1、全新增订版，文图并茂：打开晦涩玄妙的书画之道，读懂68位中国书画史上的大师
322幅书画作品的整图、局部图高清图档
61条万言新注，以及王季迁生前对不同笔墨的示范照片
更新增8小时徐小虎“重新看懂中国画”视频课程
在初版的基础上，全新增订版立体升级，跟着王季迁、徐小虎透过笔墨掌握2300年传统中国书画的真功夫，帮你看懂自晋代至清代68位书家、画家的187件作品，直观阐明书家、画家的直觉经验，“气韵生动”不再不明觉厉。
2、国潮IP的内功心法：入门2300年中国书画世界的典藏书
笔墨是中国书画的底层逻辑。古今碰撞，国风赶潮，徐小虎、王季迁帮你透过笔墨，掌握2300年传统中国书画的真功夫。
3、写给未来的中国书画史
当越来越多年轻一辈熟悉本书中所提供的对千年书画笔墨细节的细读，全新的中国书画史将会出现，与世界其他美丽的文化史一起引以为豪。
4、走进中国千年书画世界的典藏之书
新版采用进口艺术书纸，厚重典藏；裸脊锁线装订，让中国书画在你面前完全展开。书封柔软，触感温润，主视觉以当代艺术的拼贴之道致敬古书画的千年笔墨之韵
1971年，徐小虎正式跟随旅居纽约的书画家、鉴定家与收藏家王季迁探索书画笔墨的奥妙。为什么掌握了书画“结构分析”的小虎，还要进一步研究笔墨之道？因为不能辨识笔墨，就无法真正理解中国书画的精髓。在往后长达八年的不断追问与精彩对谈中，在王季迁对笔墨的示范和画作的细读中，笔墨之秘，终被揭开。
在此之前，有人能把笔墨之道说清楚吗？
40年后，小虎于耄耋之年重新审视王季迁对笔墨的阐释。在原有对谈基础上，不仅增添新注解及视频课程，更添加细节图，以文图互释的方式直观展示“只可意会，不可言传”的笔墨之道。

本书是作者关于中国晚期绘画史写作计划的第一种，探讨元代绘画。元代是蒙古人统治中国的时代，却也是中国文人画发展最具活力与原创性的时代。在蒙古人废科举制度的情形下，读书人面临着变节或失业的两难窘境，很多文人政途不通，转而以为人占卜、代书或绘画为业。本书即讲述了在这个异族统治、志不得伸的年代里，画家如何以绘画来表达自己的看法与心声的故事。

中国风（Chinoiserie）是自13世纪晚期开始就在欧洲出现的一种艺术和文化文化艺术现象，而马可波罗在元大都（北京）受到元世祖忽必烈接见这一事件可以作为中国风尚兴起的一个标志。不过，中国风（Chinoiserie）这一学术术语则要到19世纪才得以确定，被用来形容受到 中国或者更宽泛一些的远东文化影响的欧洲艺术潮流。本书旨在通过配套的图片与文字为读者勾勒出中国风在欧洲发展历史的轨迹。

汉代画像研究是中国美术史中的显学。武氏祠及其所属的孝堂山祠—武梁祠派画像，同时也是汉代研究的显学。
缪哲教授近年的研究集中于利用考古出土的墓葬材料，重建西汉中后期及东汉早期的汉代帝国艺术，对现存汉代画像艺术进行了全新的历史诠释，本书是其集成之作。
书中在集中探讨了《天帝图》《祥瑞—灾异图》《孔子师老子》《周公辅成王》《楼阁拜谒图》与《车马（卤薄）图》等一系列核心主题之后，更进一步得出结论：中国早期艺术史上，商周纹样传统向汉唐状物传统的转折，完成于两汉之交；转折的外部动力，是汉帝国的意识形态构建与传播。此后以人物叙事为主要内容的状物性绘画，成为统治近千年的新艺术传统。
战国至汉代的数百年，是中国绘画传统的“轴心时代”。其发生、发展、确立的过程，仍是一个未被讲述的故事。本书是作者计划中的“中国绘画传统的诞生”三部曲之第一部。它所呈现的，是这故事的高潮：绘画传统在两汉之交确立的经过与制度机制。通过辨认、撷取山东平民墓葬画像中的“皇家因素”，作者对汉代新兴的帝国艺术的基本轮廓，作了可信的复原，并探讨了其背后的政治、礼仪及意识形态动力。

"本书收录石守谦教授自1994至2007年间陆续发表的十五篇论文，共分五个单元，以元明绘画为主，上溯五代，下及二十世纪。作者以中国绘画史的论述架构为经，以不同研究论题为纬，探索并示范中国绘画的研究方法。
自二十世纪中期以来，关於中国绘画研究的方法与模式已有长足发展，其中以风格学的形式分析贡献最力，在时代风格的确立与特定风格系谱的建立方面，成果卓著，但另一方面也出现了局限。作者对此作了回顾与反思，质疑以西方狭义的「再现」（representation）标准来研究中国绘画的适当性，进而提出「画意」作为一种观看中国绘画的方式。「画意」一词原出自中国传统画史，但作者试图从艺术品与观者互动的角度予以考量，力求将作品还原至创作初始的文化情境来理解其「画意」。全书以「画意」一旨贯串，於风格分析的基础之上，一方面开展新议题，一方面对传统的议题提供新视角，如以族群冲突、交融的观点解析丰富多元的蒙元绘画、或以区域竞争的角度观察地方画派等，其中对於「文人画」发展的重新审视与解读，更是前所未发之真知灼见。
作者就不同研究个案的题材与性质，选择切入视角与适当的研究方法，同时展现了艺术史微观的深入与宏观的渊博。本书不仅可提供中国绘画爱好者一窥中国绘画精髓的管径，更为中国艺术史提供一组多元、开放而可行的研究方法，是不容错过的一部佳著。"

Qing Encounters: Artistic Exchanges between China and the West examines how the contact between China and Europe in the eighteenth and early nineteenth centuries transformed the arts on both sides of the East-West divide. The essays in the volume reveal the extent to which images, artifacts, and natural specimens were traded and copied, and how these materials inflected both cultures’ visions of novelty and pleasure,
battle and power, and ways of seeing and representing. Artists and craftspeople on both continents borrowed and adapted forms, techniques, and modes of representation, producing deliberate, meaningful, and complex new creations. By considering this reciprocity from both Eastern and Western perspectives, Qing Encounters offers a new and nuanced understanding of this critical period.

寒烟衰草，古木遥岑，丰碑特立，四无行迹，观此使人有古今之感。
以木结构为基础的建筑形态造就了中国古代与西方截然不同的“废墟”观念，极少表现废弃人造建筑的绘画传统以独特的方式传达时间的流逝。传统中国对“往昔”的视觉感受和审美在历史的进程中与西方文化碰撞、交互，由此诞生了一种全新的现代中国视觉文化；而抗日战争结束以后，当中华民族走出了那个满目疮痍的时代，那些昏暗而危险的废墟应该何去何从？
本书在全球语境中思考中国的美术和视觉文化，分析了一系列丰富的传统和当代视觉材料，包括绘画、碑拓、建筑、摄影、电影、印刷品，以及装置与行为艺术，讲述属于中国的 “废墟的故事”。

《如何读中国瓷》介绍了美国大都会艺术博物馆藏中国陶瓷精品。纽约大都会艺术博物馆是美国最大的艺术博物馆，与英国伦敦的大英博物馆、法国巴黎的卢浮宫齐名的世界三大博物馆之一。
大都会艺术博物馆收藏的中国陶瓷年代跨越五千年，在材质、器形、主题方面都有丰富的多样性。本书精选的藏品，兼顾了典型与稀见器物，使读者了解从新石器时代直到近代中国陶瓷工匠所取得的惊人成就，构成了中国陶瓷史发展的基本序列。馆藏陶瓷既有中国宋瓷精品，也有元青花，明清各地名窑的代表作品。精致的罐、碗、瓶、盘，优雅的禅宗祖师达摩像，瑰丽的四季花卉瓶，《如何读中国瓷》介绍这一亚洲文化中杰出的艺术传统，娓娓道来、引人入胜。
《如何读中国瓷》对器物的阐释旨在促进更深层次的理解，对作品本身的意义及其创制文化背景的鉴赏。

《玛雅三千年》是美国玛雅文明研究代表人物西尔韦纳斯·莫利先生的经典之作。莫利先生通过自己在尤卡坦半岛 20 多年发掘与考察的经历，以专业的视角、流畅通俗的笔触，展现了玛雅文明的历史和面貌。可以说，本书是部从地理、历史、天文、历法、习俗、艺术诸方面，融合考古学、历史学、人类学、民俗学、社会学等多领域的研究成果，全面、系统、深入呈现玛雅文明的作品，也是迄今为止研究玛雅文明的权威著作之一。

《故宫与皇家生活》是“故宫三书”中的一本。该书通过展示故宫藏存的大量皇家生活用品、珍贵文物和历史文献，结合现存宫殿布置，将清宫生活中大至典礼、政务、武备、巡狩等政治活动，小至起居、服用、游乐等日常细节，甚至宫中的习俗信仰，均作全面而彻底的介绍，为读者全方位还原清朝宫廷生活。
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★ 本书通过展示故宫博物院藏存的大量皇家生活用品、珍贵文物和历史文献，结合现存宫殿布置，将清宫生活中大至典礼、政务、武备、巡狩等政治活动，小至起居、服用、游乐等日常细节，甚至宫中的习俗信仰，均作全面而彻底的介绍，为读者全方位还原清朝宫廷生活，使读者对两千多年来中国传统帝制和皇室生活状况有一个具体而微的认识。
★ 皇宫御苑，既是皇家内廷生活的禁地，也是皇朝森然的政治外朝。本书全面披露两千年来中国皇宫别苑的衣食住行实况，用实物展开一幅神秘的宫廷生活画卷。
★ 为了追求历史情景的再现，摄影师曾通宵达旦地捕捉了极难拍摄的夜景和特殊景色。特别是为追寻康、乾二帝南巡北狩的遗迹，竟跋涉了上万里路程，很多画面是从风风雨雨、严寒酷暑中取得的，保证图片在高质量的同时而兼及艺术和历史功能。
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【关于“故宫三书”】
百科全书式的故宫，是了解中国极好的教材，而这套“故宫三书”正是1980年代集故宫各部门权威之力，用一流的解说团队和珍贵的一手资料打造的经典之作。
40年后，我们用更年轻化的方式重新编排设计，塑成这套值得放进每个人书房里的新一代“故宫传家之书”。
李文儒、尚刚、西川、马岩松、祝勇联名推荐，学术与普及兼顾的精深之作。
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【名家推荐】
这是全面揭开清王朝九代皇帝生活过的紫禁城宫殿和皇室园囿的神秘面纱的第一本图册，也是全面披露两千年来中国皇宫别苑实况的第一次。从世界博物馆而言，只有故宫能完整无缺、大小无遗地保存着三百年清朝廷内苑的原样和文物种种。煌煌一册，让我们读其书，如刘姥姥之入大观园，目不睱及，叹为观止。————陈万雄
三位主编，万依是明清宫廷史学者，有多部著作问世 ；王树卿是清史专家、故宫博物院副院长 ；陆燕贞是故宫陈列专家。这是我读到的最好的关于中国宫廷生活的著作。我曾戏想 ：有此一编在手，可以对付所有宫廷影戏。——汪家明

中国赏鉴书画的方式被称为“读画”。那么我们如何去读一幅画作呢？绘画艺术是一种视觉语言，仅靠文字不足以充分传达出画作所呈现的意境。《如何读中国画》一书，力图通过对36幅美国大都会艺术博物馆典藏的绘画和书法作品的视觉解析，以揭示其成为杰作的缘由。
何慕文先生以博雅而通俗的文字，深入探讨每幅作品的丰富意蕴。在他的叙述中，风格、技法、象征、传统、史实和画家的个人背景，都对作品的解读有重要作用。作品选择上，时间跨越千年：从8世纪到17世纪；题材涵盖广泛：从山水画、花鸟画、人物画，到宗教绘画和书法作品。所有这些都说明中国书画家有着同一个创作主旨：不仅要传“真”，捕捉物的外貌，更要传“神”，表达其内涵。作者以大量的彩色局部详图伴以详实的解说，带领读者深入到每幅作品最重要的层面来赏析。
作者以图文相结合，逐步展示中国画的多种主题和特征。“读”一幅中国画就如同在与历史对话。细细阅读一幅画卷或一本图册，人们共享了一种重复了几百年的私密体验。正是通过这样一次又一次的阅读，作品的内涵得以逐渐被揭示出来。

李霖灿先生曾经担任台北故宫博物院副院长，作为一位有四十余年馆龄的老馆员，他潜心研究中国美术多年，又在台湾大学讲授“中国美术史”二十载。他不断地补充及修正教材，以其幽默风雅的讲述引领了无数人走进艺术殿堂。这份精彩绝伦、活泼生动的文字与图片曾连载于台湾《雄狮美术月刊》，备受好评。本书即是根据李霖灿先生上课讲稿整理编成的，分为二十九个单元，大体以时代为序，以类别为纲，以历代绘画为主调展开论述，对于玉石、雕塑、书法、铜器、陶瓷的论列亦精辟独到。

至少从8世纪的敦煌时期起，“变文”的图画讲唱在中国从根本上讲是一种民间的传统，然而在中国的史书中关于“变文”的表演只有一些令人失望的、模糊不清的记载。《绘画与表演》面临的是一大堆变文与变的图卷有关的问题：变文是为在看图讲唱时作提示用的吗？为什么那份卷画仅仅只有韵文部分？讲唱这些变文的表演者是谁？他们的社会地位如何？……本书于是采取了一种大胆的研究策略去打破这种僵局。为了填补上有关中国的看图讲唱的一大段知识空白，梅维恒博士从印度、印度尼西亚、日本、伊朗、土耳其、意大利、德国，以及其它许多国家中与此类似的文学形式中寻找信息。结果出人意料地令人满意……

◆ 编辑推荐
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美术史家巫鸿全新力作
一场跟随穿衣镜的时空漫游
崭新视角串联奢侈品、绘画和影像
聚焦全球贸易流通中关于镜像的视觉想象与艺术创造
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◆ 内容简介
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从凡尔赛到紫禁城，穿衣镜是否为东西方联合创造的结果？
从怡红院到养心殿，镜屏如何引发中国人关于真与 幻的文学和艺术想象？
从欧洲到全球，穿衣镜摄影模式怎样在世界范围内流行起来？
从程式到主体，摄影师和艺术家如何以镜子表现个人身份和主观意识？
有座架、可移动的落地玻璃镜被发明，并通过跨国贸易在世界上流通，物品、绘画和摄影由此在全球历史进程里串联起来。帝王、艺术家、作家和民众在与镜像相关的视觉联想和艺术创造中，构建出繁复无尽的时空幻象，既参与着曾经发生和正在发生的事件，又总是映射着超乎现实生活的信息。
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◆ 专业评论
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在巫鸿的研究里，穿衣镜这一不为传统艺术史关注的器具获得了新的生命，它的“物”与“像”串联起世界贸易、新的再现媒介和现代人多元化的自我表达方式，同时也对艺术史的叙事本身提出新的要求。
——吴雪杉（中央美术学院人文学院教授）
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他的著作打破了按照材质分类，按照西方概念讲述中国故事的传统，从基本结构上改变了西方中国美术史传统写作的范式，正在构成一种具有历史关怀的、生动新鲜的叙事。不仅如此，以他为代表的这一代学者甚至在对世界范围内整个美术史学科的走向产生重要的作用。
——郑岩（中央美术学院人文学院教授）
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巫鸿教授有关中国美术的相关研究，跨越上古与中古时期的墓葬美术、宗教美术与传世书画艺术，兼及史前时代的玉器文化与当代实验艺术，其开拓领域之广、研究力度之深，可谓前所未见。他在研究方法上，引入了当代人类学的思维与视角，创造性地将绘画、雕塑、器物与建筑有机整合为一体，从而发展出一套适用于美术史学科的、能够打通微观研究和宏观叙事的“中层研究”方法论体系，使图像、器物与建筑空间的研究能够与人和时代的精神、思想和文化相联通。
——李清泉（广州美术学院美术研究所教授、艺术与人文学院院长）
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巫鸿并未把艺术品作为多样而变化中的世界观的图解。相反，艺术品在他手里成为了历史中的演员和创造者，而不仅仅是历史的标志物。
——伊万兰•卜阿（Yve-Alain Bois，哈佛大学美术史与建筑史系前系主任，现普林斯顿高等研究院研究员）
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巫鸿希望的，是通过分析美术材料本身找到一条可以跟随的线路，寻找视觉材料内在的演变路径。换句话说，也就是把美术演变的轨迹从这些概念中剥离出来，在美术中说明一个精神性的“中国”。
——胡一峰（《中国文艺评论》杂志副主编、编辑部主任）
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他在方法论上兼具中国传统美术史和美国美术史的研究方法的优点，重视人类学和美术学的跨学科融通，并且推陈出新，形成了自己的独特方法论。
——朱志荣（华东师范大学中文系教授、美学与艺术理论研究中心主任）
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巫鸿先生在解读中国画史名迹时不仅注意重新审视传统的读画方式和内容实质，还充分注意到绘画媒介形式的物质性特征，将绘画置于一种由创作者、观赏者共同参与动态过程，从而丰富和提升了鉴赏这幅名画的内涵和意义。
——赫俊红（中国文化遗产研究院研究员）
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◆ 媒体评论
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巫鸿认为作为处理历史材料的研究者，终能够改变西方中心格局、建立全球性美术史的途径并不是以抽象思维的方式推演出一套理论话语，而是通过对于历史的具体的作品，通过考古材料，通过历史上的书写进行具体分析，从中提炼出多元性的美术史的概念和叙事方式。
——雅昌艺术网
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巫鸿是一个有着特定的视角和兴趣，并将这种视角和兴趣沿用到极为多元的研究对象之中的学者。
——《燃点》
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在如今更趋多样化的美国学界，芝加哥大学的巫鸿教授可谓是活跃的一个中国艺术学者。他的研究领域跨越了古代与现当代的壁垒，以人类学的研究方法贯穿始终并互为借鉴。
——《艺术新闻（中文版）》

北宋时期的士大夫对美的追求空前地热烈，在许多领域的活动都跨出以往的范围，冲破以前认为不可逾越的界线，突出表现在可堪代表北宋文化特征的艺术品鉴赏与收藏、诗话、花谱、宋词等领域。这一时期的士大夫在追求美的过程中伴随着焦虑，他们必须面对传统儒家对其追求美的活动的诸种成见，必须开辟新的视野，敢于摆脱教条的束缚，挣扎出一个自辩说法。事实上，他们努力的成果是辉煌夺目而影响深远的。

浮世绘是流行于日本江户时代（1601-1867）、出自民间画工的版画艺术，被誉为“日本民俗的百科全书”，它以花魁美人、歌舞伎演员、春宫魅惑、民俗风景、花鸟虫鱼等社会风俗为主要题材，表现当时社会各阶层的生活百态和流行时尚。
中国浮世绘研究权威潘力清晰地讲述了浮世绘300年的兴衰史。鸟居派、歌川派等7大流派的来龙去脉，喜多川歌麿、葛饰北斋、歌川广重等31位大师的生平故事与艺术成就，《歌撰恋之部》《富岳三十六景》《名所江户百景》等200多幅经典作品的风格解析，都在书中得到了完美展现。
每一幅浮世绘都承载着丰富的日本民俗文化密码，只有巨细无遗地解锁这些信息，才能说是真正看懂浮世绘，也才能对日本文化有更准确的认识。——潘力
————编辑推荐————
① 连⽇本专家都赞叹不已，国内最权威的浮世绘著作
☆ 国际浮世绘学会理事长⼩林忠评价本书为“中国第⼀部全⾯、深⼊研究浮世绘的著作”
☆ 芝加哥大学日本研究委员会主席切尔西·福克斯维尔说这本书“让观赏和研究250年的日本版画史充满乐趣”
☆ 2007年首版以来深受读者喜爱，被评价“专业，系统”“看完可以把浮世绘了解得透透的！”
② 收录7大流派、31位浮世绘⼤师的200多幅经典作品，完整呈现浮世绘300年艺术历程
☆ 鸟居派、歌川派等7大流派，喜多川歌麿、葛饰北斋、歌川广重等31位大师，《歌撰恋之部》《富岳三十六景》《名所江户百景》等200多幅经典作品，在书中完美展现
☆ 17世纪在画师菱川师宣笔下兴起，19世纪末伴随幕府政权结束衰落，全景式呈现浮世绘从兴起到衰落的完整历史
③ 精确解读每一幅浮世绘的风格特点，秒变浮世绘鉴赏专家
☆ 以《富岳三十六景》闻名的葛饰北斋，为什么孜孜不倦地描绘不同角度、不同季节的富士山？
☆ 单凭把美人画从全身像转为半身像，喜多川歌麿就成为美人画的大师？
☆ 丑化歌舞伎演员并遭到粉丝围堵，东斋洲写乐的画作却成为“浮世绘最辉煌的作品”的原因是什么？
☆ 各大流派的来龙去脉，各个画师的艺术成就，各件作品的风格解析，在书中一一揭晓
④ 透视浮世绘背后的日本社会与文化，读懂日本文化的精髓
☆ 浮世绘画师为什么都喜欢画花魁？相比中国的春宫图，日本的春画显得“粗野”的原因是什么？结合当时的社会背景，精准解析浮世绘中的民俗密码
☆ 日本史前时期的一件火焰形陶器，如何影响数千年的日本美术？在本国日渐衰落的浮世绘，靠什么一步步征服西方人？透过浮世绘，读懂日本文化的精髓
⑤ 2020精装纪念版，全面升级内容、设计
☆ 加入作者新的研究成果：增加对作品的解读，加入多幅经典画作。
☆ 精简摄影作品，聚焦浮世绘作品：摄影图片介绍的日本文化，今天的读者已经比较熟悉；放大浮世绘作品，让读者更能享受画作丰富的细节。
☆ 调整篇章结构，提高可读性。
☆ 版式更加舒朗，带给读者更好的阅读体验。
————名人推荐————
中国第一部全面、深入研究浮世绘的著作。——小林忠（国际浮世绘学会理事长）
潘力先生不仅是优秀的美术家，也是中国出色的日本美术研究者。——马渊明子（日本国立西洋美术馆馆长）
这本设计精美、详尽研究浮世绘的著作，让观赏和研究250年的日本版画史充满乐趣。——切尔西·福克斯维尔（芝加哥大学艺术史系副教授、日本研究委员会主席）
《浮世绘》把浮世绘的文化源头一直追溯到日本原生文明、大和绘风俗画以至中国画和西洋画的影响，把浮世绘的来龙去脉梳理得异常清晰。——王镛（中国艺术研究院研究员、中央美术学院教授）

本书的主要作者博尔丁是意大利帕尔马Piccole Figlie医院的医学总监，也是业余画家。本书通过艺术家的眼睛，让我们看到在整个人类历史中，医学信息和医学实践是如何展现在人类面前，又是如何与人类社会的各个方面相互交织相互作用的。实际上，医学和艺术有同源性，他们的起源都来自于古代人类的观察，对自然界的观察，对自身的观察，对同类的观察。人类最早的雕塑之一“维伦多夫的维纳斯”就是一个最好的例证。艺术与医学的互动贯穿了整个人类文明的历史。艺术作品记录下了疾病的模样，记录下了医疗实践活动，这些图像（image）本身就是可靠的医学史。而医学也在不断为艺术的发展提供灵感和助力。如文艺复兴的艺术家热衷于人体解剖不仅促进了艺术的发展，也为现代人体解剖学的诞生做出了极大贡献。
这本书并非简单地罗列艺术世界中与医学相关的作品。作者很有心地将涉及医学内容的艺术作品按照各个主题分门别类，避免了读者面对海量的艺术作品时产生力不从心、心生畏惧的感觉，一下子拉近了读者与艺术世界的距离，也方便我们按照主题快速地查找到我们想要的内容。甚至可以说，他搭起了一个医学艺术学科的框架体系。后人可以利用他的框架轻松地构建医学艺术课程。

《宋元画史中的博物学文化》作者施錡围绕“宋元艺术史的博物学文化”进行理论论证，用实例剖析阐述，形成观点鲜明、论据充分的文章，图文并茂，内容涉及中外，延展古今。不是单一地就艺术论艺术，跨学科、跨地域地引用、论证，从不同的角度、不同的文化内延出发，分析了艺术史中的博物学文化。
无论我们怎样给中国古代画史下定义，中国古代画史的内涵还是由形成于系谱的历代画家及其作品所构成的。中国美术史论界以往对中国古代画史的研究，其主要还是定位于绘画本体及其审美表现形式与技法风格的研究上，无非就是冠之于“史”的名义而已；而施錡博士则规避了以往研究的窠臼，调整了自己的研究观念，她把博物学（natural history）作为自己研究中国古代绘画的透镜，从而把中国古代画史研究还原于中国古代文化与历史的宏大背景中，以追问宋元两朝绘画与文史之间所交融的现象和本质之关系。
在施錡博士的研究视域中，中国古代绘画已不再是一种纯然的外在审美表现形式，施錡博士把画面形式本体所呈现的物象与人等诸种元素紧密地维系于中国古代文史传统中，通过透视中国古代官制、宗法、政治、、民俗、器物与服饰等文史成因，从而把中国古代画史研究向博物学领域拓宽与拓深。从学理上讲，施錡博士是籍助于中国古代画史研究，在博物学研究观念的策动下，有效地发现、思考与解决文史研究的新问题。因为，在施錡博士的研究视域中，画面所表现的物象与人等元素，其必然是对一个特定时期之文化与历史的审美记忆，这些元素反过来必然也可以成为对文史领域博物学研究的有效注解，而不仅仅是一个个纯然表现画家个人意境的审美元素了。然而，即便是画家个人的审美意境，其也必然把画家生存的文史背景投射在作品的形式本体上。这就是从一件古画看文化、看历史，而不再是囿限于一个狭小的视域，仅从一幅绘画看作品本身。以画论画的年代持续得太久了，当下是一个全球化与信息化的时代，论画的博物学年代终于到来了。