八橋検校 KENGYO YATSUHASHI (1614-1685)
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吉村七重 （琴）
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吉村七重 （琴）
吉沢検校
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深见石原 （三味線）
吉村七重（琴）
八橋検校 KENGYO YATSUHASHI (1614-1685)
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深见石原 （琴）
吉村七重 （琴）
吉沢検校（二世） KENGYO YOSHIZAWA II (1808-1872)
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吉村七重 （琴）

该CD是《我的祖国》的首选版本，《企鹅》评价三星。
交响诗套曲《我的祖国》是斯美塔那的代表作，创作于1874－1879年间，在音乐史上有着很高的地位，历来被认为是捷克民族交响音乐的起点。作品中充满了爱国的热情，乐曲结构宏伟绚丽，音乐形象富有诗意。斯美塔那是在丧失了听力后用心灵谱写这组作品的，并在每个乐章都加上了内容的说明。
作品共分六个乐章：第一乐章《维谢格拉德》描写古代捷克的光荣历史，第二乐章《沃尔塔瓦河》描写纵贯捷克的沃尔塔瓦河的风光，第三乐章《沙尔卡》描写民间传说中的女英雄，第四乐章《捷克的田野和森林》生动描写了祖国的自然风光，第五乐章《塔波尔》和第六乐章《布兰尼克山》描写了人民与异族压迫者的斗争。六个乐章都可以单独进行演奏，其中最着名的是完成于1874年12月8日的第二乐章《沃尔塔瓦河》。 曲中所描写的沃尔塔瓦河(捷克民族的母亲河)由南向北纵贯美丽富饶的国土，是捷克民族的摇篮。引子中运用长笛和单簧管的音色，逼真地描绘了沃尔塔瓦河源头的两支山泉，潺潺流水，渐渐汇入大河，大河流过回响着猎人号角的森林。乐曲奏出最为着名的河流奔腾的主题，展示了沃尔塔瓦河瑰丽、庄严的景象。随着河水的奔流，一个村庄出现在河岸，村中传来捷克民间的波尔卡舞曲，这是农民在欢乐地举行婚礼。乐声渐渐远去，河水向前奔流，月光下一群水仙女唱着歌，在水面嬉戏。穿过峡谷，沃尔塔瓦河的激流冲击着石坎和峭壁，发出雷鸣般的吼声；沃尔塔瓦河流过捷克的首都布拉格，河面渐渐变得宽广，最终，沃尔塔瓦河波涛滚滚流向无尽的远方。这是一段激奋、欢乐的音乐，旋律抒情妩媚。音乐在史诗般的音响中结束，小提琴的波动旋律滚滚而去……

Ravi Shankar KBE, whose name is often preceded by the title Pandit, was an Indian sitarist and composer.

Arrangements of rich classics, gypsy dances to contemporary pop covers showcase this virtuoso accordionist’s musical and expressive range. A show-stopping arrangement of Lady Gaga’s Telephone by Lithuanian Martynas is set alongside an exotic mix of styles, featuring gypsy dances, tango, classic French movie themes, Latin American rhythms and the music of Verdi and Vivaldi. Thanks to the breadth and depth of his musical tastes, abundant showmanship and natural charisma, Martynas is perfectly placed to catapult the accordion into the 21st Century.

--Jed Distler, ClassicsToday.com : Bach's cello suites abound in superlative recordings, from Casals' still potent pioneering set (Naxos) to riveting cycles from Boris Pergamenschikov (Hänssler) and Torleif Thedéen (Bis) released on the cusp of the millennium. In between are classic versions by Pierre Fournier (DG), Paul Tortelier (EMI), Mstislav Rostropovich (EMI), Andre Navarra (Calliope), Anner Bylsma (his Sony remake), Ralph Kirshbaum (Virgin) and multiple Janos Starker editions. I keep these in my library as an oenophile cultivates a choice collection of fine wines. When I want to break out the vintage port, figuratively speaking, I reach for Heinrich Schiff's arrestingly individual, musically profound, and sonically sumptuous 1985 EMI traversals. You notice his sound first. It's a rich tone through and through: not always pretty, granted, but focused as hell, be it in the Sixth Suite's stratospheric tessitura or in bass lines that alternately jab and sustain. While some cellists like to linger over the Preludes, Schiff instead gets down to business, sculpting the harmonic groupings in the manner of a keyboard player. Schiff's rhythmic vitality and pinpointed accents bring all the dance movements to joyful life. The melodies always bend, curve and surge over the bar line, avoiding predictable patterns of accentuation. With all that, the listener never loses the beat or, more accurately, the pulse of life. Ornaments are present, but don't draw attention to themselves. Originally issued at full-price and quickly deleted, EMI resurrects this unjustly buried treasure for their Double Forte series. It's like getting a bottle of Dom Perignon for the price of Sangria. Even if you already have one or two Bach Cello Suite cycles in your larder, this one is special. Really special.

巴赫在世的最后几年，主要花费时间在删改和完成先前的作品上面，但他仍继续写出新的作品。
《键盘练习曲集》第三卷出版之后，过了3年，第四卷在1742年也问世了，其实这是一套完整的作品。内容是咏叹调的三十首变奏曲，是巴赫为学生哥德堡（Goldberg）创作的乐曲。据说，俄罗斯驻德雷思顿大使冯·凯塞林男爵（Baron von Kaiseriling）因为晚上经常失眠，就让他的管风琴师哥德堡作一首催眠曲，用来在入睡前弹奏，哥德堡就向他教师巴赫求救，巴赫信手拈来，在短时间内，创作了这部作品。不过据英国传纪作家，蒂姆·道雷的《巴赫传》所述，这首曲子其实是凯塞林男爵直接委托巴赫写的，因与巴赫有师徒缘份的哥德堡每晚必须弹奏此曲而得名。这部作品堪称是“巴赫所有键盘作品中结构最简单、最扎实的作品，它气势磅礴、雄壮精美，经由技艺超群的大师巧妙演泽，将最严密的逻辑秩序和最自由的抒情表达融而为一，使人为之惊叹”。
加拿大钢琴家古尔德很好地把握了巴赫的精髓，用现代钢琴再现了这部原为大键琴写的作品的丰富内涵。古尔德成名后，第一张录制的唱片就是这首《哥德堡变奏曲》，当时的录音公司，即sony公司的前身哥伦比亚公司的职员问他，是不是换一首常见的，要知道在古尔德之前只有著名的波兰钢琴家兰多夫斯卡录过此曲，这样会不会太冒险。但年青的古尔德很有礼貌地固执了已见。就在它的唱片发行后，全世界爱乐者的心都被征服了，原先对巴赫音乐敬而远之的人，通过古尔德的诠释，开始读懂了巴赫严谨背后的美，许多人将其视为珍品。也许世界上唯一对这张唱片不满意的就是古尔德本人。在数码技术出来后，古尔德又重新录制了此首，且是他生平唯一的一次重录。原先自己用了20多年的斯坦威钢琴也变成了雅马哈钢琴，还是别人闲置在一边的旧钢琴。
谁也不清楚古尔德为什么重录这部作品。重录，某种意义上说就是对先前的否定，不过他的确公开否定了被公认为他里程碑的1955年录制版。“我无法与录制这张唱片的这个人的精神形成认同，就像这张唱片是一个别的什么人录制的与我无关。”确实，摆在我们面前的这张唱片，似乎没有先前演释的那种猛然攫住你的力量，但它更加严肃，更加柔情，更加具有声层的感染力……咏叹调主题沉静的深思，第15变奏中触键的变幻莫测，第25变奏中史诗般的距离感，所有这一切使这个1981的数码版，染上了一层超物然外的深刻宁静的气质。演奏时间也由原来的38分27秒放慢至51分15秒，特别是最后的咏叹调，他真的是在说，永别了，有种有意拖长的，令人揪心的口吻……
早先少数几个演奏过《哥德堡变奏曲》的钢琴家基本上都遵循老的传统。现在古尔德重又回到了早先的传统。但是这不是简单的回复，而是更高层次的扬弃。如作品以同一主题不断变奏的同度卡农、二度卡农、三度卡农直至九度卡农贯穿其中，互相之间安排性格不同的两个间播段进行对比，最后又回到“本体”——主题本身，这种既变化又统一，既和谐又对比，从一个本源出发，逐步发展，变形又回到本体，这一构想本身却具有更普遍、更广泛、更宏观的哲学内涵。正如黑格尔在《美学》中所说的，艺术在感性的面纱下揭示理念的发展，直到“看到更远的精神这一客观形式回转过来，把它扬弃，而后又返回自身”。
虽然，可以将古尔德1981年的版本，听成是他死前的永诀，如果仔细倾听，认真品味。我们发觉他的表情并没有过份的沉痛和悲哀，相反很宁静、深秋般的宁静。古尔德在巴赫的伟大音乐中，战胜了死亡，超越了自我，在生命最后时刻，似乎真正接受了上帝的福音。他知道自己已修成正果，成了名副其实的艺术圣徒。
他，从巴赫开始，以巴赫结束。
曲目介绍：
J. S. 巴赫的《哥德堡变奏曲》，BWV988，是巴赫著名的键盘作品，大约作于1741-1742年间。这部伟大的变奏曲原名叫做《有各种变奏的咏叹调》，1742年出版，此作为巴赫的学生哥德堡(Johan Theophil Goldberg)而作。哥德堡是侍奉当时驻在德累斯顿的俄国使臣凯瑟林(Hermann Karl Von Keyserlingk)伯爵的年轻演奏家。巴赫曾把他的《B小调弥撒》献给凯瑟林，因此而获得“宫廷音乐家”的封号。1741-1742年间，凯瑟林居住在莱比锡，让哥德堡师从巴赫，学习演奏技巧。伯爵患不眠症，失眠时就需哥德堡为其演奏，哥德堡以演奏需要，求巴赫帮助谱曲。巴赫当时作成这部变奏曲之后，凯瑟林送他一只装满100枚金路易的金杯以酬谢。
这是音乐史上规模最大，结构最恢宏，也是最伟大的变奏曲。这部变奏曲是为两层大键琴而作，巴赫在各段变奏里都指定了键盘的种类。变奏曲的形式，是以一个基本主题，引导出对比命题和对应（反对）命题，然后再探求演绎与对比的各种可能性。巴赫这部作品，以他1725年为安娜·玛格达琳娜而作的小曲集中的一首萨拉班德舞曲作为主题，发展成30段变奏。这30的数字，由3所支配，以3个成一组的变奏，以卡农的方式表达：一位齐声的卡农，二为二度卡农，三为三度卡农……此后达到第九个卡农后，第十变奏为四声部的赋格，之间不断出现创意曲、托卡它、咏叹调等各种形式。第一曾与第二层键盘交替。第十六变奏作为中心，速度分为前后两半，这种作曲技巧所构成的建筑结构之微妙，实在令人叹为观止！
这部作品共分32段，第一段以那首萨拉班德舞曲的主题开头，第32段是经过30段变奏后和缓地、平静地重新回到主题，不同的是第一段的简单主题经过30段变奏后，已变得异常丰富和复杂。
30段变奏分别是：
1.使用第一层键盘，二声部，前奏曲风格，拍子和调性与主题类同。
2.三声部，实用第一层键盘，上二声部暗示主题，低音不随基本旋律。
3.卡农，三声部，实用第一层键盘。
4.模仿前一变奏。
5.第一、第二层键盘交替表达。
6.第一层键盘的二度卡农。
7.第一、二层键盘交替表达，西西里舞曲风格。
8.使用第二层键盘，二声部，活泼的托卡它风格。
9.使用第一层键盘的三度卡农，三声部。
10.第一层键盘，四声部的小赋格。
11.使用第二层键盘的托卡它风格。
12.第一层键盘，四度卡农。
13.使用第二层键盘，抒情风格。
14.使用第二层键盘，活泼的前奏曲风格。
15.由原来一直的G大调转为G小调，第一层键盘，五度转位卡农，行板。
16.又变成G大调，前半部慢后半部快，序曲，把法国风格序曲的三段式改为两部：前半部为二声部前奏曲风格，行板；后半部为三声部小赋格，快板。
17.使用第二层键盘，二声部的托卡它风格。
18.使用第一层键盘的六度卡农。
19.使用第一层键盘，舞曲风格，三声部。
20.使用第二层键盘，具华丽的技巧。
21.七度卡农，部分使用半音阶。
22.托卡它风格，宁静的调子。
23.使用第二层键盘，模仿对位方式。
24.八度卡农，使用第一层键盘。
25.变成G小调，使用第二层键盘，浪漫的幻想曲性质，偏重于半音阶技法。
26.恢复G大调，前奏曲风格，慢拍和快拍子之间的旋律对比。
27.使用第二层键盘，九度卡农。
28.使用一贯的震音发挥华丽效果。
29.主调音乐样式，第一、第二层键盘交替。
30.使用第一键盘，标记是Quodlibet。Quodlibet是起源于中世纪的演唱方式，一种组合数首熟悉的民歌的乐曲。这里使用了17世纪意大利流行的民歌《被甘蓝和芜菁所追赶》和德国民歌《离开家已有许久》，使两者旋律以对位的方式互为缠绕。

作曲家及曲目介绍：
韦瓦第（ Antonio Vivaldi，1675-1741)这位意大利作曲家，他大半的时间都待在威尼斯，其中有50年的时候他都在担任一个孤儿院的神父。他最受大家所熟悉的曲子就是他的小提琴协奏曲「四季」了，他以春夏秋冬分别作了四首，每首都有三个乐章。他是个多产的作曲家，有人就说他的每首曲子好像听起来都很像，就如同一首曲子把它作了400遍。其实不然，虽然风格差不多，可是都不是很容易演奏呢。
在《四季》里，用弦乐创造出了丰富的效果与娱乐特质，令人叹赏不已。曲中的意象——春天的小鸟`夏天的雷雨`秋天的猎人和冬天的冰雪，鲜明生动。维尔瓦第为每首协奏曲各写了一首十四行诗，作为乐曲说明：《春天》 以鲜亮的E大调赞颂“愉快的鸟鸣”声，不时被“当微风转变成一阵短暂的暴风雨”打断。在缓慢的乐章中，有一个牧羊人在“繁花盛开的怡人的草地”上睡觉，旁边则有狗吠声（中提琴独奏）。终乐章中，山林仙女们跳着优雅的基格舞曲，太阳也从云的背后露出脸来。《夏天》 带着正午烈日的酷热到来，太阳光以具威胁性的G大调“灼烧着松树”。这时可听到杜鹃`斑鸠与雀鸟的啼声，还有微风轻拂的悉悉声，直到北风袭来。第二乐章里，牧羊人在“闪电雷鸣”中惊慌失措，各式各样的昆虫也因为热烈躁动的气氛而“被鼓动得狂乱不安”，这里的音效无懈可击，弦乐低音以非常靠近琴桥的方式演奏颤音以代表雷声，而小提琴伴奏的断续节奏则代表牧羊人的颤抖。终乐章里，暴风雨突至（下行音阶与弦乐的强烈颤音，代表倾盆大雨），冰霰重重的落在熟玉米田里。《秋天》 是田园式的F大调旋律。第一乐章中，有个农夫唱着歌跳着舞，庆祝丰收，美酒满溢，很快的，这些饮酒狂欢的乡下人便睡着了，他们的“恬静安睡”表现于协奏曲的第二乐章。终乐章描绘的是破晓时分的猎人，从音乐中可以想象到号角声`狗叫声`吆喝声，还有他们追捕猎物时嘈杂零乱的枪声。《冬天》 变成了荒寂的F小调。根据作曲家的诗看来，第一乐章描绘我们在寒风中打哆嗦（弦乐尖锐`反复的乐音以不和谐的方式相互冲击）与跺脚（是较强有力的段落，乐音明显增强），最缓板中，我们“在火边满足的沉思”，而外头的人早已被结冰的小路上，滑了一跤，又站起身来，忍受着寒风的吹袭。维瓦尔第说“这就是冬天，而冬天的乐趣也就在这里。”
指挥家介绍：
赫伯特·封·卡拉扬（Herbert Von Karajan，1908-1989年），奥地利指挥家。1908年4月5日，卡拉扬生于莫扎特的故乡萨尔茨堡。父母虽然不是专业音乐工作者，但都非常喜欢音乐。父亲能吹单簧管，母亲是位业余钢琴手，哥哥从小就学弹钢琴。因此，卡拉扬从小就生活在音乐的环境里。他4岁开始学钢琴，5岁就登台当众演奏。8岁时进萨尔茨堡莫扎特音乐学院学习钢琴。卡拉扬的手较小，加上过度的练习，得了腱鞘炎，而老师又发现他有很高的指挥天赋，就建议他改学指挥。卡拉扬在征得父母的同意后，来到音乐之都维也纳，随当时小有名气的维也纳歌剧院指挥弗朗茨·夏尔克学习。1927年，德国小城乌尔姆歌剧院的指挥临时得病，卡拉扬代他指挥了歌剧《费加罗的婚礼》，演出极为成功，观众掌声雷动。乌尔姆歌剧院立刻与他签订了7年的工作合同，从此，年仅19岁的卡拉扬开始了他的指挥生涯。1935年，卡拉扬应聘担任亚琛歌剧院指挥和音乐总指导，在这里指挥了《尼伯龙根的指环》。演出之余，他仍然努力学习、刻苦钻研，指挥技艺日趋成熟。1937年，他在柏林歌剧院客席指挥了瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》，引起轰动，柏林的报纸一片喝彩，卡拉扬也因此一鸣惊人，这次演出成了他一生的转折点。从此，卡拉扬除在柏林活动外，还与欧洲各大歌剧院、乐团合作，在欧美各地进行巡回演出，所到之处，大受欢迎。1941年任柏林国家歌剧院首席指挥，翌年任柏林交响乐团首席指挥，1949年成为维也纳“音乐之友”协会负责人，1955年接替富尔特文格勒任柏林爱乐乐团指挥，1956年又接替伯姆成为维也纳国家歌剧院音乐指导并任萨尔茨堡音乐节的艺术指导。为贯彻自己的艺术思想，他还以个人名义创办音乐节，被誉为欧洲的“音乐总监”。卡拉扬不仅在欧美享有盛誉，在东方也极受欢迎，曾数次率团访问日本，并应邀担任客座指挥。1979年，他曾率领柏林爱乐乐团前来北京访问，该团与中央乐团的合作演出极为成功，受到听众的热烈欢迎，许多专业音乐工作者专程从上海、天津、西安等地赶来观摩学习。这次演出一时成为我国乐坛一大盛事。卡拉扬曾先后向20世纪上半叶享誉国际乐坛的德国指挥富尔特文格勒和意大利指挥托斯卡尼尼学习，汲取这两大流派的长处，并通过长期的艺术实践，逐渐形成了独特的指挥风格。他的指挥动作洒脱、大方、气势磅礴，并以准确和客观着称。他指挥时不仅自己全身心投入音乐之中，而且还善于启发乐队队员，使他们懂得如何演奏，用魔法般的动作牢牢吸引住乐队。他所追求的目标就是，“把托斯卡尼尼的精确与富尔特文格勒的幻想结合在一起”。正是他的音乐天赋，加上对乐曲的正确理解和对乐队的严格要求，他的演出总能达到超常出众的艺术水平。卡拉扬是20世纪最着名的指挥家，由于他具有超常的音乐天赋和惊人的指挥技巧，以及不可思议的统率乐团的魅力，被誉为20世纪下半叶欧洲的音乐总监，国际乐坛的泰斗。在卡拉扬的学生中，日本的小泽征尔和意大利的阿巴多，都已成了当今世界一流的指挥大家。卡拉扬的保留曲目极为广泛，他所演绎的贝多芬和瓦格纳的作品更是有口皆碑。同时他是一位录制唱片的指挥大师，一生留下了800多张唱片，总销售量已超过一亿张。与柏林爱乐乐团合作的唱片就有300多张，仅1971年一年就录了31张唱片。每部作品都要反复试奏几十遍，前后花费一年多时间录制而成的贝多芬全套交响曲，被公认为世界第一。他的第一张唱片是1938年Polydor公司出版的《魔笛》，柏林国家歌剧院演奏。歌剧则有：莫扎特的《魔笛》(维也纳爱乐乐团，EMI)、《女人心》(柏林爱乐乐团，EMI)、贝多芬的《费德里奥》(柏林爱乐乐团，EMI)、瓦格纳的《特里斯坦》(柏林爱乐乐团，EMI)、《名歌手》(德累斯顿爱乐乐团，EMI)、《帕西法尔》(柏林爱乐乐团，DG)、威尔第的《阿依达》(维也纳爱乐乐团，EMI、DECCA)、《奥赛罗》(柏林爱乐乐团，DECCA、EMI)、普契尼的《蝴蝶夫人》(维也纳爱乐乐团，DECCA)、理查·斯特劳斯的《玫瑰骑士》 (EMI)、穆索尔斯基的《鲍里斯·戈多诺夫》(维也纳爱乐乐团，DECCA)、德彪西的《佩里利斯与梅里桑德》(柏林爱乐乐团，EMI)等。卡拉扬还关心音乐美学、音乐治疗以及相关学科的研究，关心青年指挥家的成长。为此他于60年代末建立卡拉扬基金会，在家乡萨尔茨堡创办复活节音乐节，举办青年指挥比赛，还每年组办一次题为“人与音乐”的国际学术研讨会，涉及的题目有“音乐与哲学”、“音乐与自然科学”、“音乐与神经系统”、“音乐与数学”、“音乐与语言学”、“音乐体验与时代形态”等，影响都十分深远。
演奏者介绍：
安妮·索菲·穆特（Anne-Sophie Mutter）1963年6月29日出生于南德意志巴登的莱因费尔顿（Rheinfelden, Baden)。早年曾随赫尼希伯格（福莱的学生）学琴。七岁获全德青少年小提琴比赛第一名，1974年又在另一比赛中获胜。赫尼希伯格逝世后，穆特考入阿伊达·斯托基教授所在的瑞士温特图尔音乐学院，并最终成为斯托基的学生。1977年随卡拉扬参加萨尔兹堡音乐节，次年再度与卡拉杨合作，初次在柏林演出。 1979年获“年度艺术家”奖，并获德国唱片大奖（Deutscher Schallplattenpreis）。此后作为小提琴独奏家和室内乐音乐家，频繁地在欧洲、美国、加拿大和日本巡回演出。1990年在伦敦和斯图加特举办了“安妮·索菲·穆特音乐节”，从巴洛克时期到前卫音乐时期，多角度地展示了她的艺术才华。1995年，波兰作曲家彭代雷茨基把作品《第二小提琴协奏曲》献给她，在莱比锡初演，这次演出为她赢得了两个格莱梅奖。1997年12月曾来中国演出，在北京世纪剧院举行了勃拉姆斯小提琴奏鸣曲音乐会。独奏之外，她也经常参加室内乐演奏，曾与大提琴家罗斯特罗波维奇、中提琴家基奥皮纳组成三重奏，在各地广泛演出。穆特是一位典型的德奥血统的演奏家，性格热情，具有着严谨的思维逻辑和内在个性，这使她形成了优良的演奏素质和高品位的艺术修养。卡拉扬去世后，她的演奏向多元化发展，曲目不局限于德奥古典、浪漫等传统作品，而加强了近现代作品的比重，经常演出卢托斯瓦夫斯基（Witold Lutoslawski）、莫雷（Norbert Moret）、彭代雷茨基和里姆（Wolfgang Rihm）等人的作品。穆特在从梅纽因、阿卡多、罗斯特罗波维奇等演奏家身上吸取了学到了许多有益的东西，曾被喻为成当代小提琴界的“女梅纽因”。

这张深受世人欢迎的发烧盘，收录了莫扎特最著名的小夜曲与嬉游曲，再加上韦格优秀的演绎，而且CAPRICCIO公司的录音堪称典范级，高中低各个频段都清晰扎实，整体效果平衡而充满色彩感。著名的企鹅唱片指南给予三星评价，让这张唱片无懈可击。这张唱片原由德国CAPRICCIO唱片公司出版，后由香港TOP MUSIC再版后，现又重新制作成SACD，无论音乐感、解析力、音色和空间感都比旧版胜出许多，令原本的天碟级录音更添色彩。

J. S. 巴赫为独奏小提琴而作的奏鸣曲与组曲一共6首，BWV1001—1006，大约作于1720年，克滕。这6首奏鸣曲与组曲，巴赫设计了小提琴表达所能演奏的一切和弦，使用了几乎不可能演奏的对位技巧。它们构成了巴赫小提琴音乐的最高峰巅。在巴赫之后，小提琴无伴奏奏鸣曲很少有人再创作，是因为再也无法逾越这座峰巅。这6首无伴奏奏鸣曲与组曲，第一、三、五为奏鸣曲，二、四、六为组曲，据推测，乃为当时克滕宫廷乐团的小提琴演奏家约瑟夫·史比斯(Joseph Spiess)所作。
谢霖（1918—1988），墨西哥籍波兰小提琴家，是匈牙利着名小提琴大师和小提琴教育家弗莱什（1873—1944）的嫡传弟子，也是其学生中成就最高，影响最大的一位。他出生在波兰的华沙，幼年时受到很好的音乐教育，1933年首次举行独奏音乐会，之后则开始全球性的巡回演出。1946年他第一次到墨西哥演出，迷上了当地的风土人情，于是加入墨西哥国籍，并在墨西哥从事音乐教育事业，减少了音乐会的演出，直到1954年，钢琴家鲁宾斯坦访问墨西哥，为谢霖的技艺所震惊，力劝他重上舞台，到世界各地奉献琴艺。由此，他才再次到世界各地举办大量的演奏会活动。谢霖是最出色的少数几个能真正让小提琴优雅地歌唱的演奏家之—，他的琴声紧密而有活跃，有一种天生的高贵气质，既富有诗意，有强调对作品深度的表达,艺术底蕴极其深厚，这一点从他拉的巴赫、勃拉姆斯《小提琴协奏曲》以及贝多芬《小提琴协奏曲》中都能窥见。他对莫扎特作品的表达也狻为出色。谢霖对巴洛克时期的音乐很有研究，他的演奏呈现出纯正的巴洛克风格，优雅而又严谨，为他人所不及，被视为这方面的典范。(林逸聪)

·当古典遇上古巴·莫扎特大跳曼波
·贝多芬·舞动着·命运的骚沙·悲怆的恰恰恰
·古巴女子卡门·与·来自非洲的大黄蜂
·一齐聆听·布拉姆斯·爵士摇篮曲
2003年，由三位来自德国的古典艺人“克拉兹兄弟”(Klazz Brothers，以下简称KB)和两位来自古巴的打击乐器手共组的“古巴打击乐手”(Cuba Percussion，以下简称CP)联合灌录的《当古典遇上古巴》，在相当于德国葛莱美奖的“回声大奖”里面，夺下了“年度最佳跨界专辑”。没有多久，他们的《当爵士遇上古巴》又再度拿下2003年德国“爵士大奖”的年度最佳专辑荣衔。
KB的成员包含两位兄弟，基瑞安·佛斯特(Kilian Forster)和托比亚斯·佛斯特(Tobias Forster)，当古典大师伯恩斯坦(Leonard Bernstein)在世的时候，就曾多次邀请他们合作过。基瑞安平日是德勒斯登爱乐的低音大提琴手，除了古典，他也热中于爵士，同时具有作曲与指挥的能力。托比亚斯擅长的是钢琴，但他也跟基瑞安一样，同时热爱爵士。他们的另外一位伙伴，鼓手蒂姆·罕恩(Tim Hahn)也是从小接受正统音乐的训练，并且有过跟许多超级巨星合作演出的经验。由于三人志同道合，他们决定共组小型的“KB”乐队，一起探索各种新的可能性。
2002年，KB随同德勒斯登爱乐，首度前往哈瓦那举行巡演，在演出之余，与一些当地的艺人以乐会友，他们很惊喜的发现，尽管彼此来自完全不同的音乐传统，却能够拥有共通的音乐语言，于是开始尝试即兴的合作，把欧洲传统古典音乐与摇摆和拉丁的古巴节奏融合在一起，激荡出创意的火花，更促成了他们进一步合作的决定。KB邀请了其中的打击乐器手亚列西斯·艾斯特维兹(Alexis Herrera Estevez)和艾利欧·罗德里格斯·刘易斯(Elio Rodriguez Luis)，请他们以“CP”的姿态，共同前往卢森堡展开《当古典遇上古巴》专辑的录制。连续两张专辑得到热烈反映后，新力唱片在2004年春天起，陆续把他们介绍给世界各国的乐迷，还获得葛莱美奖的提名。2004年冬天，在国际巡回宣传之余，他们也积极的展开第三张专辑的录制，而托比亚斯·佛斯特更亲自负责半数以上曲目的编曲。

1987年元旦的金色大厅属于卡拉扬(Karajan)，这是指挥皇帝辉煌一生中唯一一次执棒维也纳新年音乐会！年近80的卡拉扬(Karajan)以他对斯特劳斯舞曲无比优雅、华丽的诠释，以他君临天下的气度与独特幽默感，赋予了这场音乐会太多值得人们留恋的地方。后人更评价这是历史上空前绝后的一次经典演出！
卡拉扬(Karajan)在音乐会上指挥的约翰·施特劳斯著名序曲《蝙蝠序曲》堪称典范之作，而与当时著名的青年女高音演唱家凯瑟琳·芭特尔 (Kathleen Battle)合作的《春之声圆舞曲》更是这场盛会所有曲目经典中的经典！《蓝色多瑙河》同样是风情万种、惹人留恋，其他诸多波尔卡小品与进行曲也各具风韵，气势逼人。
这张唱片系获得企鹅三星戴花评价的维也纳新年音乐会实况录音。

在音乐结构、艺术魅力和思想深度上都举世无双，自1901年被卡萨尔斯"发现"并介绍给全世界的听众以来，它们便成了无限意义的延伸，更被誉为演奏家技巧与修养的试金石，史塔克、罗斯特罗波维奇、傅尼叶、马友友等无数大师都屡次争相诠释这一纪念碑式作品。
作为二十世纪最伟大的大提琴演奏家，史塔克已经先后五次灌录巴赫的这一惊世巨作，都获得了极好的评论，并为他带来了1998年度葛莱美"最佳器乐独奏奖"的荣耀。本专辑收录的是他在70岁高龄之际，于RCA灌录的第五次录音。史塔克认为对美的追求永无止境，他冀求每一次的演奏，都更接近这套乐曲的真理。
对比以前的四次，此第五次演奏录音里，细节更多，表现也更精确，史塔克在展现着他的速度与演奏力度的同时，以其一贯充满活力的风格诠释着，琴声中，充满了对生命的热情和坚毅。

金装卡拉扬系列。
这张唱片收录德沃夏克《第九交响曲》和斯美塔纳《我的祖国》。
德沃夏克的《E小调第九交响曲》（自新大陆）灵感源自创业时代的美国，体现了意气勃发的朝气。整部乐曲结构完整，配器丰富，音效丰满，是交响曲这一体裁中口碑极佳的一部伟大作品。四个乐章形象各异，精彩绝伦，均是经常在音乐会上单独演奏的名曲。
卡拉扬指挥的这个版本，不再像柏林爱乐版中那样德国味十足，代之以优雅的维也纳乐风。“企鹅”评价三星保留一星，并得到日本“究极百大”榜单与日本《唱片艺术》名曲三百共同推荐。

D大调小提琴协奏曲，作于1878年。是柴科夫斯基最著名的作品之一，与贝多芬的D大调、门德尔松的e小调、勃拉姆斯的D大调小提琴协奏曲并称为世界四大小提琴协奏曲。 这首乐曲的特色不但充分发挥了主奏小提琴绚烂的近代演奏技巧，展开了色彩丰富的管弦乐，造出了比以往的小提琴协奏曲更新鲜的韵味，而且用他含有俄国民谣的地方色彩，独特的充满哀愁的优美旋律，作成了格调新颖、独特的作品。
由于这首乐曲是柴科夫斯基受到了拉罗作曲的《西班牙交响曲》的激发而作的，所以我们可以很容易地看出，两者之间有着共通的构想。这部小提琴协奏曲是一部欢快、活泼、充满青春气息的作品，它歌唱青春，歌唱生命，表现了俄罗斯人民的乐观主义精神。这首乐曲当初相当不受世人欢迎，然而历史最终证明这是一首绝无仅有的音乐杰作，在音乐舞台上久演不衰，成为许多著名小提琴家的保留曲目。
全曲共分三个乐章：
第一乐章，中庸的快板，D大调，4/4拍子，奏鸣曲形式。规模宏大的第一乐章表现了生活的乐趣。具有俄罗斯民间音乐的宽广气息和明朗悠扬的诗意。其主部主题具有动人的歌唱性，体现了俄罗斯歌曲宽广动人的气息，仿佛在歌唱青春、生命和大自然。
第二乐章，短歌，行板，g小调，3/4拍，三段体。其沉思般的抒情，被称为“小抒情曲”。主要旋律真挚动人，略带伤感。仿佛从远处传来一阵悠扬的歌声，使人嗅到了大自然清新的气息。
第三乐章，终曲，活泼的快板，D大调，2/4拍子，回旋奏鸣曲形式。主题令人有俄国风激烈地敲击之感，是属于俄国民俗舞曲特雷巴克的一种。以很强的节奏，快活地进行，宛如一幅人民欢庆节日的图画。