Sufjan Stevens将他的第三张专辑《来自五大湖州的问候》献给他所热爱的养育他的家乡：密歇根。音乐中饱含了令人心痛的悲伤——第一首歌‘Flint (For the Unemployed and Underpaid)’就隐约的表达了他在弗林特城声名狼藉的工作市场所遭受的挫折；并记录了底特律正在经历的一场沉闷压抑的斗争，虽然不同于之前60年代末，失业者和低收入者为争取更好生存权益而发生的暴乱。同时他也为无家可归者、孤儿寡妇而歌（They Also Mourn Who Do Not Wear Black (For the Homeless in Muskegon)、For the Widows in Paradise, For the Fatherless in Ypsilanti）；还以‘All Good Naysayers, Speak Up! Or Forever Hold Your Peace!’这首歌来鼓励持不同观点的人发出自己的声音；尽管如此，音乐中也有光明快乐的一面：像‘Say Yes! To Michigan!’、‘Detroit, Lift Up Your Weary Head! (Rebuild! Restore! Reconsider!) ’和一些以密歇根山川湖泊命名的歌曲则既充满了对家乡重建的乐观期望，又表达了对和谐的自然生态环境的留恋和忧虑意识。
而音乐上，多才多艺的Stevens驾轻就熟的使用了各种乐器来丰富的他的音乐，键盘、木管乐器、吉它、班卓琴和打击乐器，无论是抑郁伤感还是轻快乐观的情绪都表达的淋漓尽致，整张专辑洋溢着北方民谣的淳美风格。总之，这是一张从音乐、歌词到精神上都值得你认真倾听的专辑，也难怪会收到如潮的好评。
关于Sufjan Stevens：
1975年的7月1日，密歇根州底特律城，Stevens夫妇在家门口发现了一个牛奶箱，里面装着一个用塑料纸包裹的婴儿，它的手腕上系着一张神秘的字条：‘I love you’，这个婴儿就是后来的Sufjan Stevens。虽然当时Stevens夫妇已经有了三个孩子：Jo-Jo、Zukey-Dukey和Jam-Jam，并且生活过得很清贫：Stevens太太靠编制毛毯在跳蚤市场贩卖贴补家用，而Stevens先生是一间医院的看守人，但夫妇俩心地却非常善良，他们决定把这个孩子留下来抚养，并给他起了个名字‘Sufjan Stevens’——来源于一个伟大的亚美尼亚苏非派武士‘Abu Sufjan Muhammad’，他曾为了解救‘仙女公主’英勇地杀死了万条火龙。虽然小Sufjan看起来一幅没精打采的模样，但却是一个乖孩子。夫妇俩尽了最大的能力来照顾他：喂胡萝卜给他吃，给他读《Bhagavad Gita》中的段落，（‘Bhagavad Gita’意为‘The Song of the Lord’，是印度教经典《摩阿婆罗多》（Mahabharata）里的一首长篇颂歌，它并不是一个空洞的哲学体系，而是通过描述一个人在矛盾选择面前的行为来反映印度教的种种世界观），给他梳理头发，他们还在房间里边唱边跳起踢踏舞来，一切都是那么美好。。。——译自

唱片中有很多非常质朴的歌曲，如《小茉莉》、《捉泥鳅》、《长空下的独白》等等。包美圣的声音非常干净。而《白发吟》、《圈儿词》也很适合包美圣的声音特质，经她唱出来特别有感觉。
包美圣自述：
对我来说，以前对于民歌的投入可以说是「无心插柳」，并没有特别去耕耘。
当时的「民歌」几乎没有一点商业气息，印象中大家都很单纯，当然，也有人很响往歌手生涯。而我是很随性的，跟整个民歌界的人也不是很熟络。那时我在台大念书，唱歌对我来说只是一个活动，常常是到各个校园演唱，唱完我就赶快回学校，因为我是还要约会的。另一方面，我并不喜欢那种录音、录影的生活，时间很难控制，常常弄到很晚。我印象最深的是有一次，大家录影录到清晨，然后一起去永和豆浆，接着王梦麟说要送我回宿舍，他骑着重型铁车在还没拓宽的新生南路上，简直在飙车，我觉得有趣，又觉得很担心。万一出了事，清晨一对男女，人家不知道会说些什么……
当时唱过的歌中印象最深的是<小茉莉>、<那一盆火>，都是唱片公司拿给我唱的。从现在倒回去看，我觉得唱<小茉莉>时是我声音最干净的时候，给我简单、纯洁的一点怀念。还有一首<捉泥鳅>，也不知为什么大家就是觉得很清新，出乎意料的红了。
那时在大学里面，同寝室的好友向我分享了一个交友的经验，刚好双方的人我都认识，我就抱着「我唱给你听，再唱给他听」的心情，写了<成长（悟于十九）>这首歌，「告诉你们问题其实没有这么严重」，而其实就是一个醒悟的感觉。
后来就很少再去听以前的歌了，不过偶而听到，会有「回到老窝」的感觉。那一段时间只是我生命中的片段，把它拿来回忆可能比较好。

Damien Rice在2003年发行了个人的首张专辑《O》，专辑刚发行，变让Damien Rice红遍了非主流音乐界。成为一位知名的唱作人。不但是国外，在我们中国Damien Rice的FANS也是相当的多，我记着前俩年，几乎各各论坛都会有人去发Damien Rice《O》专辑中的歌曲，简直可以用泛滥来形容。同时也让大家重新认识了Damien Rice所演绎的爱尔兰的音乐。这张新专辑命名为《9》，又是以极其简单的方式面向大家。新专辑《9》将在11月3号在爱尔兰首先发行，而后是11月6号将在英国和欧洲地区发行，最后的11月14号才会在美国正式发行。至于我们中国...估计2007年的11月吧。呵呵，玩笑话。来看看新专辑，整整10首歌曲。风格继续延续上张专辑的风格民谣，独流流行和Singer/ Songwriter。不同的是，这张专辑有2首非常突出的歌曲，分别是Rootless Trees和Me, My Yoke and I，突出之处在于别与他们以前的风格，这俩首歌曲特别摇滚，有点Indie Rock的感觉，听后，给我一种很新鲜的感觉，演绎的摇滚曲风原来也很不错。相对这张专辑的风格，我可以给这俩首歌曲满分。原因就是非常特别。剩下的歌曲，就是Damien Rice以往的风格，第一首歌曲9 Crimes，是一首以钢琴为主旋律配带着提琴的忧伤抒情歌曲，继续加上和Lisa Hannigan的女声和唱，专辑开篇便给我们一种熟悉的感觉，仿佛是上张专辑中的歌曲。专辑中Lisa Hannigan同样也参与了很多合声和合唱的部分。这点与上张仍然一样。Elephant是木吉他小调的歌曲，Damien Rice又在一次展示了他的嗓音，就像是清唱一样。专辑的最后一首是Sleep Don't Weep，一首近6分钟的歌曲，Damien Rice只演唱了小部分，接下来是Lisa Hannigan演唱了一小部分，剩下了结尾曲，在钢琴和Lisa Hannigan的合声中结束了整张专辑。
来自水手欧美音乐记录盒
(转verycd)

Damien releases the beautiful 'Volcano' as a single on March 21st through 14th floor Records. The single is supported by 'The Blower's Daughter'. 2005.

引进版曲目增加6首。
曲目：
1 When Do We Fail Abigail
2 Broken By The Rise
3 Chandeliers
4 Reduced To Clear
5 Petit Mal At A Grand Occasion
6 Even In The Crowds
7 Annalee Argyle
8 Segue In GM
9 If You Bring Me Aubergines
10 A Dark Horse Will Either Run First Or Last
11 reduced to clear
12 41 union drive
13 even through.
14 beauty cream
15 stitch in time
16 instrumental

Tamas Wells既是团名也是其主唱的名字，这支来自澳洲墨尔本的indie-pop乐团从澳大利亚开始了自己的音乐事业，并且通过他的第1张唱片a mark on the pane让他在美国,英国,乃至日本都有属于他的听众.怎么说他的音乐风格呢?用独立方式制作出带着流行味道的民谣.虽然看起来 有点矛盾,但仔细想想,却是很贴切的.首先,他的音乐制作程序和制作方式完全是属于独立范畴的.其次,他的音乐并非是属于另类的 ,而是朗朗上口,带着流行的气息.最后,他的音乐质朴的风味充满了民谣的气息.也因此,这样的形容完全合理.现在,你要做的,就 是把它down到自己的硬盘中,慢慢体会这一份充满春天气息的温馨

1977年生于Heidenheim，从小就是披头士的歌迷、学习录音、上过打击乐和钢琴课、在学校乐团任职的他，从1994年起用吉他创作到2000年开始用钢琴创作，而后在2001年出版了自己的处子专辑，也就是那张美丽的"Infinite Love Songs" 。我是从03年的那张"Rose"开始认识这个忧美的男人的，这里的“忧美”不是错别字，而是“忧伤美丽”的一个缩写，的确，这是对他音乐最好的两个形容词，诚然，这样的词汇可以用来形容的乐队艺人何止千万，但Maximilian Hecker确实赋予了它们更为纯粹的别样意义：古典韵味的钢琴、通透的假声、弥漫的稀薄情感、独特的曲式行进、偶尔肆虐的吉他失真和神经质的男声。

All songs written by Maximilian Hecker. All songs performed and produced by Maximilian Hecker. Mastered by Darius van Helfteren at Amsterdam Mastering, Amsterdam.
Maximilian Hecker about the album:
»In 2008, I reached a point at which I was no longer able to find any satisfaction in my career. I felt that, since the decision I had taken seven years earlier to make music my profession, I had seldom been successful in expressing genuine emotion in concerts or studio recordings. I felt myself to be constricted in a corset of perfectionism and conventions – partly self-inflicted, partly dictated by outsiders. Retrospectively, I realized that a large part of what I had achieved on stage and in the studio had been only a rudimentary excerpt of my feelings, that the channel to my soul felt as if it had been obstructed in such recordings and live performances. It was a series of cathartic and at the same time traumatic experiences – including my encounter with a Japanese woman called Nana in Tokyo in November 2008 – that heralded for me what I call the »decomposing mode«: in order to »survive«, I started to destroy all the suffocating elements in my environment – I liberated myself from narcissistic demands, stopped shaving, wore jogging pants as everyday clothing, distanced myself from women, even from the idea of finding true love one day. I began to make street music again, or rather, to »meditate publicly«, up to six hours at a time, just singing if no one was specifically listening to me – for this was the only way to keep open the path to my soul. And eventually, I began to record my new songs at home, shortly after composing them, using the simplest equipment (often only one room microphone). Exposed to all the street noise and »dirt«. Holding on to the moment of inspiration. My soul, my pure emotions immortalised on tape. All rational processes that before had deadened and delayed my feeling – such as arranging, determining the instrumentation, writing succinct lyrics (the lyrics on the album derive largely from a stream of consciousness emanating directly from my heart, improvised at the moment of recording) and finally the professional recording – these were eliminated. Just the essence remains: the pure emotion, the pure, artistic innocence.«
在 2008年, 我感到自己无法在事业上找到满足感。我觉得自七年前我决定以音乐作为事业之后, 则无法再于演唱会或录音室中表达到真正的情感。我似被困于完美主义及传统的紧身衣之中 --- 部份出于自己, 部份来自其它人。回顾以往, 我发现我在台上及录音室中所做到的, 只是我情感不完整的引用, 我的灵魂就好像受这些录音及演唱阻挡着。那是一连串净化同时亦伤痛的经历 --- 包括在2008年十一月于东京与一个名叫Nana的日本女人之相遇 --- 传达了一个我称之为的「分解模式」的讯息给我, 为了「生存」, 我开始消除我环境中所有使我窒息的元素 --- 我把自己从自我陶醉的需要中解放出来, 停止刮胡子, 每天穿着运动裤, 远离女人, 或有天会找到真爱的想法。我开始再制作街头音乐, 或者应该是进行「公开冥想」, 每天6个小时, 就好像无人在听地唱 --- 这是唯一可以打通到我灵魂深处之路的方法。后来, 我开始在家录制我的新歌, 就是作曲之后, 随即用最简单的器材录制 (很多时就只是一支咪)。曝露于街头音乐及「尘土」之中。抓住有灵感的时刻。我的灵魂, 我纯真的情感在录音带上变成不朽。所有以前握杀及阻碍我情感的理性程序 – 如乐器选用, 编排, 撰写精炼歌词 (唱片内的歌词大部份都是在录音时, 我内心深处触发出来的感觉) 以及最后的专业录制 --- 都一一省掉。剩下的只有精髓: 纯正的情感, 艺术的纯净。

Exclusive Asian pressing is packaged in a deluxe digipack and featues two bonus tracks, The Days are Long Filled with Pain' (sung by Niina Susanna Rinne) and 'Sleepy Lad'. Third full length CD from the critically acclaimed 27 year old singer / songwriter from Berlin. His moody atmospheric pop will appeal to fans of Nick Drake, Damien Rice & Nicolai Dunger. Has Been Produced by Gareth Jones who has worked with Depeche Mode, Moby, Goldfrapp, Wire, Erasure amongst others. Kitty-Yo. 2005.

Taiwan exclusive two CD collection from the German Pop singer/songwriter features a bonus disc with six rare covers of songs from Radiohead, Tim Buckley, Kings of Convenience and more. The tracklisting on the best of is different to the other two (Chinese and Korean) pressings. This pressing contains seven tracks not available on the Korean two disc version: 'Let Me Out', 'Today', 'Kate Moss', 'Never Ending Days', 'Anesthesia', 'Daze Of Nothing' and 'No More Lies To Reach You'. Avant Garden Records. 2007.

美丽的心碎，晶莹剔透的忧伤，带来神奇的愈疗能量；麦斯米兰歌曲里的美丽与哀愁，舒缓了生命中所有紧张与不安。张悬、苏打绿、杨乃文竭力推荐！
2007年即将登陆内地陪你一起感动落泪。
聆听伤心的声音，男人也可以如此深情忧伤而美丽——来自德国的麦斯米兰，用气若游丝、伤感迷离的嗓音，和之以深沉唯美的古典钢琴、悠扬的电子乐、清新的木吉他和偶尔肆虐的失真音效，打造出忧郁绝望的唯美情歌。这张精选集由麦斯米兰亲自选曲。从过去四张专辑挑出14首最动人的经典作品。在这些作品里，你可以感爱到麦斯米兰充满了对温暖怀抱的渴求；在高潮起伏的澎湃情感里，他轻声勾勒的吉他、朦胧的梦幻音效，织成一张仿佛梦境中才得见的美丽锦缎。他的情歌既围绕着爱与幸福的感觉，也包含着麻木、死亡、寂寥、失落的阴沉情绪。在夜阑人静时聆听，他宛如在你耳边低语，感觉是多么的亲昵；曾经受伤的人，会在他的声音中，印证心中曾有过的隐约哀痛；未曾受伤的人，聆听着麦斯米兰，也必然会对人世间复杂的情感，有了超验的感悟。

十一月，Chris Garneau携第三张最新专辑《WINTER GAME》中国巡演即将开始。当Chris Garneau再次带着我们重温《Music for Tourists》时，我们会不由自主的忘却忧伤，沉湎并喜欢上 这种美妙之感的。
When Chris Garneau started working on Winter Games five years ago, he had a simple premise in mind: exploring the frostbitten season through secondhand story lines. Not long-forgotten memories of merriment and myrrh so much as the many ways smothered sunrises and blanketed windowsills manipulate our moods and tighten―or in some cases, altogether undo ―our family ties.
So the first two tracks Garneau wrote (simply titled “Winter Song 1″ and Winter Song 2″ despite being much denser lyrically) weren’t just about seeing ghosts or sinking one’s teeth into piles of freshly packed snow. They also delved into such dark topics as abuse, incest, and neglect. Things only got deeper from there, too, transcending the singer’s original concept with minor-keyed tales of hastily drained happiness, unheeded warnings, and swift mood swings.
“This record isn’t about trivial shit,” explains Garneau. “It’s about why love doesn’t happen right, about the heartache of having your father leave you, your cousin sexually abuse you, your family reject you.”
And yet Winter Games isn’t a downer. In its own twisted way, it’s triumphant, bursting at the seams with Garneau’s barebones melodies and the richly woven arrangements of CJ Camerieri and Rob Moose―perfectly paced orchestrations that parallel their work on Bon Iver’s GRAMMY-winning debut as a full-blooded group.
“It’s magical really,” explains Garneau, referring to the pair’s collaborative process. “They don’t write anything down; I direct things to a certain degree, then they take over and get this big sound from only the two of them.”
In many ways, Winter Games is the music Garneau’s been trying to make since he was a lonesome kid who competed in Parisian piano competitions and happened to be on a last name basis with Beethoven, Debussy and Brahms. Garneau had to endure years of personal and creative growth first, however, as he found his voice as a songwriter and expanded his record collection well past the familiar environs of classical and jazz. That includes everything from the otherworldly pop songs of Tori Amos and the alien harmonies of the Cocteau Twins to the devastating confessionals of Cat Power, Nick Drake and Elliott Smith. Not to mention one of Garneau’s biggest influences, Nina Simone, whose music he fondly remembers figure skating to ― in his socks, mind you ―around the family living room.
“I trusted myself on this record,” says Garneau, “and it forced me to go well past my boundaries. I wanted to get away from clean and tight, to make things big and loose and free. Form can be really important but I also wanted to just play music. In the past, I always focused on the ‘song’ first. For the first time, this record is me. That’s all I know.”

喝一杯柔情的酒，只为唯一的《北方女王》
不知道你最熟悉的是尧十三的哪一首歌，是酒鬼唱的《瞎子》，是流氓唱的《二嬢》，还是诗人唱的《雨霖铃》。但其实每一个时而癫狂时而深刻的人背后，都有一段令他伤心的故事，需要他用最动人的柔情去回忆，然后用无数痛苦到模糊的日夜去忘记。
一首《北方女王》，唱尽尧十三对爱情所有的柔情与悲喜。这首情歌最过人之处在于它也成为所有人的回忆。我们每个人心中都有一位北方女王，而她存在的意义在于让我们铭记曾经最柔软的时光——在那些最低落最脆弱的时候，你都不敢相信还有人可以陪伴身旁。
可是，回忆中的全部都在这儿了，过去和未来可能有的一切也全在这儿了。尧十三用一首歌的创作时间，开始和结束他迄今为止最长的一段爱情，从湖北长江边的淤泥到想象中的四川泸沽湖，从武汉乐器店里她弹的钢琴到十三写给她唱的歌，这一切看起来美好得就像他们会永远在一起一样。过去的爱人啊，能做的也只是喝一杯酒，唱一首歌。
尧十三说：“不知道她有没有可能会再听到这首歌。一定有来生。”
十三啊，那些来不及说的话都咽回去吧，那些无法忘却的伤感都随一杯酒喝下去吧。
正如记忆需要时间的发酵才能变得深刻一样，这首《北方女王》经历了非常漫长而艰辛的创作过程。作为专辑的先行单曲，正式发布的录音室版本和之前网络上的版本有所不同，新编的钢琴和曼陀铃碎拨的声音将那些细密的心思全部融入其中。而对于曲末的一声惊雷，尧十三是这样说的：“我做了错误的事情，一声雷能不能叫醒自己？可能不行。”
尧十三，他永远低调的做派让喜欢他的人只能从他的音乐中去了解他。他以天才般孤独而敏感的触觉让作品游离在诗意与痞性之间，你所看到所听到的都只是他多样的表达状态中的一种。而尧十三的作品却永远真实得令人无法相信，他活生生地展现着我们不愿意去直面的孤独和荒唐，所以他戏谑，所以他嘲讽，所以他深刻。
如此说来，既然盛夏的暑气令人无法自持，就期待着尧十三即将发布的新专辑能带来宁静的力量，一定可以放下那些固执，重新开始。

Monterey is The Milk Carton Kids’ third album and the follow-up to their 2013 breakthrough The Ash & Clay. The two years since have been significant ones for the band, with recognition including a GRAMMY® nomination for Best Folk Album and winning Group of the Year at the 2014 Americana Music Awards. Their standout performances and interviews in the Coen Brothers’ and T Bone Burnett’s concert documentary “Another Day/Another Time” brought the duo its widest audience yet, and their 55-city North American tour last Spring sold out months in advance.
This time around, Kenneth Pattengale and Joey Ryan wrote and recorded Monterey not in studios but on stages - those concert halls, churches, and theaters across North America that have always coaxed the band’s most uninhibited expressions. Their methodology in making Monterey allowed The Milk Carton Kids, finally, to perform for the record with the same fearlessness and spontaneity usually only achieved in live concert. As writers, the two have merged so singularly that friends and family can no longer tell who has written which song. As singers on Monterey, their acclaimed harmonies move farther apart, so that the quirks and kinks of two individual identities emerge, all the while remaining lush and soaring, their beauty even more apparent for the showing of their scars.
Thematically, Monterey takes us on a road trip across a dream - perhaps a nightmare - through an America of blood and fire that is at once recognizably the land of our forefathers, and the product of our own making. While some of the questions asked on Monterey are political, increasingly the songs are purely personal, the narrator stopped along the road wondering aloud how he got there as in the lilting title track where the question becomes, “Monterey, how can I say I’ll always stay then slip away?”
This may be the central question of Monterey, this album forged literally and metaphorically “on the road”, which seems to ask how we can resolve the contradiction between the lightness of our footprint as we pass through, and the weight of those memories gathering behind us in the rearview mirror. Monterey asks these questions with grace, beauty and a sly humor.

程璧第三张个人专辑 《我想和你虚度时光》
虾米音乐人寻光计划编号XA-004
两岸同步诚意上线
预购链接：
- 程璧，旅日音乐人，词曲创作者，兼具森系与佗寂之美，被称为“离诗歌最近的声音”。
- 莫西子诗、原研哉、高晓松、老狼 等一致认可与推荐。
- 以一把古典吉他为诗歌谱曲，嗓音“又优美又沈静，又清亮又崭新”。
- 曾工作于东京NDC原研哉设计研究所，现居东京独立从事艺术创作与写作。
在她的音乐里，悲伤快乐都显得那么的生动，就像个很熟悉的人在耳边低语一样。
—— 莫西子诗，著名独立音乐人
她的民谣是克制的、耐心的、放松的、自由的同时又是饱满的，用迷人的单纯包含了很多复杂的意味。
—— 李元胜，诗人，鲁迅文学奖获得者
透过她的声调与音质，我感受到如今中国的年轻女性在感受着什么，想要追逐着什么而生活。
—— 原研哉，日本中生代设计大师
这是一张将诗的沈静浸润到春的生动里的专辑。
春天来了，希望你有所爱，并从爱中汲取到力量，敢于自由地追求更美好的生活。
关于新专辑：
我的两个审美方向，一个是沉静，一个是生动。如果说去年秋天的《诗遇上歌》，因为那些厚重诗歌的加入，而更多的是沉静，那么今年春天的新专辑更多的会是生动。我把我的“生动”解释为：盎然的生意，蓬勃和自由。
为了诠释“生动”，我邀请莫西子诗来帮我担纲制作。从一见面就知道，是调性相合的人。他的身上没有“城市感”，更多的是森林、大海、山野、月光。我听过他的专辑《原野》，或是高亢或是忧伤，或是明亮或是低沉，是从土地里面生长出来的旋律，所有的浅唱低吟都是最自然和原始的东西。
专辑里面还是九首歌。其中五首是我创作于东京，会和节气、风物、自然、民俗有关。另外三首创作于北京，是基于三首中国现代诗歌的谱曲，是中国年轻诗人的作品。所以这张专辑，相比上一张《诗遇上歌》，自己的词创作部分会多一些，但仍会隐隐含着诗歌这条线，会有趣。
关于专辑名《我想和你虚度时光》，来自刚刚获得鲁迅文学奖的诗人李元胜的一首诗。这是我最喜爱的一种诗歌样式，不规整的句子，不押韵，散淡，平常，但是突然会有一句直达内心最柔软的地方。想起辛波斯卡那句“我偏爱写诗的荒谬，胜过不写诗的荒谬。” 写诗，唱歌，这些在一些人眼里也都只是些荒谬的事情吧。但我宁愿这样。
——程璧
致谢的话：
感谢莫西子诗。每一首作品，如果没有你的巧思编排，就不会有今天这样完整的样貌。每一首歌，如果是一棵树，我只是粗粗的画出了轮廓，是你让它们真正的枝繁叶茂，最后蔓延成整片森林。《我想和你虚度时光》这一首，你的声音一出现，就带入了一个更辽远而深邃的世界。
感谢诗人北岛，李元胜，张定浩。你们妙笔生花的诗作，在第一时间给了我旋律的灵感。我觉得，音乐是带着人们去走近诗歌的一个入口，先用旋律带着耳朵进入，如果听者有意，会自己去细细寻觅和体味那些字里行间，完成对整首诗的理解。与“读首诗再睡觉”、“为你读诗”、这些微信读诗平台一样，在这个碎片化的阅读时代，让大家重新感悟诗歌的生动和细腻。我愿意用音乐来做这件事。
感谢《恋恋风尘》词作者高晓松，演唱者老狼，以及红星二十年翻唱合集发起者，太合麦田詹华。这是专辑里的唯一一首翻唱歌曲，是去年秋天的缘分。前辈们的认可与赏识，给了我莫大的鼓励。我在懵懂的年纪听过这首歌，那时候给了我最初的感动。而如今用自己的感悟重新演绎，尝试用回忆的口吻。后来老狼大哥在微博给我留言，说“谢谢你，给了我再一次的感动”。
感谢所有为这张专辑辛苦的全体制作人员。其中来自O2录音棚的混音师王博，古典吉他演奏者胡晨，从我的第一张专辑合作到现在，彼此之间已经有了相当的默契。福达录音棚的时俊峰大哥，第一次合作录制，给了我很多新的启发。《梅雨》这一首，由制作人韩丁独立负责完成，他的认真和细致，对作品的负责，让我敬佩。大提琴部分有了宋昭大师的加入，让曲子有了无限的沉着和想象力。感谢编曲&键盘手王思谦，萨克斯乐手李增辉，鼓手毛毛，以及我的日本编曲&乐手喜多直人、溝呂木奏，感谢大家的动情演绎。
最后感谢虾米音乐寻光计划。南瓜，朱七，赵宗，李唐甲子，林初霞，设计师歪酱、王威，摄影师何脑斯，以及整个虾米团队。是你们，在这个崭新的音乐时代，有力而勇敢的为独立发声，带着稚嫩的音乐创作者，摸索属于这个时代的成长之路。感谢你们的如炉火般光明而温暖的照亮。有你们，才有光。
出品– 虾米音乐人 i.xiami.com 、程璧
制作人–莫西子诗
监制 - 朱七
总统筹 - 赵宗
音乐人统筹– 李唐甲子
企划统筹 –程璧、林初霞
线上推广 - 林初霞
经纪事务– 程璧工作室
视觉总监 - 王威 @XXX乘以创意
平面摄影 – 何脑斯
平面设计 –王威、 歪酱、三通
造型/化妆 -刘聪
生产管理/唱片发行 – 独音唱片
总出品：虾米音乐 Xiami.com
总出品人：王皓
发行时间：2015.3
P&C ：虾米音乐人 i.xiami.com
唱片编号：XA-004
程璧主页：
@程璧

陈粒 首张专辑 《如也》
没签公司，没有团队，没有包装，单枪匹马，一个人一把琴，每首单曲网络点击都非常火爆，在各个原创音乐排行榜上也常居榜首。在办了四次场场爆满的民谣专场后，陈粒终于发布了自己的首张专辑 《如也》。
“要挣钱，要养家，要过好日子，当时就那个水平，别人也都那么干，限制太多，给钱太少，社会不开明，市场不成熟，都是理由。但今天谁要听这些理由？大家只看结果，任何理由没有，这就是你干的，你的历史。 ”
点开她的豆瓣小站，最显眼的位置永远留给这段话。
“我以为十个听歌的人里面，只有一个人会去看现场。” 陈粒这样对大家说。可事实：第一次办专场：广州站，320人，长沙站350人，武汉站，505人......在即将进行的首专巡演中，前几站的预售票也是出票两小时就售罄，成都站甚至还没发布开售的消息就在两小时内售罄。这对于一个进军民谣不到一年的歌手来说算是相当令人吃惊的好成绩了。
却从没有任何所谓的“偶像包袱”，常和微博上的乐迷欢乐互动，演出空隙里时不时来一段儿“单口相声”，给乐迷签名直接签“老公”二字，时而自黑时而自恋。这一切平易近人的举动，也都让广大乐迷对陈粒好感倍增。
陈粒已发布的单曲，几乎是首首好评。《奇妙能力歌》，诗。《祝星》以爱人的名字命名，直接又美好；《历历万乡》充满江湖气息，大气不失细腻；《性空山》作词绝美，陈粒的独特嗓音更把这首好词演绎得毫无缺憾；《走马》更是简陋的demo版就潦倒了一大片文艺女青年，当然也有直男。
首张专辑《如也》除了录入六首备受好评的已发布单曲之外，陈粒也为乐迷们带来了九首全新单曲，数量质量都堪称良心，却也是水到渠成。九首新歌，仍然一如既往地有她独特的风格，既有对自由的追逐，也有对恋人的渴慕。
2015年3月起，她将带着这张《如也》进行全国大范围的巡演，当她路过你的城市，不妨走进livehouse，听一听这个传说中现场比录音更棒的声音。
实体专辑的设计也跳出常规，值得珍藏。陈粒在微博上承诺，到了演出现场，见专辑就签，追着你给你签。
想被追逐的请前往

「Hello…你能听见我们吗？我们迷失了。」
Lady&Bird--->Keren Ann和Bradi Johannsson，一个是拥有多国血统的混血女创作人，一个是冰岛Trip-hop乐队Bang Gang的主唱。化身为Lady&Bird共同合作的一张同名专辑，优秀的女声出色的编曲。吉他加上一些柔软的和声,入耳是滑腻的,然而又不是一种甜腻，借用一句形容mum音乐的话就是:"于冰冷之处呵出温暖之花"女生合唱的吟或是拟声层次丰富而韵律感十足层层叠叠不犹让人想起莲花之类的东西一层层铺展开来,花瓣柔和呈现的同时清香出来了,浸入人心.很迷恋Lady Bird的和声,简洁明了,力度适宜,音乐不俗,转折或是高潮往往给人京戏不在该到的时候到来,我们终是喜欢在刺激或是未知中得到欢乐的. Lady Bird,是一支有阳光破碎声音的美丽乐队. Lady Bird. 或是Lady and Bird....
La Ballads of Lady & Bird
Bird : Lady?
Lady : Yes Bird?
Bird : It's cold
Lady : I know
Lady : Bird... I cannot see a thing
Bird : It's all in your mind
Lady : I'm worried
Bird : No one will come to see us
Lady : Maybe they come but we just don't see them
What do you see?
Bird : I see what's outside
Lady : And what exactly is outside?
Bird : It's grown-ups
Lady : Well maybe if we scream they can hear us
Bird : Yeah, maybe we should try to scream
Lady : Ok, Bird
Lady & Bird : Heeeelp, Heeeelp
Can you hear us now ?
Hello !
Help !
Hello it's me
Hey
Can you see
Can you see me
I'm here
Nana come and take us
Hello
Are you there
Hello
Lady : I don't think they can hear us
Bird : I can hear you lady
Bird : Do you want to come with me lady
Lady : Will you be nice to me Bird
Lady : You're always be nice to me because you're my friend
Bird : I try but sometimes I make mistakes
Lady : Nana says we all make mistakes
Bird : Maybe we should scream more
Lady : Yes, Bird let's scream more
Lady & Bird : Help ! Help us ! Come on ! Help
Hello !
Help
Hello !
We're lost
Lady : I think they cannot see us
Bird : Nobody likes us
Lady : But they all seem so big
Bird : Maybe we should just jump
Lady : What if we fall from the bridge and then nobody can catch us
Bird : I don't know let's just see what happens
Lady : Okay
Bird : Come with me
Lady : Shall we do it together
Bird : Yeah
Lady & Bird : 1 2 3....Aaaaaaah
Bird : Lady?
Lady : Yes Bird
Bird : It's cold
Lady : I know
Lady : Bird...I cannot see a thing
Bird : It's all in your mind
两个童音,如同鸟笼中稚鸟的对话,冷落,寂寞,伴随,冰凉这些词语没有出现
以上长段的歌词对白却在清脆滴水般透净的音乐中钝重地说明了一切.
Lady只有Bird,Bird只有Lady.
阳光还是破碎的,来时的路已无法回去,破碎的割伤无法修
因为我们的经脉血管早已种下忧伤和苦痛.
即使有阳光,即使有"女士鸟"优雅地歌唱.
温温暖暖,悠悠闲闲,懒懒洋洋.
唱一束破碎婉转的午后阳光;转一轮无法回旋的岁月时长.

KerenAnn何许人也？她是法国乐坛最受瞩目的民谣才女，她出生在以色列，从小学吉他时就开始扒Joni Mitchell的曲子，11岁举家迁往巴黎后竟然得到了JoniMitchell的赏识而结识了著名制作人Benjamin Biolay，后者的古典音乐背景为她的作品带来更丰富的编配层次。2000年KerenAnn的首张专辑《LaBiographie De Luka Philipsen》融入了俄国文学、犹太民谣和法国诗歌，并以Trip-Hop、民谣及法国流行乐的融合形式现身，一举在欧洲赢得巨大成功。一曲《Jardind’Hiver》更是惊动了80高龄的法国Bossa Nova鼻祖HenriSalvador，后者在自己的经典复出专辑《Chambre Avec Vue》中收录了包括《Jardind’Hiver》在内的5首由BenjaminBiolay和KerenAnn创作的曲子。


KerenAnn是个用法语歌唱生活的女孩，她的民谣实在“清新”，和古老的传说联系在一起，和远去的岁月里绵绵的小故事牵手，直接承载于简陋的乐器声中。然而，从第二张专辑《La Disparition》开始，KerenAnn在民谣中加入了更多爵士和布鲁斯的元素，据说是因为听了不少ChetBaker和TomWaits的原因。所以清新本身，也是很不同的，16岁，30岁，50岁，80岁，就各有不同的聆听质感，如果你是一个可爱的民谣音乐家，那就看你碰上什么了，总之，不论你怎么拨弄音符、也不论你如何制造声响，你总会营造出“清新”的。KerenAnn的首张英文专辑《Not Going Anywhere》就是这样，那和语言的变化无关，就好像瀑布会变成溪流或地下水，可水仍是水。民谣之路也是，似乎只有一条，从清新到清新。


《Not Going Anywhere》的吟唱更偏向于布鲁斯，也更低调。略带颓废的清淡语调一直贯穿于小夜曲一般的主题曲中，贯穿于《End Of May》梦幻般的和声中，也贯穿于惟一一首节奏强烈的《Sail or And Widow》之中。甚至连像圣诞童谣一样的《Right Now And Right Here》、唯美极致的香颂《By The Cathedral》和带有一丝拉丁吉他色彩的《Spanish Song Bird》，也无一不笼罩在一层感伤的淡淡雾气中。而早先的Trip-Hop节拍表象已然隐匿，转化成为Beth Gibbons似的内在阴郁。除了爵士和布鲁斯的元素，KerenAnn还从ChamberPop以及法国流行乐、Bossanova甚至古典音乐中汲取了更多营养，你能感受到JaneBirkin、Francoise Hardy轻柔细腻的法式流行情歌；JoniMitchell、SuzanneVega甜美的北美纽约民谣；Club8或者Belle&Sebastian简单清秀的原声器乐以及NickDrake式讨巧的忧伤。


有人说KerenAnn的东西适合作为全世界任何一家咖啡馆的背景音乐，显然这很合理，但如此华美却又极简矜持的作品更适合于私人聆听。KerenAnn美妙的轻声细语犹如易碎的水晶玻璃，又仿若湿润夏季里轻凉的山泉。她的纯洁是长刺前的玫瑰，无法在世间长久的生存。