Beat Saber is a VR rhythm game, where your goal is to slash the beats which perfectly fit into precisely handcrafted music.
Coming out in 2018.

Audio Trip is a fully immersive VR game that launches you into our worlds we've created specifically for each song with hand-crafted choreography that gets you moving and dancing in VR like nothing else. Catch gems, ride ribbons, dodge barriers, and smash drums.

一位天才由于父亲的错误引导和压抑，在少女时期曾经严重迷失自我，经过十多年的苦苦挣扎，终于重获信心，踏上正途。而因其长期以来低调的处世态度,史兰倩丝卡的这一血泪成长史并不为人所知。

本书是史兰倩丝卡32岁前的自传，一部天才儿童成长的血泪史，是史兰倩丝卡前半生传奇、经历的真实记录。

本书由她亲自授权自己的得意门生王润婷翻译。王润婷受其教诲多年，对乃师的音乐及人格魅力感受颇深，译文十分忠实细腻地传达出大师早年的心路历程。

当今最伟大的女钢琴家之一——《伦敦镜报》
自莫扎特之后最优秀的音乐神童——《纽约时报》
她是我所认识最具才华的人——拉赫马尼诺夫

《指尖下的音乐》巨细靡遗地讲述钢琴演奏的每个细节。小至指法的运用、练习技巧的方法，大至整场音乐会的排练。另外举例分析霍洛维茨、鲁宾斯坦等名家的演奏曲目，阐释曲目设计的艺术。除了演奏技巧，书中更流露出作者面对音乐的谦卑与努力，及其顶尖艺术家的风范。

Before the French Revolution, making music was an activity that required permission. After the Revolution, music was an object that could be possessed. Everyone seemingly hoped to gain something from owning music. Musicians claimed it as their unalienable personal expression while the French nation sought to enhance imperial ambitions by appropriating it as the collective product of cultural heritage and national industry. Musicians capitalized on these changes to protect their professionalization within new laws and institutions, while excluding those without credentials from their elite echelon.
From Servant to Savant demonstrates how the French Revolution set the stage for the emergence of so-called musical "Romanticism" and the legacies that continue to haunt musical institutions and industries. As musicians and the government negotiated the place of music in a reimagined French society, new epistemic and professional practices constituted three lasting values of musical production: the composer's sovereignty, the musical work's inviolability, and the nation's supremacy.

《Super Band》是《Hidden Singer》、《Phantom Singer》的制作组发掘隐藏音乐人的第3弹节目，目标是组成全球化超级乐队。5名评委分别是尹钟信、尹尚、乐童音乐家的李秀贤、Nell金钟万、林肯公园的Joseph Hahn。

“或许是有史以来关于摇滚乐的最佳著作”
——《滚石》杂志
“和最好的摇滚乐一样，触及了美国和美国音乐的心智与灵魂。”
——布鲁斯•斯普林斯汀
这本有关摇滚乐和美国文化的杰出研究书籍于一九七五年首版时，许多书评人称它是此主题下的最佳作品。现在，《神秘列车》的经典地位已然确立，它鼓舞了整整一代的音乐家、乐迷和作者。在这个版本中，作者修订了正文，令人不胜欢喜的资料性部分“备注与唱片目录”也经过了更新和扩充。多数读者依然会同意《滚石》杂志对《神秘列车》的评价——“或许是有史以来关于摇滚的最佳著作”。
《神秘列车》的闪光点不胜枚举，在很多人看来，书中论述埃尔维斯的卓越章节“普利亚特”是关于普莱斯利的众多文字中最具洞察力的。普莱斯利辞世后，马库斯的文章从喧哗和歇斯底里中浮现出来，成为美国文化批评的一个地标，达到了“狂喜、恐惧和理解的高峰”（《村声》杂志，弗兰克•里奇）。
通过六位艺人——先辈：罗伯特•约翰逊和“口琴”弗兰克，继承人：兰迪•纽曼、“乐队”乐队、斯莱•斯通，以及普莱斯利——按照乔恩•兰道在《滚石》杂志上所写，马库斯“就美国和摇滚乐写下如此有创新精神的野心之作，在体裁、智慧和创造力上都冒了很大风险。马库斯经常引用‘乐队’乐队的罗比•罗伯逊的名言：音乐绝不该是无害的。这本优秀著作的美妙之处便在于，它也绝非无害。”
“任何对美国或美国音乐有兴趣的人都应该读的书。”——《纽约时报》

「美國書卷獎」得獎之作，「美國國家書評獎」決選作品。
最有成就的黑人音樂評論家針對震撼全世界的流行文化現象所做的權威剖析。──《華盛頓郵報》書評
少有嘻哈文化的記錄者像尼爾遜．喬治一般頭腦清晰、態度客觀。《嘻哈美國》交織評論與報導，成為極具可讀性的饒舌音樂及其文化震撼性的調查報告。──《費城詢問報》
引人入勝、資料豐富。它給嘻哈追隨者一個完整架構與歷史，給了畏懼嘻哈者詳盡解釋與理解途徑。──《休士頓記事報》
充滿知識、堅持己見，迷人……對嘻哈的熱情讓此書充滿生氣。──Michiko Kakutani，《紐約時報》
《嘻哈美國》一書裡，尼爾遜．喬治（舉世最具洞見的嘻哈文化作家──《滾石雜誌》語）以第一人稱帶領我們進行一場嘻哈歷史之旅。從它的七０年代源頭到它竄起成為一股文化力量，再到今日它的影響力顯現在電影、時裝、廣告與運動各領域裡。它探索黑人青年文化與大眾媒體在過去二十年裡發生的碰撞，以及這些碰撞如何改變社會。此書觸及毒品、時裝、監禁、籃球、企業、科技、語言等議題。尼爾遜．喬治檢視嘻哈的各個面向──音樂、風格、商業、迷思、道德力量，探索它如何投入企業美國的懷抱，不光是為了觸及黑人聽眾，更懷抱觸及所有年輕消費者的野心。從「閃手大師」到「人民公敵」到「吹牛老爹」，《嘻哈美國》告訴我們嘻哈文化在過去二十多年如何跨過所有障礙......

本書可能是有關當代英國社會最重要的著作。－－英國大報《蘇格蘭人報》（The Scotsman）
終於，有人寫出了過去十年的「真實歷史」，而且充滿慧黠、生氣、同情與睿智。再多的言語也不足以推薦這本好書。－－歐文．威爾許，《猜火車》作者
打從一九七七年出版以來，《迷幻異域》一直是跳舞文化最重要的論述。本書奠基於紮實的背景研究，以及針對關鍵人物的第一手訪談。它深入探索快樂丸文化的文本、意識型態與迷思，細細描繪初嚐快樂丸的狂喜經驗與從高峰跌下的低落期，也剖析了這場英國最重要的青年文化的社會歷史背景。
－－《Wired》雜誌讚譽這本書為「一則與啟發本書的快樂丸文化一樣令人無法抗拒的故事。」
《迷幻異域》在台灣
一九六O年代到七O年代是放心藥的政治首次被自覺地引入社會批判、以及反抗主流的反文化的年代。一九六O年代之後至今，反文化運動結束，但餘緒猶存；新的消費文化和新的「壓迫-反抗」形式造就了新的放心藥文化--這是我們今日思考放心藥政治時必須面對的，也是本書的重要價值所在。－－中央大學教授 卡維波、何春蕤
這書除了敘述一段現代流行文化的地下史外，重要的是引發思考。無論後果如何，選擇是人民的——自由便是擁有選擇的可能，儘管那自由可能只是自主的幻覺。－－作家 張讓
藥物帶來很多的經驗，但是這些經驗不盡然只有藥物可以產生。至於在流行文化扮演重要角色的藥物，是否跟個人修行一樣，也可能不盡然是絕對必要的，恐怕就沒人敢斷言了。－－精神科醫師、作家 王浩威
當快樂丸的能量逐漸耗盡，烏托邦夢醒，卻不是電音文化的死亡。當這個由快樂丸點燃的瑞舞文化所建構的團結不可避免地沿著階級、種族和地域分裂開來，或者被主流體制收編時，創作者也不斷投入開發更多元的電音舞曲，運動者則不斷尋找新的DIY反抗模式。－－哥倫比亞大學政治學博士生 張鐵志
一顆藥丸似乎引起整個時代的大震動。和平與暴力齊生、心靈與罪惡共存、理想與商業互放。快樂丸不僅沖激著藥物文化與社會的底線，也解放著人與人之間最神秘卻美妙的臨界體驗。－－作家 夏綠蒂
西方和快樂丸文化對話二十年了，「持有 / 使用禁藥除罪化」已是和平共處的共識，才能有本書中最精彩的......用快樂丸觀點回顧曼徹斯特如何因E復興。我不禁突發奇想，台北的大學校長們什麼時候也能下海搖一搖，乘著快樂丸飛行，想清楚E和提高大學申請入學率有什麼關係。－－同志導演 陳俊志

美國爵士樂全攻略是左耳文化籌備已久的爵士樂導讀專書，作者除了風格與藝人介紹外，也以多種角度提供評論與剖析，是本知識性與文學性都很強的著作。從bibby與樂友的信件往來裡可得知，bibby與左耳為了這本書花費相當多心思(labour of love)，從翻譯、校稿到美編、出版，bibby都事必躬親，務求盡善盡美。有幸在全書付梓之前讀過Free Jazz與Fusion等部分，吸收資訊之餘，並依據自己認知提供一些專有名詞翻譯上的建議。全書內容豐富，譯筆清晰流暢，相信美國爵士樂全攻略是適合有志於欣賞爵士樂的華文世界朋友不可或缺的好書。
美國爵士樂全攻略 內容簡介
爵士樂被認為是美國唯一的原創藝術形式，卻也是我們在二十一世紀才重新發掘與理解的新興現象之一。美國爵士樂全攻略（Jazz 101）是引導入門者、初學者、好奇者、愛樂者進入爵士樂世界的絕佳窗口。美國耶魯大學的約翰．史威玆（John F. Szwed）教授將在這本廣為長春藤名校指定使用的入門書中，替讀者逐一分析這種迷人音樂的歷史、風格、精神、發展、迷思。
史威玆教授將帶領讀者航行在多元化、非線性的奇異歷史觀裡，並一同探索爵士樂如何從種族色彩濃厚的庶民音樂，一躍成為美國最早期的流行音樂，甚至成為西方前衛藝術運動的一環。爵士樂這些傲人的成就卻在五十年內就達成。另外，史威玆教授也提供犀利的見解與評論，以釐清爵士樂如何改變世人看待音樂的態度，像他就曾在書中提及：「當爵士樂在第一次世界大戰期間首度傳佈到巴黎時，音樂鑑賞家感到一致的震驚：爵士樂不只是音樂上的形式，同時也是肢體、視覺、社會、情緒上的藝術表達。」美國爵士樂全攻略在史威玆教授深入淺出且語帶幽默的流暢筆鋒下，是本適合各種程度樂迷的工具書，並是理解與欣賞爵士樂的重要參考資料。
此外，本書提供的爵士樂全覽也包括：
* 爵士樂主要的風格形式，以及二十世紀傑出樂手的簡介
* 爵士樂的根基與源流，其中包括來自歐洲與非洲的影響
* 延伸聆聽的建議清單，再加上關於爵士樂歌手、唱片廠牌、網路資源、電影、評鑑指南、延伸閱讀等的精美附錄
目次：
導讀
譯序
作者序
前言
第一部份
01. 導論
02. 錄音作品及現場表演
03. 定義爵士樂
04. 元素
05. 形式
06. 即興、作曲、編曲
07. 根源
08. 聆聽爵士樂
09. 俱樂部
第二部份
10. 爵士樂的風格
11. 爵士樂的起源
12. 1900年到1925年：紐奧爾良
13. 紐奧爾良以外
14. 1925年到1940年：搖擺樂
第三部份
15. 1940年代：復古運動
16. 興起革命的五位樂手
17. 咆勃爵士樂
18. 1950年代：酷派爵士樂
19. 西海岸爵士樂
20. 硬式咆勃、靈魂樂、放克
21. 電風琴三重奏
22. 後咆勃即興樂，1956年前後
第四部份
23. 1959年：多元革命運動
24. 自由爵士樂
25. 第三潮流
第五部份
26. 1970年代
27. 爵士—搖滾樂
28. 1980年代與1990年代
29. 歐洲
30. Acid Jazz、Drum 'n' Bass、Neo-swing
31. 下一步？
附錄
01. 爵士樂演唱
02. 關於爵士唱片評鑑的指南
03. 網路上的爵士樂
04. 電影裡的爵士樂
05. 節選書目
06. 郵購爵士樂唱片
07. 報章雜誌

這本書融合樂手故事、新聞報導、史料、第一場現場直擊，細細探索流行音樂與藥物的一頁糾纏史。從黑奴解放運動之後的黑人走唱藝人如何沾上專利止痛藥物、到爵士樂手與海洛因的關係，一直探索到嘻哈音樂與快克（crack）的關係。
本書的第一版出版於1988年，當時即大獲好評，1999年推出增訂版，增加一百頁的篇幅，探索快樂丸與瑞舞、嘻哈音樂與快克的關係，入圍BBC廣播公司的「史上最棒的20本音樂書」，也入選《衛報》的「史上最棒的10本音樂書」。
◎第一部（共七章）：從黑奴解放運動後，黑人吟遊歌手如何與打拳賣膏藥的巡迴演唱結合，進而染上專利止痛藥癮，到爵士樂剛興起時，大麻如何滲透樂圈，而後如何轉進至海洛因。
◎第二部（共五章）：探討二次大戰後，安非他命如何伴隨退伍軍人潮滲入搖滾樂圈、六○年代嬉皮運動如何與迷幻搖滾、LSD結合，七○年代的龐克搖滾跟吸膠有什麼關係。
◎第三部（共五章）：八○年代，酸浩室音樂（Acid House）電音興起，它與快樂丸的一頁結合史、嘻哈音樂與快克的關係。

When Jamaican recording engineers Osbourne "King Tubby" Ruddock, Errol Thompson, and Lee "Scratch" Perry began crafting "dub" music in the early 1970s, they were initiating a musical revolution that continues to have worldwide influence. Dub is a sub-genre of Jamaican reggae that flourished during reggae's "golden age" of the late 1960s through the early 1980s. Dub involves remixing existing recordings--electronically improvising sound effects and altering vocal tracks--to create its unique sound. Just as hip-hop turned phonograph turntables into musical instruments, dub turned the mixing and sound processing technologies of the recording studio into instruments of composition and real-time improvisation. In addition to chronicling dub's development and offering the first thorough analysis of the music itself, author Michael Veal examines dub's social significance in Jamaican culture. He further explores the "dub revolution" that has crossed musical and cultural boundaries for over thirty years, influencing a wide variety of musical genres around the globe.

有关29岁早逝的传奇自由爵士/即兴萨克斯手阿部薰的生与死。
载入坂本龍一、灰野敬二、大友良英、村上龍、若松孝二、浅川マキ等50余位艺术家关于阿部薰的酷评及追忆文，并配有阿部薰生前珍贵图片。
总之，这是一本妙不可言，又残又酷的毒物。
简体中文版 地下发行

Suede's arrival in British music in the 1990s was a phenomenon. Fated as 'The Best New Band in Britain' before they had even released a single, their debut album was the biggest selling for a generation and their emergence and dominance heralded Britpop. Made with full access to the band and their unexpurgated, incredible archive, Suede: The Insatiable Ones is documentary-feature that tells their story with brutal honesty, humour and dignity. Pulling no punches, the film eschews a linear form for a themed journey through Suede's intense career, and its creative and personal highs and lows. Through five chapters it explores: their roots and identity; the rush of success and immediate, infamous internal power struggle and schism, which few thought they could survive; the subsequent commercial apogee and significant international success; the resultant excess and substance abuse; their 'slow painful death' and split; and - ultimately - their recent, brilliant, acclaimed artistic rebirth. Frontman Brett Anderson and the band are joined by a wonderful cast that includes founder member of Suede and Elastica, Justine Frischmann, Suede's early manager Ricky Gervais, early Suede drummer and ex-Smith Mike Joyce, alongside friends, family and collaborators including Richard Osman, iconic designer Peter Saville, and others.

该片关注了激进的一代音乐人为德国战后的文化废墟创造新音乐身份的历程。以1968至1977年间的“新乐队”、罐头乐队、浮士德和发电站等电子音乐先锋为例，分析了其作品的原创性和毫不妥协的特征。他们分享着共同的目标，以难得的前瞻性来突破阴森的过去，但尽管如此，依旧沉迷于战争的 英国音乐媒体仍将这些作品称为“泡菜摇滚”[Krautrock]。(小易甫字幕组)

人们通常认为，爵士乐是一种即兴演奏的艺术。即便是两位素不相识的爵士乐手，只要一同登台，就能演奏出一连串和谐而美妙的音符。这些精彩绝伦的乐思，究竟是如何产生的？乐手们是怎样学会即兴演奏的？
在保罗·F.伯利纳看来，爵士乐作为一种思考方式，其发展贯穿着艺术家的一生。艺术家不 仅受到早年音乐环境的影响，而且随后在更大范围的爵士乐社区内经历磨炼，培养独奏能力，以及在乐队中协作的能力，最终成就独一无二的即兴演奏技艺。本书采用民族音乐学的研究方法，历时超过15年，采访了逾50位知名乐手，广泛引用自20世纪20年代至今的诸多案例，且综合了乐谱分析，全面地再现了爵士乐富于变化的思考方式。本书是爵士乐研究的里程碑作品，曾获艾伦·梅里亚姆音乐学奖。

Kim Gordon, founding member of Sonic Youth, fashion icon, and role model for a generation of women, now tells her story—a memoir of life as an artist, of music, marriage, motherhood, independence, and as one of the first women of rock and roll, written with the lyricism and haunting beauty of Patti Smith's
.
Often described as aloof, Kim Gordon opens up as never before in
. Telling the story of her family, growing up in California in the '60s and '70s, her life in visual art, her move to New York City, the men in her life, her marriage, her relationship with her daughter, her music, and her band,
is a rich and beautifully written memoir.
Gordon takes us back to the lost New York of the 1980s and '90s that gave rise to Sonic Youth, and the Alternative revolution in popular music. The band helped build a vocabulary of music—paving the way for Nirvana, Hole, Smashing Pumpkins and many other acts. But at its core,
examines the route from girl to woman in uncharted territory, music, art career, what partnership means—and what happens when that identity dissolves.
Evocative and edgy, filled with the sights and sounds of a changing world and a transformative life,
is the fascinating chronicle of a remarkable journey and an extraordinary artist.

Every night, somewhere in the world, three or four musicians will climb on stage together. Whether the gig is at a jazz club, a bar, or a bar mitzvah, the performance never begins with a note, but with a question. The trumpet player might turn to the bassist and ask, “Do you know ‘Body and Soul’?”—and from there the subtle craft of playing the jazz repertoire is tested in front of a live audience. These ordinary musicians may never have played together—they may never have met—so how do they smoothly put on a show without getting booed offstage.
In “Do You Know . . . ?” Robert R. Faulkner and Howard S. Becker—both jazz musicians with decades of experience performing—present the view from the bandstand, revealing the array of skills necessary for working musicians to do their jobs. While learning songs from sheet music or by ear helps, the jobbing musician’s lexicon is dauntingly massive: hundreds of thousands of tunes from jazz classics and pop standards to more exotic fare. Since it is impossible for anyone to memorize all of these songs, Faulkner and Becker show that musicians collectively negotiate and improvise their way to a successful performance. Players must explore each others’ areas of expertise, develop an ability to fake their way through unfamiliar territory, and respond to the unpredictable demands of their audience—whether an unexpected gang of polka fanatics or a tipsy father of the bride with an obscure favorite song.
“Do You Know . . . ?” dishes out entertaining stories and sharp insights drawn from the authors’ own experiences and observations as well as interviews with a range of musicians. Faulkner and Becker’s vivid, detailed portrait of the musician at work holds valuable lessons for anyone who has to think on the spot or under a spotlight.

一个动荡的时代，1971年是音乐创新和重生的一年，政治和文化剧变让新面孔在舞台上大放异彩。

抛开玄虚概念，直面艺术本身，是全新视角的赏乐理论，也是透彻诚恳的入门之书。
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长久以来，非专业听众在面对古典音乐时，总会习惯性地认为感人和悦耳就是作者们的创作目标，也常以为了解到作品的意象、背景、“思想内涵”，便有了欣赏的钥匙，或者会把古典音乐看作一种超凡脱俗的象征和修养身心的良药，而一旦无法把握这些要素，听者就会感到迷茫，觉得古典音乐很难。
本书从艺术与自然状态的区分出发，逻辑清晰地破除了上述固有观念，帮助赏乐者抓住古典音乐的实质，认识其价值所在，对于入门者是实用而有效的指引，对于深思音乐之美的人亦可提供新的视角和启发。
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著名作家、清华大学中文系教授格非作序
著名诗人、清华大学中文系教授 西渡
中国国家交响乐团大提琴家 张博
著名钢琴家、天津音乐学院教授 吕晓亮
《读书》资深编辑 曾诚
著名青年作家 唐洬
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