰·普理查德爵士、伯纳德·海丁克、左尔格·索尔蒂爵士、克劳斯·腾斯泰德、弗朗茨·韦尔泽－莫斯特和现今担任乐团首席指挥的库特·马祖尔。
1973年，伦敦爱乐乐团访问中国，这使得伦敦爱乐乐团的名声和形象深入人心，成为了中国观众心中著名的交响乐团之一。多年来该团在美洲、欧洲和日本进行了多次巡回演出，还出访了印度、澳大利亚和南非。
1992年以来，伦敦爱乐乐团一直是英国皇家节日大厅的常驻交响乐团，每年9月至次年5月，乐团都在此地演出系列音乐会。乐团以其演奏曲目的多样性和启用当代杰出的音乐家演出为特色，使得乐团获得了极高的荣誉。每年冬季集中演奏一个作曲家的作品或选定一个主题，并致力于从不同的文化根基中探索音乐，例如举办电影视听音乐会、家庭音乐会和校园音乐会等。作为一个承担着推广新音乐义务的乐团，每个演出季，乐团都会突出一位当代作曲家的作品，并使此作品贯穿整个演出季。

“戈德堡”这个名字源自巴赫的一位学生，其全名为Johann Theophil Goldberg。当初他是俄国一位外交使臣凯瑟琳伯爵手下的年轻演奏家，巴赫与这位俄国人也素有深厚。作曲家着名的《b小调弥撒》就是提献给凯瑟琳伯爵的，为此他还获得封赏。1741-1742年时，这个俄国人身居莱比锡期间便让手下的戈德堡去向巴赫学习键盘演奏技巧。当时凯瑟琳伯爵被许多疾病所困扰，晚上经常失眠，他便让戈德堡每天深夜在自己卧室隔壁的屋子里演奏一些轻柔的音乐，以此为消遣来度过漫漫长夜。
在一次与巴赫的交谈中，伯爵希望作曲家能够为他创作一些格调柔和却又略带欢快气息的键盘音乐，让自己在痛苦的失眠之夜能因为欣赏到这样的曲子而变得愉快。巴赫相信，凯瑟琳伯爵的这个愿望能够通过自己所创作的变奏曲来实现。作曲家便使用自己早先创作的一套小曲集中的萨拉班德德舞曲作为主题，并根据这一主题写了三十个变奏。有意思的是，这套小曲集原本是巴赫题献给自己贤内助Anna Magdalena（安娜.玛格达雷纳）的作品。安娜是巴赫的第二任妻子，是一位典型的贤妻良母，除了照料好一家人的衣食起居外，她还经常帮巴赫抄写谱子，而且水准一流。巴赫出于对安娜的感激和爱意，先后在1722和1725年创作出两卷曲集送给妻子。后来两卷曲子被合并，并且去处了其中的声乐演唱部分，成为了《为安娜.玛格达雷纳.巴赫而作的古钢琴小曲集》。小曲集一共有45首，其中第26首《G大调小步舞曲》日后成为了《戈德堡变奏曲》的主题。
这部佳作完成后，当时年仅14岁的学生戈德堡自然是这部作品的首演者，巴赫极富灵性的旋律加上戈德堡优秀流畅的演奏技巧，让凯瑟琳伯爵被这部优美的变奏曲深深打动。为此伯爵赠送给巴赫一个装了一百个古法兰西金币的金杯。后来才华横溢的演奏家戈德堡在自己29岁时英年早逝，而他的名字却因为巴赫的这部作品而被人们所牢记。
与前后两卷的《平均律》相比，《戈德堡》的篇幅要小得多，但作为一首变奏曲而言，其规模却是史无前例的，因此它被誉为“音乐史上规模最大，结构最恢宏，也是最伟大的变奏曲”。有一段评论这样说——
……这部作品的独特之处在于，其变奏的基础不是主题的旋律，而是主题的低音线，由这样一个狭窄的基础，巴赫构筑了一座精致而又宏伟的大厦，其间包括了巴洛克时期几乎所有的音乐风格样式：卡农、赋格、舞曲、咏叹调、沉思曲、序曲等等。后人对这一作品有种种解释，有人认为这三十个变奏表现了人类心灵的各种幽微之处，有人则把这三十个变奏想象为人生的各色场景，还有人将其解释为表现巴洛克宫廷的三十幅风俗画等等……
如今市面上出售的《戈德堡变奏曲》录音唱片通常有32个音轨，前后两个主题加上30个变奏。但这并不表明作品共分为32个段落，实际上它们是一个完美的整体。相互之间的内在联系构成了这部作品完善的乐句组织与和声结构、严谨而理性的音乐架构、和谐的比例以及多元化的音乐风格融合。整个作曲技巧所构成的微妙建筑结构令所有后世学者叹为观止。
与巴赫其他的键盘作品一样，《戈德堡变奏曲》的录音唱片也分为用大健琴或现代钢琴演奏两种类型，而我们现在听得比较多的反而来自于现代钢琴演奏的版本。其代表人物有三位——古尔德、佩拉西亚以及图雷克。其中古尔德又是这部作品最有号召力的演奏家，他先后两次（1955年以及1981年）在录音棚中录制了《戈德堡变奏曲》，另外还有一张1959年的现场音乐会录音。尤其是1955年的那次录音，古尔德利用自己凌厉的技巧赋予了这部作品最为独特、迅捷的演奏风格，在当初是颠覆传统的！26年之后的1981年版，古尔德则适当放慢了演奏速度，以一种更加虔诚的心境演奏它，严肃而柔情，且更具有深层的感染力。

舒伯特，全名弗朗茨·泽拉菲库斯·彼得·舒伯特（Franz Seraphicus Peter Schubert，1797年1月31日－1828年11月19日）,奥地利作曲家，出生于维也纳郊外的教师家庭。自幼随父兄学习小提琴和钢琴，少年时即显示出他在音乐创作上的特殊才能。舒伯特的一生是在贫困中度过的，艰难的生活使他过早地离开人世。然而，舒伯特却为人类留下了大量的不朽名作。他是早期浪漫主义音乐的代表人物，也被认为是古典主义音乐的最后一位巨匠。
这套钢琴大师肯普夫演奏的舒伯特钢琴奏鸣曲十八首（共七张CD），"企鹅＂评价三星。
CD 1
降B大调第二十一号钢琴奏鸣曲 作品960号
Piano Sonata No 21 in B flat major D 960
[1]—[4]
E大调第三号钢琴奏鸣曲 作品459号
Piano Sonata No 3 in E major D 459
[5]—[9]
CD 2
C小调第十九号钢琴奏鸣曲 作品958号
Piano Sonata No 19 in C minor D 958
[1]—[4]
A大调第二十号钢琴奏鸣曲 作品959号
Piano Sonata No 20 in A major D 959
[5]—[8]
CD 3
G大调第十八号钢琴奏鸣曲 作品894号
Piano Sonata No 18 in G major D 894
[1]—[4]
D大调第十七号钢琴奏鸣曲 作品850号
Piano Sonata No 17 in D major D 850
[5]—[8]
CD 4
A小调第十六号钢琴奏鸣曲 作品845号
Piano Sonata No 16 in A minor D 845
[1]—[4]
C大调第十五号钢琴奏鸣曲 作品840号
Piano Sonata No 15 in C major D 840
[5]—[6]
A小调第十四号钢琴奏鸣曲 作品784号
Piano Sonata No 14 in A minor D 784
[7]—[9]
CD 5
A大调第十三号钢琴奏鸣曲 作品664号
Piano Sonata No 13 in A major D 664
[1]—[3]
F小调第十一号钢琴奏鸣曲 作品625号
Piano Sonata No 11 in F minor D 625
[4]—[6]
B大调第九号钢琴奏鸣曲 作品575号
Piano Sonata No 9 in B majir D 575
[7]—[10]
CD 6
降E大调第七号钢琴奏鸣曲 作品568号
Piano Sonata No 7 in E flat major D 568
[1]—[4]
降A大调第五号钢琴奏鸣曲 作品557号
Piano Sonata No 5 in A flat major D 557
[5]—[7]
E小调第六号钢琴奏鸣曲 作品566号
Piano Sonata No 6 in E minor D 566
[8]—[9]
CD 7
A小调第四号钢琴奏鸣曲 作品537号
Piano Sonata No 4 in A minor D 537
[1]—[3]
C大调第二号钢琴奏鸣曲 作品279号
Piano Sonata No 2 in C major D 279
[4]—[6]
E大调第一号钢琴奏鸣曲 作品157号
Piano Sonata No 1 in E major D 157
[7]—[9]

Longtime fans of the pianistic genius of Claudio Arrau will no doubt already have his transcendent performances of Schubert's sonatas, impromptus, Moments musicaux, and Klavierstücke that he recorded for Philips in the early '80s and they will already have imbibed deeply and at length of their imponderable sublimity. Listeners coming to the recordings for the first time may wonder what it is his fans hear in these immensely slow and enormously deliberate performances. And make no mistake, Arrau's performances are immensely, incredibly, draggingly slow with Allegros sounding like Andantes and Andantes sounding like Adagios and enormously, unbelievably, ponderously deliberate with huge pauses and vast hesitations. But make no mistake, Arrau's performances are also incontestably transcendent. With the soul of a poet in his heart and the experience of a lifetime in his mind, Arrau finds depths in Schubert's music that few other pianists suspect even exist and expresses them with a honesty and humanity that are wholly compelling. Still, even longtime fans will have to admit that the bonus disc of previously unissued mid-'50s recordings of Arrau performing the Klavierstücke, the "Wanderer" Fantasy, and three Moments Musicaux are not only wonderfully impressive in their own right, but also a tremendous relief after so many profoundly slow performances. Philips' early-'80s sound was so vivid that one can at times hear the pianist's knuckles crack.