几天在整理CD时,发现了一张几年前买的CD,是一张X-JAPAN的纪念精选辑,"X JAPAN BEST~FAN'S SELECTION~"里面的歌是由歌迷票选最高的12歌!不禁让我想到这个伟大的乐团,也让我想到我最喜欢的HIDE......他已经死了......他们是日本视觉系的始祖,连LUNA SEA(月之海),GLAY等等据说都是他们带出来了的,其中LUNA SEA的吉他手SUGIZO和HIDE是很好的朋友,他们真的很强是日本最强的乐团,连日本首相小泉纯一郎也是他们的忠实歌迷,日本为了纪念他们,还曾办过一场X-JAPAN的万人电视演唱会,演唱会内容是以播放他们以前的演唱会实况![biggrin.gif]如果HIDE没有死..........[:@]另一位吉他手PATA,曾来参加过去年台湾的野台开唱........我自唸书时就收集了很多他们的CD和VCD,有最早期非常视觉系的,也又后期的,也包含了最后一场的告别眼唱会.........

Vanishing Vision是X乐队于1988年4月14日发行的第一张专辑，刚推出时只有TAPE，之后于9月份推出CD版，很纯的重金属专辑，发行后长期居于地下乐坛销量榜首位。直到现在，在日本的唱片店里还可以买到经数次再版的这张专辑。 X于1987年形成了稳定阵容，随后便展开了第一张专辑的制作，那时的X的第二核心是BASS手TAIJI，而不是后来的HIDE，整张专辑受TAIJI的影响也比较重，有三分之一的作品是TAIJI写的。TAIJI最擅长的是欧美重金属风格的作品，而VANISHING VISION的创作思想就是要给人以压倒性的沉重感，而TAIJI的第一曲DEAR LOSER就很出色的达成了这一目的，他在其他歌曲中的BASS演绎也是精彩绝伦。
出山 利三(Toshi) - Vocals
松本 秀人(Hide) - Guitar
石塚 智昭(Pata) - Guitar
沢田 泰司(Taiji) - Bass
林 佳樹(Yoshiki) - Drums, Keyboards, Piano

X JAPAN最后的Live.
1997年12月31日，东京巨蛋，5万人心碎，目送一支乐队的涅槃。

说起古典音乐，总感觉是一种严肃的东西，也是很难感受的一个世界。我自己虽是从5岁起就开始练习古典钢琴，但就和被迫去学堂的感觉一样。我对古典音乐本身真正感兴趣是从经常住院的小学生时代开始的。一、二年级时，躺在医院的病床上读一些作曲家的传记，读过贝多芬和舒伯特的传记，于是便怀揣着“这些人到底是怎样的一个生活方式呀”的好奇，购买了他们的专辑。
因此，重要的是契机吧。这和是否理解艺术的无关……那样的事跟本无所谓。只要简单地认为“真是好听的旋律”就行了。我自己听了古典音乐之后，受到了很大影响并学到了不少东西，这就是一个契机啊。不是很有意义的一件事吗？
根据最初的企划，这一次，挑选出了在X的乐曲和音乐会上被大家熟知的某些曲目，如果，接下来要再次推出的话，就要改变其中的布局，加入鼓和钢琴的元素。好想自由地做出充满更大可能性的ALBUM。
——YOSHIKI谈
“如果，可以使一个瞬间与自己全部的人生具有同等密度存在着的话，那这个瞬间就拥有了与永远对等的光辉和荣耀。”
YOSHIKI是这样说明自己的哲学——“瞬间美学”的。从瞬间到永远，甚至连时间流逝的意义都要追寻。热爱着那些跨越了数个世纪的古典音乐，YOSHIKI的这种精神理念，也许是再自然不过的事情了。这就是为什么在古典音乐家的作品中，那些被他们创造出来的跨越了瞬间流传到现在，至今仍在许多人的心中存活着的音符，能够作为“永远的存在”而不断持续着的原因。这张YOSHIKI自己亲手挑选的古典乐专辑，不仅包含了这样的意义，连YOSHIKI复杂广阔的人格精神性也一并蕴含在了其中。同时，更包含了YOSHIKI自己给予我们的意味深长的启示。以下，编者剪辑了一些YOSHIKI的评论，一面来对收录作品做个简单的介绍吧。
1、G小调小赋格
J·S·巴赫（1685～1750）
不必多说，这首曲子是成为创作“Rose of Pain”（收录在“Blue Blood”中）动机的中心思想，最近在X的音乐会上（“Violence In Jealousy”巡回演出），YOSHIKI在钢琴solo中演奏了这庄重与阴郁交错的曲子的一个段落。
“在读Elizabeth Bathori（匈牙利女伯爵，1560-1614）的故事时，脑海中就浮现出了这段旋律。于是，在创作这首曲子的时候，什么东西就很自然的和这旋律一起在脑海中鸣唱了。” YOSHIKI说。
巴赫毕生都是一名虔诚的路德教派信徒。在教会中担当风琴演奏师，创作并留下了许多弥撒曲和受难曲。感性的YOSHIKI敏锐地察觉到了巴赫的音乐中那描写18世纪当时基督教应有的“肃穆”与“残酷”，于是将这个灵感娴熟的融合在了“Rose of Pain”的创作中。
2、G小调叙事曲1号
F·F·肖邦（1810～1849）
“曲子后半段的杀气很重” YOSHIKI评价道。这首曲子是25岁的肖邦在抱病中第一次病发吐血后创作出来的作品。
用不断忍受着病痛折磨的肉体进行创作活动，这里不可避免地要提到YOSHIKI自己。不仅作为一个作曲家，同样也是一流的钢琴演奏师的肖邦，与既是作曲者又是演奏者的YOSHIKI之间重叠的部分还是很多的。YOSHIKI这样说道：
“因为是演奏者自己来完成所创作曲子的演奏，所以如果一旦认为只有自己才能演奏好这首曲子的话，便会自己演奏，弹奏是作为演奏者对其作品的追求就渐渐开始了。果然，我与肖邦产生共鸣的地方还是很多呀。”
将贵族般的华丽色彩与忧郁同时表现出来，追求钢琴音色的深意与超越了当时一般常识的演奏技法。肖邦将其短暂的一生都献给了钢琴。肖邦的人生，也许可以说成是YOSHIKI某一方面的凝缩吧！
3、最缓板
G·F·亨德尔（1685～1759）
在音乐会进行到一半的时候，手捧玫瑰花束的YOSHIKI为了弹奏钢琴solo而慢慢走向钢琴的那个过门时，流泄出来的背景音乐就是这首亨德尔的曲子。
亨德尔将其人生的大部分精力都花在了实现歌剧的普及与近代化所作的斗争上。换句话说，是为了改善身为作曲家及指挥者自身的艺术环境。举例来说就是，要想成为更好的艺术家，就必须以创业者和事业家这种生意人的身份与艺术创作时那完全不同性质的现实进行对抗。引用存在着相同矛盾的YOSHIKI说过的下面这段话：
“总觉得有什么地方很相似呢。但是，直面音乐时候的样子真的是很疯狂。姑且不说希望有人能理解，至少希望不受到他人的打搅。但是，单单只是为了能够这样，就不得不让大家用一般的常识—— “畅销”和“流行程度”来进行判断。因此，创作时才充满了疯狂，被现实的事情所羁绊真的是很讨厌的一件事。只是想要一个好的创作环境啊……”
4、G小调小提琴协奏曲
J·西贝柳斯（1865～1957）
“演变成了和想象中不一样的演奏，虽说冲击感稍有减弱，但是很喜欢小提琴的这种嘶哑般、近似于即将要崩溃的那种充满了紧张感的和弦。” 这首作品是立志成为年轻的小提琴家的西贝柳斯，为了自己熟知并且热爱的小提琴，历经多年修改编整最终完成的作品。相互摩擦的琴弦在即将爆发之时的状态下所形成的无比紧凑的紧张感，漂浮在压抑着的音调中的悲伤感，以及和弦的爆发感等，真是一种隐藏在表面下的疯狂的美感啊。这可以说是最能够鲜明体现深爱着这一切的YOSHIKI选曲意图和审美意识的作品。顺便再说一下，西贝柳斯是本专辑精选至现在的作曲家中唯一一位生活在20世纪的音乐家。
5、月光
L·V·贝多芬（1770～1827）
在X的音乐会上，当YOSHIKI即将进入壮绝的drum　solo之际被使用的这首曲子，是贝多芬献给邂逅的“一生最爱的女人”——Julia Guicciardi（女伯爵，1784-1856）的一部作品。
充满了无由来忧愁情绪和悲伤旋律的这第一乐章，在世界范围内流传甚广。
“这首曲子能增加紧张感呢。为了提高自己的紧张意识，在开始drum solo表演之前也用到了这首曲子。”
但是，贝多芬的这段恋情却无疾而终了。并且从那以后失聪的二重悲剧又接踵而来。这使贝多芬甚至想到了要自杀。但是，从绝望的深渊又重新站立起来的贝多芬，留下了这样一句名言“是艺术把我拉了回来”。
“无论是多么痛苦的事，都会被艺术所改变。这种痛苦也许也可以说成是一种快感吧……但是，这不也是为了自己而写的曲子吗？正因为是首能够治愈濒临绝望的自己的充满了力量的曲子，所以想要表达的东西不是就已经传达到了吗？”
在L.A.制作《Jealousy》时，回想起曾在过去多次触碰到“心灵的地狱”的YOSHIKI，所说的这番话是沉重的。
6、西西里乡村舞曲——降E调奏鸣曲
J·S·巴赫
“巴赫的曲子都是些主旋律，没有副旋律及伴奏。由旋律与旋律构成的曲子是划时代的构想，我的作曲中受它影响的部分也有很多。” 运用和声与对位法技巧的真髓，追寻巴赫在乐谱上留下的“构成手法”的痕迹。可以说YOSHIKI和巴赫有很多产生共鸣的地方。与此同时，这种不受约束的创作构思，也是以Deep Purple（深紫乐队）为首，还有其他许多艺术家将巴赫的曲子作为自己创作契机的原因所在吧。
7、克拉伊斯雷里安娜
R·A·舒曼（1810～1856）
这首曲子被称为是以德国浪漫主义为基础的舒曼所作的钢琴曲中的一部巅峰之作。也是舒曼赠予先前介绍过的音乐家——肖邦的一首曲子，作为回礼肖邦将收录在这张专辑中的可以称得上是“G小调叙事曲1号”的“续篇”——“G小调叙事曲2号”回赠给了舒曼。这就是YOSHIKI的感性吧：即使是从众多的选项中挑选，无意中也会选取相互间有某种联系的作品。这多半就是“直觉”之类的东西在起作用吧。
“即使是这样，也献上了很棒的曲子呢。听完之后便能清楚地了解到了，这是在最低靡的精神状态下所创作出来的曲子啊。”
正如YOSHIKI所言，当初的这首曲子，是舒曼写给与他虽然彼此相爱但又不得不分开的女性的（最终两人还是结合了）。曲子本身充满了这段悲恋给舒曼所带来的灰心丧气。是舒曼被朋友的死和内部纠纷以及各种各样来自外界的困难层层包围的时期里创作留下的作品。
“要是被赠予这么可怕的曲子，女人也会害怕的吧。这正是“Jealousy（猜忌）”。这首曲子是现在drum solo中最高潮的部分使用的背景音乐。”通过这46年绝不能算得上长的人生，舒曼将那些绘画般的，宇宙般广阔的艺术作品尽数留了下来。但舒曼的人生却还是受到了先端恐怖症、头晕、躁郁病、幻觉、无力状态、分裂症、听力障碍、发作性发狂等种种的疾病的困扰，过着被精神性发狂持续折磨的生活。这首曲子便暗示了舒曼壮绝的后半生。
8、沃尔塔瓦河
B·斯美塔纳
这首曲子是斯美塔纳从1874年开始持续了6年的创作才最终完成发表的由6首曲子构成的组曲—— “我的祖国”中最著名的一首。侵略、吞并和被大国摆布着命运的小国波西米亚（捷克斯洛伐克），在这个国家出生的斯美塔纳，有着强烈的民主主义精神和爱国心，并且，失去了听觉后，开始了对自己人生进行种种的思考……这一切全部都被倾注在了自己创作的曲子上，沃尔塔瓦河的两处发源地混合成了一条小河，不久又变成了大河，一边看着祖国各种各样的风景，最终汇合并注入到了易北河中，这首曲子充满诗情画意般的表现力，并且是以叙情诗的手法来谱写完成的。 “上高中的时候，在一次比赛中，我弹奏了这首曲子的钢琴伴奏部分，但是一直把这件事给忘记了，还是不久前被director津田先生这么一说“想让YOSHIKI听这首曲子呢，很像YOSHIKI的风格哦”才去听的，于是就突然想起了还有这么一回事。自然而然的就受到了它的影响。不过，是很棒的曲子哦！旋律中能感受到力量，很有共鸣呢。”
9、G弦上的咏叹
J·S·巴赫
正如从这一次的专辑光巴赫的曲子就选出了3首（这个最多的数字）来判断一样，YOSHIKI也说“要是被问到‘最喜欢的作曲家是谁？’的话，我现在一定会回答是‘巴赫’。”这首曲子是drum solo结束后，YOSHIKI在反复敲击铜钹时使用的背景音效。
“最初是想传达给大家drum　solo带来的感动才选用了这首曲子，但是我自己却先被感动了。drum　solo之后，无论是肉体上还是精神上都接近了支离破碎的状态，虽说是优美华丽的旋律，却没有包围自己，而是直刺向了我的内心……所以，在那样的状态下一听到这首曲子眼泪就流了出来。这不仅仅是简单的旋律而已，同时也蕴含着杀气。但是，真的不想让它作最后一首歌。就象X的Album――“Jealousy”里的歌曲排列一样，结束的时候还富含了余韵……”
和X的乐曲有关的就是这些，虽说都是多少给了YOSHIKI一些提示的东西，但是YOSHIKI决不会对大家说“好好的理解他们吧”这样的话，“即使无法理解或赞同也没有关系，听完之后就交给个人自己来判断吧” YOSHIKI采取了这样的态度。因此，听完了这张音乐精选合辑的人，会有什么感想都无所谓，况且也没有全部都要喜欢的必要。
YOSHIKI认为，听了这些启发自己精神性的东西的人，应自由地循着自己固有的感性，扩大想象的空间，能做到这个也是十分重要的事。已经膨胀丰满起来的形象，不正是连YOSHIKI本人都无法完全理解的无数精神模式中的一种“真实”的东西吗！
——羽積秀明　FOOLS’ MATE
尾声：
所谓音乐，就是声音啊，
仅仅是发出的鸣响，
它不需要任何的制约或被循规蹈矩所束缚，
何况艺术种类的壁垒这东西本身就无关紧要。
我听一切类型的音乐，古典乐、摇滚乐、朋克、爵士……等等
好听的曲子无论是什么种类的，只要好听就能触碰到心灵。
自己什么都喜欢，即使也许会被说成没有原则，那样也无所谓。
我只是纯粹地喜欢着音乐……

八音盒专辑

一直以為 X JAPAN 的歌曲會是很強勁，而且會像 Punk Rock 一般的嘈吵，可能是當年各成員的形象令我有這種想法，也或許是我對 J-Rock 的感覺，總是覺得樂隊的整體形象方面，始終有點令人難以接受，所以難免會有點偏見。
在一個偶然的機會下，第一次聽到 X JAPAN 的歌是〔The Last Song〕，由此改變了我對他們的看法，這時才了解到還是歌曲最重要。聽罷〔The Last Song〕之後，一直記掛著這首長十一分多鐘的抒情歌曲，於是就想找一張 Best Album 來聽，亦正是今期介紹的這垺睟ALLAD COLLECTION〕。
大碟實際上只收錄了九首作品，另加〔Forever Love〕的一個 Acoustic Version，Ballad 式的歌曲主要以旋律及編曲打動人心，這張大碟做到了以上兩點，雖然只得九首作品，但我肯定的說，每一首我都很喜愛，編曲方式大致上都是以 Orchestra為基礎， Yoshiki 寫這類型的歌曲可以說是上佳人選。 曲式的巧妙安排， 令每首作品大多在七至八分鐘以上， 而又不會覺得沒完沒了似的。 在著重鋼琴的編曲上， 打破了流行曲以 Keyboard 或 Guitar 作主導的局面，這樣的編曲方式間接令歌曲的耐聽度提升，因為每種樂器在歌曲內的不同部份都有主導的機會；再者，這些作品更是 Live 必定要唱的，肯定點說，就是 CD Track 跟 Live Version 都是一流的。
最喜愛的作品包括：〔Forever Love〕、〔Longing〕、〔Crucify My Love〕、〔Say Anything〕及〔The Last Song〕，幾首作品都是很自然的就跟著旋律哼，而且在間奏及轉調上都來得很精彩，不論是 Guitar Solo，還是鋼琴加少許 Percussion 所締造出來的效果都是一絕的，較為像流行曲般長度的〔Crucify My Love〕雖然可能跟其他幾首有點不同， 但其著重在鋼琴的簡單編曲， 依然是令人繞樑的； 另一喜愛的是〔Say Anything〕，因為記得只聽了一、兩次，便已經記得整首歌的旋律。
至於〔Unfinished〕則跟〔Crucify My Love〕有點相似，但卻把Rock及Orchestra結合在一起；而〔Tears〕則跟〔Say Anything〕都是旋律很上口的作品；全碟感覺上最不似 Ballad 的就是〔Alive〕，起初帶著點 Slow Rock 的感覺，但是中段的變奏可以說來得很搶耳，很有基督復活的感覺。
大碟收錄的相信都是 X JAPAN 的 Ballad 首選，而且大部份歌曲都是很動聽的一群，所以算得上是值得珍藏的一張唱片。