時間 是一半的 有自己也混合著他人
生活 是一半的 是現實也摻雜想望的
當生活已經歇斯底里 倏地掀開時間的皺褶剝開身體
藏著的那些 摯愛的 沈迷的 瘋狂的 優雅的多愁善感
我知道這就是你 那個好久不見的我自己
魏如萱 暌違三年 第六張個人專輯
【藏著並不等於遺忘】
是不安也是溫暖 是脆弱也是陽光
對望日夜的呼喚
我想要遠走 卻從未走遠
當世界不是只有自己
卻更渴望＿找到自己的模樣
從華麗張狂為自己逃跑的『末路狂花』到失序受困逐漸找回自我的生活調適
關於那些被擱著的美好 都在這裡了！
2016年魏如萱發行第五張個人專輯【末路狂花】，以『狂』激活對音樂的想像，帶著覺醒為自己逃亡打破框架。由waa詞曲創作的歌曲《你啊你啊》，更在YouTube累積超過1,486萬點閱次數，成為2016 HitFM年度百大單曲。專輯更拿下中華音樂人交流協會2016年度十大專輯、HitFM年度十大專輯，入圍第28屆金曲獎《年度專輯獎》、《最佳國語專輯獎》、《最佳國語女歌手獎》、《最佳專輯製作人獎》、《最佳作曲人獎》（歌曲《你啊你啊》）等五項大獎，《雪女》音樂錄影帶入圍第29屆金曲獎《最佳音樂錄影帶獎》，拿下2017 Hito流行音樂獎《Hito唱作女聲》。
從創作歌手、演員、電台DJ，到現在成為新手媽媽，在多重身分的考驗下，看似混亂失序的新生活，害怕無法再創作的焦慮，原來更多的恐慌都是來自於『愛』。少了和自己獨處寫歌的時間，睡眠變短了卻規律了，新專輯便是包裹著藏在生活裡的各種選擇，而當她想起還能夠唱歌創作的時候，依舊雀躍，依舊興奮，依舊迷人。
專輯概念來自安徒生童話故事集同名篇章
無論時間的塵有多厚 終將被光照亮 找到存在的理由
專輯概念最初來自於安徒生童話故事集中的同名篇章【藏著並不等於遺忘】，以三個短篇故事，講述在不同時間的流轉下，而引發的轉折與希望、記憶與愛。有些事也許被記下了，也許被人忘掉了，但有的只是隱藏在心的深處，藏著並不等於遺忘。
首波歌曲《恐慌症》推翻既定印象 Bye bye媽味 一起迎接睡眠恐慌症
手機低電量焦慮、瀏海不齊焦慮、截稿日焦慮、睡不著好焦慮……尖叫狂喜，低吼失控，生活就是一連串的恐慌焦慮，微小的細節也能放大恐懼。面對情感，我們都有不得不的選擇，選擇隱藏或者不，都不會因為有了另一個身份就忘了自己，只是暫時藏起來了而已。即便成為了『母親』，也能是『歌手』，面對恐慌，原來我們都有！
首度與視覺藝術家登曼波、三金典禮視覺總監及金獎設計師方序中合作
以濃烈色彩營造絕對恐慌不安氛圍 打造看見/看不見視覺設計
與『視覺藝術家』登曼波首度合作，跳脫日常打造如夢似幻超現實空間場景，在充滿想像的視覺構圖裡，以濃烈色彩攪拌各式情感；力邀好友設計師方序中操刀專輯設計，以『躲起來的字』為主軸，找尋藏在圖文裡各種片段的waa。
魏如萱攜手音樂靈魂伴侶
韓立康 / 葛大為 / 黃韻玲 / 陳建騏 / 林以樂（斑斑）
李焯雄 / 李格弟 / 李睿哲 / 呂康惟 / 何山 / 伍家輝
打造新專輯10+1首詞*曲*詩句
掀開那些被藏著的自我 用音樂治療不安克服恐懼
選擇也許不在當下 而是在成為了之後
只要還能夠選擇的生活 都能成為美好

首波單曲《恐慌症》——解開靈魂 驚豔推薦——
〔藏著失序焦慮的自我〕
由深具個人色彩的新銳音樂人呂康惟創作，
在篇幅不長的簡短詞句裡，充滿自溺又尖銳的自我呢喃，
加上waa譜寫的短詩《晚間愛人》，以獨特的唸唱方式，
勾勒出一個像是層層夢境、充滿失序焦慮的空間，
讓人窒息無法逃脫。
第2波《Ophelia》——為愛瘋狂 熾烈推薦——
〔藏著愛情的真摯、瘋狂與悲哀〕
那個深陷愛情的溫柔女性，因為被拋棄背叛，
因而精神錯亂失足落水的悲劇角色，成為了『為愛瘋狂』的代名詞。
由魏如萱譜曲，李格弟填詞，加入詩人夏宇的短詩在詞句裡，
夏宇以親自獻聲唸詩的方式，為歌曲更增添了畫面感的戲劇張力。
第3波《彼個所在》——當人來人往 我最想念的還是你 想念推薦——
〔藏著我很想很想你〕
一首歌唱進了四種語言（閩南語、廣東話、英語、華語），
但要說的都是同一句話，就是「我想你」。

距離上一張專輯《末路狂花》三年後，魏如萱這位「新手媽媽」於2019年推出第六張新作《藏著並不等於遺忘》，試圖在初為人母、生活陷入歇斯底里的忙碌之時，尋回那些藏在内心深處，但從未被遗忘的自我。

一路走來，魏如萱的人生路總是精彩而多元。身兼多職的她，除了曾是雙人組合自然捲的主唱之外，在2007年起，更以個人身份開始發行專輯，並多次入圍金曲獎；同時，她也是一名電台主持、影視劇和音樂劇演員，活躍在各個領域之中，恣意揮灑才華。直到她升格為母親後，這種「多重身份」的人生，迎來了全新衝擊與挑戰：害怕無法再創作，以及逐漸迷失自我的多方夾擊，讓魏如萱帶著焦慮感，催生出這張新專輯。
她從現代生活恐慌、現實與夢想之間的掙扎，唱到愛情故事。或許是因母親身份，相比從前，魏如萱更加沉穩，溫情的情感流露其中，更有像〈兒歌》、〈陪著你〉這樣以溫情青寫的歌曲。
值得一提的是，專輯名《藏著並不等於遺忘》，源自安徒生童話故事集同名篇章，描述三位女子在不同時空之下，那些不為人知的希望和愛，其實一直都只是潛藏在內心一隅，並不代表遺忘。魏如萱也試圖透過音樂，尋找內心的真我：〈恐慌症〉以縹緲的唱腔與口白，表達無處安放的焦慮；〈Ophelia〉搭配夏宇的哈詩，描述《哈姆雷特》中的悲劇女子。她再次回到當年那個引經據典的文藝青年模樣——為電影末路狂花著迷、為雕刻家賈刻梅蒂寫歌———步步拾回過去那優雅和多愁善感的一面，印證了她如何在忙碌中透過音樂「找回」自己。

慢慢從母親身份做回創作歌手的她，依舊如以往一樣雀躍、充滿能量。攜手黃韻玲、陳建騏等優秀音樂人幕後製作，以及葛大為、夏宇的填詞，更讓整張專輯增添了一股戲劇張力。對魏如萱而言，《藏著並不等於遺忘》並不旨在呈現為人母的輕柔面，而是她口中「當媽媽後依然也可以很酷」、找回自我的最佳證明。

Planetarium is an album co-composed by four musicians: Bryce Dessner, James McAlister, Nico Muhly, and Sufjan Stevens. Flanked by a string quartet and a consort of seven trombones, this unique collaborative ensemble has assembled an expansive song cycle that explores the Sun, the Moon, the planets and other celestial bodies of our solar system (and beyond) through soundscape, song, science and myth.
The subject of the album is not just the wilderness of outer space, but the interior space of human consciousness and how it engages with divinity, depravity, society and self—what does it mean to be human? This existential question rings clear from the opening lyric: “What’s right and what’s wrong?” The 75 minutes of music that follow provide a complex thesis: to be human is to be a total mess. The result of this creative alliance is a musical and aesthetic journey as far-reaching as its subject: from lush piano ballads to prog-rock political anthems, curious electronic back-beats to classical cadenzas, the vast musical styles seek to explore the diversity and mystery of our cosmos.
Planetarium is a concept album that occasionally gives way to ambient interludes and majestic brass chorales, buttressed by a percussive drive that keeps the momentum skyward. In spite of all the experimentation in sound and style, Sufjan’s vocals provide a clear and coherent center of gravity. The album includes some of his most diverse vocal performances to date (from soft hush to guttural scream), and whether he’s singing through effects pedals, vocoders, auto-tune or not, his voice delivers an ambitious flight map through the cosmos.
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The project started when the Dutch concert hall Muziekgebouw Eindhoven commissioned Nico to create a new piece for their audience, and Nico immediately thought of his friends Bryce and Sufjan.
“I’d known Sufjan for years,” says Nico, “and Bryce and I had been in each other’s business” — but, says Bryce, “we’d never worked on something this ambitious together.” Each of the four brought their discrete and complementary strengths to the project. Nico’s experience with composing music for cathedral choirs and symphony orchestras provided the framework for the piece, while Bryce brought his own sense of composition and orchestral color.
“Of the three of us, Bryce is the most virtuosic at his instrument,” said Nico. A studied and accomplished classical musician, Bryce was also fluent in Nico’s unique musical language, and added a layer of rhythmic complexity to the songs.”
Sufjan became the driver behind the “song” part of the song cycle. (Bryce: “I think ‘seven trombones’ was enough to lure Sufjan into it.”) Sufjan also brought lyrics, and with them, the larger ideas around which Planetarium revolves: mythology and astrology, the ancient concept that stars and planets of the night sky represent gods, heroes and monsters. As the project evolved, the group expanded the idea to encompass science and astronomy.
Sufjan also introduced frequent collaborator James McAlister to Bryce and Nico, and James brought the beats—drums, percussion and electronic sequencing.
“Once James got involved,” says Sufjan, “he was like the glue.” Nico might compose a thunderous passage for the orchestra; Bryce might conceive of an elaborate guitar harmony; Sufjan would write the verses and refrains; and James’ beats and electronic textures would bind these disparate contributions into a continuous movement of music.
Nico describes the product of those early working sessions as something like a single manuscript, overwritten by many hands, with each individual contribution legible on the finished document.
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In addition to the collaboration among the four musicians, Planetarium also bears the marks of its long evolution from writing to live performance to recording.
“Fast, cheap and out of control,” says Sufjan of those early moments in their process together. It was a “feverish” period of creation, he says—literally; he fell ill just as they were preparing to present the project in its earliest version, and had to perform one of the songs as an instrumental because he had gotten too sick to finish writing the words.
The piece then evolved with sporadic but intense flashes of activity. For each performance, the band continued to fine-tune the cycle, adding new elements and refining or replacing the old.
The studio version took the iterative process forward by another leap. “We had recorded all the arrangements and the live parts in a studio after our last performance,” says Sufjan, “so years later when we all kind of settled down, we said, ‘Let’s open Pandora’s box.’”
James and Sufjan, who have worked together on all of Sufjan’s records since Illinois, inverted their usual process of adapting studio music into a live set. Along the way, Planetarium was “built up and torn down multiple times,” says Bryce.
“The record has a footprint of all the various timelines,” says Bryce, “you hear things from the very first jam sessions and you hear things from a month ago.”
But despite that initial frenetic energy, a year passed between the first performance of the project and the original recording, and then several more years passed before they finally set out to finish it. By that time the four friends were in different places, both literally and figuratively.
Bryce, who at the start of the project was Sufjan’s neighbor in Brooklyn, had released several albums of his own instrumental compositions and helped score last year’s Oscar-winning best picture The Revenant and then moved on to his new home in Paris.
Nico had taken a break from composing any electronic music whatsoever—instead creating hours of music for classical instruments and voices, including a new viola concerto, and a new commission—Marnie—for the Metropolitan Opera.
Sufjan had released Carrie & Lowell and, along with James, taken the album on tour.
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The band wasn’t the only thing that had changed since creating and recording the piece; the rest of the world had changed too. The album’s mythology and astrology underpinnings suddenly seemed less novel and more “prescient and relevant to the state of the world now,” says Sufjan, “As I kept listening to it, I felt this kind of utter terror and foreboding.”
“We’ve returned to the question of identity and humanity and human rights, and what does it mean to be a person in our world? What is our relationship to our world, and the environment?” says Sufjan, “What does it mean to believe in a divine being, and what does that divine being require of us?”
“That divine being,” says Sufjan, “is often inspired by the cosmos.”
Compared to “the unreachable, insurmountable, distant mystery of the universe,” says Sufjan, “all of a sudden it feels so small—it feels so claustrophobic, on planet earth. I see now why we look to the stars,” says Sufjan.

Sufjan Stevens的2004年新专辑《七天鹅》是一次对心灵版图上的‘生命、爱和信仰’主题的内省式的回归，它像天鹅一样宁静和谐优雅，这张专辑再次证明了Sufjan不但是一个对人类状况的沉思者，也是一个极具天赋的音乐家——优美的旋律、简单精致的配器，营造出一种超现实的静谧温馨的氛围。虽然它融入了作者真诚的宗教信仰（‘Abraham’、‘We Won't Need Legs to Stand’、‘He Woke Me Up Again’），但仍然流露出黑暗的一面，像‘A Good Man Is Hard to Find’一首以第一人称讲述的一个谋杀者的自白——一张献给心灵的专辑，需要静静的品味。

Yeah Yeah Yeahs’ Karen O has announced details of her debut solo album.
‘Crush Songs’ will be released on 9th September via Julian Casablancas’ label, Cult Records.
Featuring material, including home recordings, made back in 2006 and 2007, the record will also include Karen’s “own personal drawings, handwritten lyric and more”.
“When I was 27 I crushed a lot,” she says of the new record. “I wasn’t sure I’d ever fall in love again. These songs were written and recorded in private around this time. They are the soundtrack to what was an ever continuing love crusade. I hope they keep you company on yours.”
Casablancas adds “So excited, lucky and proud to be involved with such a classic album—I just wanna listen to it all day. Karen is an all-time great.”

Solid Flow 首张EP 。
如同乐队的名字——流动柔软又不失硬朗。
“我们必须做的事情是用语言和痛苦的精确去描述美的事物。”
乐队希望用这张真实、有点有趣的处女作取得猫咪和你的信任。

大橋トリオ的首张翻唱专辑

Carrie & Lowell sounds like memory: it spans decades yet does not trade on pastiche or nostalgia. Stevens's gauzy double-tracked vocals wash across the dashboard of long-finned, drop-top Americana, yet as we race towards the coast we are reminded that sunshine leads to shadow, for this is a landscape of terminal roads, unsteady bridges, traumatic video stores, and unhappy beds that provide the scenery for tales of jackknifed cars, funerals, and forgiveness for the dead. Each track in this collection of eleven songs begins with a fragile melody that gathers steam until it becomes nothing less than a modern hymn. Sufjan recounts the indignities of our world, of technological distraction and sad sex, of an age without neither myths nor miracle and this time around, his voice carries the burden of wisdom. Carrie & Lowell accomplishes the rare thing that any art should achieve, particularly in these noisy and fragmented days: By seeking to understand, Sufjan makes us feel less alone.

理想是彼岸花　盛开在奈何道路
我徒有年轻的皮囊　带上黄汤　身先士卒
要是我一去无返　请为我祭奠
请记得　理想有毒
多少生灵为了理想涂炭，为了理想安心上路。老王乐队的音乐是我手裡探路的油灯，用急行军的速感，引领我，并相伴我前进。
摘了理想的彼岸花。孟婆却要我忘了滚滚尘世，她对我说：「懂的笑就不会恨了。」订定游戏规则的既得利益者啊，怎么道出的话如此不合时宜，所以我故作潇洒地不喝孟婆汤，我愿含恨九泉。
我多想打道回府，却困滞於这阴曹地府。
卓别林说：「人生近看是悲剧，远观是喜剧。」可我不只近看还亵玩焉。
我读过最好的时代和最坏的时代，读过经济大萧条，读过垮掉的一代，我以为读过的都是青史留名，而青史已朽、逝者已矣，可我怎麼还在经历这些早该超生的革命，谁又跟我说着革命尚未成功，我以为的已然过去都成为了现世报。
真是好傻好天真。
「我才是垮掉的一代。」我嚎叫着，妄想和艾伦・金斯堡斗争这集合名词的诠释权。这世道太耽溺了，人们不断显微那些强说的苦难和风雨、自我造神成悲剧英雄。片酬22K。
：「枉了寒窗下受辛勤。」
：「反正还有西北风喝到饱，还不用一成服务费。」
老王乐队的音乐是如此入世的黑色幽默。有时代的明哂暗讽。有呻吟的伤春悲秋。像似一只讣闻，自溺地写给廉价青春断肠弔唁，却又自大地写给整个社会壮志明心。
谁说「生於忧患，死於安乐。」可谁不是忧患并安乐着。这样算不算生死未卜？悠悠我心。
老王乐队掬起整个世代的无能为力，豪爽地一饮而尽，在酒精裡顷刻遁逃。可是啊，尼古丁让人在当醉时清醒。这个时代是如此对立的，连享乐亦如是。所以载浮载沉於这凡人间，吟颂这凡人歌。
苦闷世代在声响上迸发的极光
肉身百年　顽抗　体制万年
PR值98的莘莘学子　写下　pH值2.0的醒世恆言
老王乐队首张EP【吾十有五而志於学】

《11》是一张Indie Rock风格的唱片，是“简约情人（Simplicity Lover) ”乐队在马小野时期的作品。
像一个随性而为的音乐游戏，这个时期的简约情人由乐队主唱、独立音乐人石小飞和音乐制作人高小放在2018年重新组建，贝斯手白涛，鼓手刘乾随后加入。石小飞把这个时期的乐队改名为“马小野-Pony Mischief”，意为“小马捣蛋鬼”。
这是一支仅存在了11个月的乐队，以时间为题，唱片被命名为《11》，记录下四个乐队成员这段音乐历程里的模样，也记录下一颗近乎疯狂偏执的心与一个单纯敏感灵魂的碰撞，怎样长成了一朵坚硬伤感的独立之花。
如同名字一样，“马小野”的音乐自由狂放、像个喜欢恶作剧又时常陷入忧伤的孩子。主唱兼词曲作者的石小飞，歌词充满人文关怀和诗性的美感，擅长用文字营造迷离感伤的意象，演唱细腻动人颓废性感。这张专辑的制作人、吉他手高小放，负责了整张唱片的大部分作曲、编曲工作。用个人卓越的创造力和音乐素养、丰富的音乐语言编织了一张情感之网，赋予了作品深陷其中不可自拔的力量，为这张唱片烙上了他的印记。
时代的脚步总是循环着前进，已经逝去的总在不经意时卷土重来。科技带来便捷和易得，也带来趋同。泥沙俱下里，我们的耳朵被各种时髦电子原素包围填饱，有时竟恍惚着辨不清来处。也许是马小野们太过叛逆，在这张唱片中，他们逆时代风潮而动，力求还原乐队这种形式的纯粹，偏要用最质朴的手法制造独树一帜的声音。于是特意选用了具有80-90年代感的乐器、音色和效果，并特别与美国Nashville的混音师Tim Craven合作，用传统的硬件混音方式，制造出磁带般复古的温暖质感，和这张集音乐性、深厚的情感、鲜明个性于一身的音乐专辑——《11》。

兩個素未謀面但調性相合的居家樂手，Edine (郭家嘉)原本打算自立獨當創作歌手，而另一位曾擔任The Pancakes樂手的Peter (潘智健)自小接受正統鋼琴訓練，亦彈得一手美妙的Bossanova吉他，在經朋友撮合下決定合組樂團。TMK清新討喜的童話式indie-pop，音樂就如同他們的名字一般，像柔細的軟糖，輕輕咬下去，滿口童真的香甜滋味，清新而且溫暖，充滿了稚嫩的年少情懷。

Blown in by Reykjavik’s icy winds and guided by the bewitching Northern Lights, Iceland’s own Bardi Johannsson announces the details of the long-awaited new Bang Gang album. Entitled “The Wolves Are Whispering” and out in the U.S. on May 19th, this album is Bang Gang’s first in over 7 years. The album features guest vocals by Helen Marnie (Ladytron), Keren Ann (Lady & Bird), Jofridur Akadottir (Samaris, Pascal Pinon) and Bloodgroup.
Though it’s been nearly a decade since the last Bang Gang record, Ghosts From The Past, the brooding Icelandic composer Bardi Johannsson has kept busy with multiple projects. His recent collaborations include the electro-pop duo Starwalker with Jean-Benoît Dunckel of Air and Lady and Bird with French songstress Keren Ann. Johannsson has also scored numerous films and documentaries including David Guy Levy’s Would You Rather (with Daniel Hunt), and the French success De Toutes Nos Forces, directed by Nils Tavernier.

经历了一年精心制作，林二汶的首张个专辑面世。 这张名为「林二汶．Eman Lam」的同名专辑，是二汶在十年音乐路上的第一张真正属于自己音乐的专辑，也是送给自己和歌迷们的一份礼物。 一直被定位在创作歌手的二汶，在这一张「林二汶．Eman Lam」 将主要以歌手身份出现，希望藉此与不同的创作人作品有所交会，磨练自己的声音。与以往二汶推出过的专辑不同之处是她选用了一些从未合作过的创作人的作品，从摸索中找出突破。当中包括蓝奕邦、冯颖琪、也有我的贝斯手CM、乐队领班及鼓手荒井壮一郎，而岑宁儿也和二汶合作创作了一首歌。
有了上佳的旋律，再来就是编曲。二汶说 :「我一直都给人感觉是一个很会唱和表演的歌手，但更多对我的评价是觉得我是一个现场演出比唱片里更有发挥的歌手。」为了突破这个局限，她先在开始制作这张专辑时特意先和乐手“the HUS band”一起整整一个月，以每天六小时不间断地重覆与“the HUS band”一起以improvised(实时创作)形式将这些旋律不断玩不断玩，定了一个感觉做好了编曲，之后就是找合适的作词人。 「我一直觉得歌词是一首歌曲的灵魂，所以我邀请了于逸尧、周耀辉、蓝奕邦、冯颖琪、当然还有阿哥林一峰，他们都是最懂我的人，唯有他们，才能做到“你手写我心”，才能让一首好作品水到渠成。」
因为和乐手们整整排练了一个月，每首歌都已经唱过一百次以上，所以二汶说不论在录音进行时或和乐手合作上都很纯熟很有默契 : 「这种做法其实在外国很流行，在香港则很少有歌手会做，因为制作成本实在太高了!! 但我很幸运得到通利琴行赞助了最理想的乐器和奥海城录音室给我们排练，这是一个很奢侈的梦想，很感谢她们的支持我才可以梦想成真。」
这张专辑是二汶自己的制作公司「Lam2」投资的唱片， 除了运用最佳的录音方法外，她更不惜工本把专辑寄到美国纽约Sterling Sound Studio做后期母带工作。专辑的第一派台主打歌「Wanna be」是一首首播前二汶和the HUS band 已经玩过超过一百次的作品，由冯颖琪作曲，冯颖琪/周耀辉填词，于逸尧、林二汶及荒井壮一郎任监制。其实, 专辑内每一首歌都是主打歌, 特别推荐两首由蓝奕邦作曲, 一首是由于逸尧作词的「惊人」,和周耀辉作词「玫瑰奴隶」。而二汶在九月十三至十六日更会在演艺学院赛马会演艺剧院举行演唱会, 将整张专辑的音乐以演唱会形式呈现，喜欢她的朋友要密切留意。

窦靖童首次献声动画电影《声之形》 推广曲《See you again》治愈来袭，淡淡的诉说她对影片的理解。歌曲延续了影片中“重遇”的精神内核，低吟浅唱，令人不禁思绪万千。歌曲开端随着飘渺的音乐,窦靖童的歌声自然代入,她细腻的唱腔以及投射在歌曲中若有若无的情感，完美呼应了影片中西宫硝子和少年石田将两人年少时的那段青春懵懂的岁月，有感伤、回忆，也有成长。一如歌词中“ if I could just have another chance，then maybe，I'll see you again”，所有青春期的挣扎与成长都尽在这简单的歌词中，戳中你内心中最柔软的部分，融化你的心。

SIGUR ROS在1994年成立于冰岛REYKJAIL，早年一行三人姿态的他们包括歌手兼吉他手JON TONR BIRGISSON、低音吉他手GEORG HOLM和鼓手AGUST OVAR GUNNARSON，乐队取名自JON 年幼妹妹的名字（SINGUR ROS即VICTORY ROSE之意）。三年后，乐队终于在SMEKKLEYSA这所冰岛独立厂牌旗下发表了第一张专辑《VON》。然后乐队设立了一名键盘手KJARTAN SVEINSSON，自此SIGUR ROS拓展成四人阵容，乐队随即展开第二张专辑《AGAETIS BYRJUN》的工作。唱片在99年6月于冰岛SMEKKLEYSA厂牌推出，这张专辑在冰岛稳站排行榜冠军达8个星期，乐队在冰岛的成功，且由于这张专辑的出色表现更是令他们受到英国独立厂牌FAT CAT之青睐、把他们罗致旗下，并横扫当年的英伦独立音乐圈，也称为当年最令人瞩目的优秀作品之一。2000年，AGUST的鼓手位置由ORRI PALL DYRASON代替，乐队亦于伦敦举行了他们的首场演唱会。2002年，乐队由FAT CAT公司推出了第三张专辑()。
我不能确定那是云中隐隐的雷声还是SIGUR ROS伤感而铿锵的鼓声，我好象回到了遥远而熟悉的时间和空间，远得仿佛手伸得再长也触碰不到边缘的土地。有风，暖的，冷的，就这样拂面而来。夹杂着一些干净的泥土，沙砾，打在你脸上，细微的疼痛感，稍瞬即逝。有些仿佛是婴儿的声音，轻轻地唱着，念着，无意识的，或者有意义的，都可以。女的，男的，分不清的。什么都有。杂合着那样的风，那样的气息，就像是冰岛的空气，就像有人说的那样，“在冰岛有风吹到，都会有想哭的感觉。到处弥漫的，是音乐的，无处不在的音乐的气息。”就像是这样的，冰冰冷冷，又惬意非常的感觉。当然，还有一种季节叫冬天，冬天一定会有雪，雪是飞舞的，无论是黑夜还是白昼。在雪的世界里，就算阳光温暖明媚，也无法融化它们的躯体，生命就像雪季的一个过程，开始，白色的雪花覆盖了我们幼稚的童年，我哭了，旷野中，精灵们好奇而无奈的看着我，和着我的哭泣和风声轻轻吟唱着，我听不懂这语言，我只感到这歌声高亢，这风声像大提琴的鸣奏。雪慢慢的又覆盖了我脆弱的青春，我还来不及向往和期盼，这时我的身体强壮，却无法摆脱身边的束缚，一切的努力好象都只是在挣扎，广袤的原野只有我和在我腰际无边的雪，突然间雪到了我的头顶，原来白发是这样染成的......我笑了，听着精灵们朦胧、萧条的吟唱，我继续的等待。这就是驻留在我心灵角落的SIGUR ROS，连噩梦都是这般的诗意。我们会迷失的，会迷失在梦里的，会迷失在过去和现在的。纪伯伦曾说，遗忘是选择自由的一种方式。听这SIGUR ROS的《AGAETIS BYRJUN》，也许是可以选择迷失在自由里的，也许是可以选择彻底地束缚自己的。
无论是从概念还是从感觉来说，来自冰岛的SIGUR ROS都代表着空灵简约的美学主义。八首无名的歌曲，一对()作为标题，一本无字的小书，这是SIGUR ROS的第三张专辑，它再一次把乐队的简约主义风格发挥到一个前所未有的新层面之上。正如SIGUR ROS所说的“每个人对这唱片里的音乐都会拥有完全的个性化体验与感知，对于每个人来说，唱片都是为他们个人而创作是独一无二的”，因此我们实在不需要把此唱片分为任何的歌曲，因为所有作品都是来得那么凄美动人，它们是为人类灵魂深处而存在的一系列配乐。TRACK-1缓慢凝重的前奏，高潮部分的凄厉假声将让人痛得彻骨，纯音乐作品TRACK-3在最简约的音符上描绘着无垠的宏大，纯正的电影质感，然而我想这需要怎样的一部电影才能表达这份感觉？而在这张专集中最为出色的是TRACK-4，空灵飘逸的吉他在神圣的鼓点声中延伸、渗透，JON TONR BIRGISSON的歌声再次响起，虽然始终重复着一句歌词，但是依然非常富有变化和感染力，一曲终了，总有意犹未尽之感。TRACK-6深具内聚力的演奏，好比PINK FLOYD鼓手NICK MASON来演奏的GOTHIC作品，歌曲也渐趋激情。在碟末TRACK-8内更展现出他凌厉的鼓技。而TRACK-6则让我隐约的感觉到大海，兰色和白色的世界，是悲伤之人的眼泪汇聚而成地方，因为它的味道也是咸的，我们无时无刻的，日以继夜的带着这种液体奔波着，只要生命存在，它们就有理由存在，因为它们是悲伤和快乐的载体。就算生命不在了，我们的泪水会合在一起，来自每一个村庄和城市，每一个清晨和黄昏。也许这就是殊途同归的最终体现。大海的边缘是和天空相接的。在每一个晴朗的日子，总有一些人在这无边无际的痛苦汪洋中快乐的戏水，俨然忘记了这是一个苦涩之源。()，简单的符号，却到底是什么意义？谁都有他的感觉和想法。我却无从理解。是圆满吗？残缺的圆满吗？或者是两个月亮？上弦月，遥对着下弦月？或者只是括号？包括了没有指定意义的括号？太多答案。甚至这已成为一个迷失的乐园。好像越扯越远了。只在回忆中感觉那样的音乐。因为无风，因为微冷，因为无声，因为疲惫。
全碟的歌词是一种混合英语及冰岛语的一种语文，被SIGUR ROS们自称为HOPELANDISH，所以很难听懂齐歌词的意思，但是这并不重要，JON TONR BIRGISSON犹如天籁的歌声本身就是一种乐器。
听POST ROCK需要一个条件，就是要对音乐有开放的心，如果你是一个“死硬派”乐迷可能你会觉的POST-ROCK只是一些乱来的东西，甚至是垃圾，这在乎你对音乐是否勇于尝试及接受。

关于专辑
《无尽美丽的事物》
作为昨夜派对（L.N.Party）的第二张专辑，于2020年正式发行。
整张专辑，错落在一种彷徨又确定的方向之中，表达了浪漫主义者内心深处的幻象。是希冀的，欢愉的，又是疏离的，冒险的。共八首曲目，以告别，美丽，年轻，疼痛为虚线，在上面描绘些飞舞的东西。由@赵二如一 作曲及编曲，@一只然 中文填词及文案创作，@候E_ 视觉设计，@赵二如一 与@AKIKO桃子 共同演唱。
在对专辑的定义上，一只然选择了“抒情”，并着重于人性闪烁的部分来描写。就像她对《无尽美丽的事物》的概述：“灵魂的野兽，意义在于找到属于它的牧者。就算，灰尘在来去如风的路上飞驰，你的航灯，在黑夜里凋谢。那你也是，曾亲吻过星辰的人啊。”
那你也是，曾亲吻过星辰的人啊。
命运挂在天色中，忽明忽暗，接纳缺失，敢于破碎，人最美丽之处，在于沉沦后的飞翔，失去后的重拾，在于孤立却不孤独，自由却不泛滥。专辑的最终，每首歌汇入鲜明的落日大道上，进行一场短暂又灿烂的情绪游行。
没错，你就当这是场“情绪游行”。

Clinging to a Scheme is the third album by The Radio Dept., released on April 21, 2010.
A promotional single, "Freddie and the Trojan Horse," was released on June 4, 2008 by Labrador Records, although the song does not appear on the album. The first single, "David," was released on June 23, 2009. The second single, "Heaven's on Fire," was released on April 1, 2010.