先说一下此曲的创作背景《1812序曲》是伟大的俄国音乐家柴可夫斯基在1880年创作的作品。是为了庆祝莫斯科救主基督大教堂的建成而写的。这所教堂曾经于1812年法俄战争时毁于战火。而柴可夫斯基的这首作品也用音乐的形式回眸了当年血与火的战争场景。《1812序曲》描述的是1812年发生的法俄战争。在十九世纪初，法国人的英雄拿破仑横扫欧洲大陆。在1812年，他把枪口瞄向了欧洲东面的庞然大物俄国。在当年的6月22日，他发动了对俄国的侵略战争。俄国人民奋起抵抗，在巴格拉季昂、库图佐夫等优秀将领的率领下，粉碎了法国人的进攻，使拿破仑的法兰西帝国走向衰亡。柴可夫斯基在作品中，对于战前俄国人民的平静生活、战争时双方激战的场面以及战后俄国人民庆祝胜利等场景都用音乐做了细致的刻画。
下面来说一下此张CD，柴可夫斯基的《1812序曲》是音乐、音响界的“斗气曲”，不断有新的版本、录音面世，TELARC、PHILIPS、MERCURY、DG等唱片公司出品的曲目都是发烧友津津乐道的录音杰作。这些唱片中有一张被称为“里程碑”的录音，即以MERCHRY PRESENCE发行的《1812序曲》和《威灵顿的胜利》，四十年来畅销不衰。当年的LP唱片销量超过了200万张，而如今它有成为广大音乐、音响爱好者新的收藏热点：LP唱片的录音版本经录音师的再次整理，发行激光唱片曲目包括柴可夫斯基《1812序曲》、《意大利随想曲》，以及贝多芬的《威灵顿的胜利》。
唱片采用当时的模拟录音母带制作，录音动用真枪真炮一齐开火。采用的大炮是从美国西点军校博物馆找到的拿破仑时代的法国大炮，这门大炮于1775年6月20日在法国杜埃制造，重3180磅。为了再现莫斯科的钟声，工作人员仔细研究了莫斯科钟声的音响，选用了劳拉·斯波尔曼·洛克菲勒纪念编钟，由大小74座钟组成，当中有一座世界上最重的低音钟重达40296磅。为了表现类似于莫斯科的钟声效果，工作人员又把编钟放置在瑞沃赛德教堂的钟楼上，把MERCURY三轨立体声录音的3支话筒分别高高的挂在钟楼上，左声道的话筒靠近低音钟，右声道的话筒靠近中音种，中间的话筒靠近高音钟，之后进行后期制作。再出激光唱片时，原版的三轨录音的音乐效果磁带再次合成，使欣赏者能够充分领略到音乐、炮声与钟声一起鸣响所产生的空间感。
《1812序曲》录制于1958年4月5日，录音地点是明尼苏达州诺斯罗普大会堂。其中劳拉·斯波尔曼·洛克菲勒编钟录制于1958年5月10日，加农炮录制于1958年7月10日，地点是西点军校。《意大利随想曲》录制于1955年12月22日。《威灵顿的胜利》录制于1960年6月9日，地点是伦敦城外温伯利城音乐厅，枪炮声录制于1960年8月20日，地点是西点军校。
枪炮声的录音可以说是非常棘手，整个过程都在室外。首先要保证在录音时话筒别被子弹击中，其次是话筒拾音头的长度位置，在录制钟声的时候话筒在20米的高空。还有就是必须把握录音的机会必须一次成功，因为博物馆收藏的大炮已经一个多世纪填入过炮弹了，火药是军校的专家专门调制的。
录音的最大难题是声音效果的混音，这在技术上相当有难度。只从技术上来说，《1812序曲》还比价容易，只有16声炮声和两组钟声但《威灵顿的胜利》则不同，里面有194声炮击和25处枪的连发，要求非常准确地出现在某一小节段落。贝多芬甚至在乐谱上作出了标注。
《1812序曲》MERCURY的CD版本总体上来说，曲目并不新，搭配也是老套路发行目的有赚钱之嫌。但此唱片最大的成功，主要是乐曲的演绎。在众多的类似的的录音版本中此版CD的音乐特点比较突出，在乐曲的处理手法上多拉第与其他著名指挥家也不同，且多拉第也是听过指挥这几部作品的录音后被人们广为接受。
归结起来这张唱片有以下特点。
1 曲目搭配得当。
2 录音相当出色，当年的LP唱片发行量超过200万张，所以此录音版本值得收藏。
3 演奏中的“音乐味”突出。
4 曲目时间略短。
5 迪姆斯·泰勒在唱片中近20分钟有关录音的英文讲解对普通听众没有意义，但对于有兴趣的发烧友和专业人士或许有益。

Performance 1951, digitally remastered 1997.

本专辑是传奇指挥家卡洛斯·克莱伯到目前为止，唯一指挥贝六的录音版本。这个录音由由巴伐利亚国家交响乐团演奏，是1983年11月7日在巴伐利亚国家歌剧院的演出实况。该版本原母带是巴伐利亚乐团所有现场录音档案中，唯一一张因尘封太久导致母带受损而迟迟无法面世的录音。所幸的是小克莱伯之子尚保留此受损母带之备份，经过录音工程师仔细地调校后才得以将此失落近20年的传奇版本重现。(摘自美丽元素)

貝多芬《A大調第7號交響曲，Op92》完成於1812年晚春，他寫曲時手法翻新，四個樂章均由舞蹈節奏主導，嚴格來說並沒有真正的慢板樂章，因此華格納認為此曲乃「舞蹈的神化」，而貝多芬則自述：「音樂有如醇酒，使我得到朝向生產過程的靈感。我就像酒神，為人類提鍊榮耀之酒，使他們得到精神的醉意！」。
既傳奇又神祕的指揮巨擘卡洛斯．克萊伯（1930-2004），他指揮之時有如酒神戴歐尼索斯附身，讓樂團或歌者深信別人都不對，只有他最正確，充滿無與倫比的魅力。此外，他又是完美主義者，唱片錄音和現場音樂會都極為鮮少，所以任何一個現場音樂會實況錄音的出現，均被內行鑑賞家視若珍寶。
本片取自1982年5月3日慕尼黑國家劇院演出實況，克萊伯的節奏動量生龍活虎，光輝燦爛質感豐富的高潮就像白熱化電流，不愧是目眩神迷的偉大演奏。採用超級音響SACD發燒模式上市，逼真臨場感更加令人顫慄不已！
1982年5月3日，克萊伯在慕尼黑國家劇院指揮巴伐利亞國家管弦樂團舉行「追悼卡爾‧貝姆的音樂會」。演奏曲目是貝多芬的交響曲第4號與第7號。這次音樂會獲得極大成功，許多著名的評論家都給他極高的評價。
兩首交響曲中，前半的第4號為了籌募「整修Prinzregenten劇場基金」而由Orfeo唱片發行LP唱片，並衝擊全世界的古典樂迷。其演奏併有不知止境的狂熱而猛烈的速度感，與仔細表現細部而獲得的多彩又細膩的情緒，自由操縱緊張與解放，使此曲達到未曾有過的熱度，因而被認為是稀有的名演，並說是天才卡洛斯．克萊伯把他的才能表現得最淋漓盡致的名唱片。這張LP後來翻製為CD，並成為眾多CD唱片中，屈指可數的大暢銷CD。
樂迷們當然期待音樂會後半的第7號也製成CD發行。但是碰到自認是得了「發行唱片恐懼症」的克萊伯，實在沒有什麼希望看到第7號CD上市。第4號的CD是例外，因為那是籌募「基金」所需。
現在樂迷們有福了。Orfeo唱片終於發行第7號的CD。這是與超級名演第4號同一次音樂會的錄音，因此其氣氛當然與第4號相同。其演奏只能說是強烈。試聽第3樂章急板，那突突逼人的氣勢，聽得使人喘不過氣。克萊伯表現毫不含糊而強烈嚴峻的音響，給各音部雄辯角色的魔術，只有長期合作的夥伴巴伐利亞國家管弦樂團，才能把音樂提升到這麼驚人的境界。在這裡，管弦樂團成為有機的整體，在終樂章，已像是一隻身段柔軟的野獸，跳躍猛進。
那一場音樂會的在場聽眾，一定是聽得發呆了。因此樂曲結束後忘了拍手。先是零零落落的掌聲，等到聽眾醒過來，就是一陣狂風似的歡呼聲，聽眾以所能做到的最極限的歡呼，來讚美這位天才。
錄音甚佳。更直得一提的是這張CD以普通CD與SACD兩種方式製造，因此除可以使用一般CD播放機聽到清晰的聲音，如使用SACD播放機，那就會聽到從未聽過的臨場感十足的交響曲錄音。

《幻想曲》是迪斯尼最具艺术性的一部作品，也是迪斯尼到目前为止重映次数最多的一部经典动画片，它还是电影史上最早的立体声电影，当年，沃特.迪斯尼对这部影片的宣传重点就是标榜它是一部可以“听”动画、“看”古典音乐的作品。
从对少年儿童甚至成年人的古典音乐普及教育角度上来看，动画片《幻想曲》所起的作用无疑是积极巨大的，但世界音乐界和欧洲电影评论界却站在维护古典音乐内涵的神圣与纯洁的立场上，批评《幻想曲》图解音乐、简化古典音乐的内涵，是“大逆不道”的。
米老鼠被淹过膝盖的大水惊醒，他发现，扫帚人仍然永无休止地往早已灌满的水缸里倒着水，整个屋子已经成了水的世界。
水越积越多，米老鼠不知道解咒的咒语，情急之下，抓起斧头往扫把身上一阵猛砍。在一声和弦后，全曲顿失力量，像是暴风雨前的宁静。
没多久，所有的小碎屑都渐渐苏醒过来，扫帚居然分身了，变成了一个个小扫帚，全都更奋力地打起水来。小提琴、低音管、倍低音管、竖笛争相吹出主题，法国号、短号也来凑热闹，音乐达到前所未有的张力。水越积越多，米老鼠知道自己闯了大祸，慌乱极了。
在米老鼠的出色表演下，《魔法师的弟子》成为《幻想曲》中最讨人喜爱的篇章，米老鼠那身穿红袍子的小魔法师的造型更是成为60多年来迪斯尼最着名的代表性标记之一。
1940年，指挥家斯托科夫斯基和制片人迪斯尼由于他们在《幻想曲》音乐创意与制作方面丰富的想象力以及录音技术方面的突破性成绩分别荣获了奥斯卡特别荣誉奖；１９９８年，《幻想曲》被美国电影协会选为20世纪美国百部经典名片之一；2000年，迪斯尼推出了全新版本的"幻想曲2000"，用更加精彩的动画和音乐使人们快乐地跨入新千年，而延续并珍藏保留下来的，仍然是米老鼠扮演的这个滑稽可爱的小小魔法师。
米老鼠的师傅终于出现，沉重的铜管乐器中，魔法大师解除魔咒，乐曲回到与序曲相同的缓慢拍子，水势嘎然而止。
与其他的众多魔法师相比，米老鼠这个小小魔法师的故事不免显得有些单薄，米老鼠就象是生活在我们身边的一个平凡普通不起眼的小孩子，他的全部使命就是令人们开心，使观众发笑。然而，正是这个顽皮淘气、不自量力，粗心急躁、蹩脚惹祸、满脸稚气的小小魔法师，在半个多世纪的时间里，以自己那虽不完美却纯真可爱的独特性格，感染了一代又一代的观众，带给人们一种纯粹而又简单的快乐。

The Op. 42 Notturno for viola and piano is an arrangement of the 1796-97 Serenade in D, Op. 8, which was scored for violin, viola and cello. But it was not the composer who reduced it to piano and viola here. F. X. Kleinheinz did the arrangement and presented it to Beethoven, who corrected it and approved it for publication in 1804. In the same year Kleinheinz also fashioned an arrangement of Beethoven's Op. 25 Serenade for flute (or violin) and piano, with the composer once more making emendations he deemed necessary for publication, at which time he assigned the opus number 41. There were other instances where Beethoven allowed another hand to transcribe his music: the Op. 104 String Quintet (1817) was an arrangement (now attributed to Kaufmann) of the Op. 1 Trio, No. 3, and the Op. 64 Sonata for Cello and Piano was an arrangement by an unknown party of the Op. 3 String Trio. And there are more such instances.
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Felix Mendelssohn composed three violin sonatas (two of which have only in the last 50 years been re-discovered and published) and, as he moved toward and into his thirties, a pair of cello sonatas. Three-quarters of the members of a standard string quartet are thus satisfied; and the other quarter will quickly tell you that Mendelssohn also, in fact, satisfied, or at least tried to satisfy, them -- for in 1824 he composed something most remarkable for the time: a Sonata for viola and piano in C minor.
Mendelssohn's Viola Sonata is not actually unique for its day -- other composers had applied, were applying, and would apply the instrument to the genre. But still there certainly aren't many Classical or early-Romantic viola sonatas. The sonata is by date early Mendelssohn; Mendelssohn was 15 when he signed his name to the piece on February 14, 1824 (he was in fact just a week and a half past his 15th birthday). There is, however, nothing juvenile about the music it contains, and if in his adulthood he wrote superior music, that is a comment not regarding the Viola Sonata's shortcomings, but rather Mendelssohn's own outstanding -- if not always fully used -- gifts.
The composer was himself a keen violinist and violist in his youth (it is well-known that he played one of the viola parts in an early performance of his Octet in E flat), and he clearly understands all of the difficulties that come hand-in-hand with composing for viola. He is sure to keep the piano writing transparent and lean so that the viola and its musically unwieldy register can shine through at any moment.
There are three movements. 1. Adagio -- Allegro, in the usual sonata-allegro form; 2. Menuetto (Allegro molto), with a slightly slower, chorale-like trio section; and 3. Andante con Variazioni, in which the violist occasionally drops out so that the pianist might let loose a bit and draw some thicker, more opaque sounds from the instrument.
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Robert Schumann's little-known Märchenbilder (Fairytale Pictures) for viola and piano (alternately for violin and piano, by the composer's own indication) were composed during March of 1851, during his brief and relatively unhappy tenure as conductor at Düsseldorf. Chronologically, these four fantasy pieces occupy the space between the two sonatas for violin and piano, though they can hardly be said to inhabit the same emotionally conflicted world. Instead, they draw the listener into that same glistening world of fantasy and childlike imagination that, many years earlier, drew from him some of the most beloved piano music in the repertory. However, twenty years of further experience and the first signs of approaching madness grant to these seemingly simple portraits an almost desperate sense of escapism lacking in the earlier piano works.
The first of the four Märchenbilder, marked Nicht schnell (Not fast), features a somber melody in D minor that recurs throughout the piece in a variety of guises. Lebhaft (spirited), which follows, is a kind of truncated rondo that contrasts its main, exuberant, theme with two much gentler digressions, while pitting the violin and piano against one another in friendly competition. Rasch (swift or brisk), a vehement moto perpetuo, follows. A secondary motive, announced by the piano in the fifth bar of the piece, is of rhythmic interest and considerable importance. The final piece of the group is set in the traditionally happy key of D major, but is nevertheless marked Langsam, mit melancholischem Ausdruck (Slowly, with melancholy expression). Its sonorous texture seems to presage the Adagio of Johannes Brahms' D minor violin sonata.

《必备的贝多芬第九交响曲合唱爱格蒙特序曲》“贝九”乃交响乐的巅峰作品之一，《爱格蒙特》序曲则是贝多芬最成功的序曲。指挥奇才费伦茨·弗里乔伊与柏林爱乐珍稀合作，重现贝多芬伟大作品中的精神火花，录音版本中的稀世珍宝！ 柏林爱乐于DG的第一张立体声录音唱片，DG二战后首张以黄色商标发行的立体声录音唱片！推荐曲目——“爱格蒙特”序曲、“D 小调第九“合唱”交响曲”第四乐章。“D小调第九“合唱”交响曲”是贝多芬具有深邃思想、宏伟构思、富有哲理性的宏篇巨著,是所有交响曲中的最高成就。2002年，联合国教科文组织将这首伟大的交响曲列为人类文化遗产。“爱格蒙特”序曲是贝多芬于1809-1810年为同时代诗人哥德的一个历史悲剧“爱格蒙特”所创作的序曲及戏剧配乐，剧中的佛兰德贵族爱格蒙特反抗西班牙的暴力统治，于1567年被斩首。其序曲成为受欢迎的音乐会曲目，后经常单独上演。



颇具传奇色彩的匈牙利指挥大师弗里乔伊指挥柏林爱乐乐团在1958年录制的这张贝多芬的“爱格蒙特”序曲和“第九“合唱”交响曲”是比卡拉扬的1960年代版《贝多芬交响曲全集》更早的DG立体声录音，亦是柏林爱乐乐团在DG公司的第一张立体声录音，更是DG唱片公司在二战后首张以“黄色商标”发行的立体声录音唱片，此版唱片在1992年曾经以“档案”系列再版发行。由于弗里乔伊的录音作品弥足珍贵，这两首贝多芬重头作品的录音更是其中翘楚。弗里乔伊是20世纪最伟大的匈牙利指挥家，他指挥柏林爱乐的诠释的第九交响曲完全摒弃了德国乐团常有的缺点，将这首宏大的作品处理得波澜壮阔，注入了理性的思考与浪漫的激情，惊心策动了高潮迭起的气势，处处闪烁着“人类精神的火花”。而费舍尔-迪斯考、泽弗里德，黑弗里格三人则构成了弗里乔伊合唱阵容的中流砥柱，精彩的演唱、特别是合唱进入前的一段男中音引子宣叙调，著名歌唱家费舍尔-迪斯考的气魄使人为之一振。

LUDWIG VAN BEETHOVEN 路德维希·范·贝多芬（1770-1827）
Overture "Egmont" Op.84 《爱格蒙特》序曲作品84号 8:58
01 Sostenuto ma non troppo-Allegro 不过分的绵延-快板
Symphony No.9 in D Minor Op.125 D小调第九交响曲 作品125号 68:24
02 Ⅰ.Allegro ma non troppo,un poco maestoso 第一乐章：快板，但不太快，稍庄严的 16:42
03 Ⅱ.Molto vivace 第二乐章：十分活泼的 10:31
04 Ⅲ.Adagio molto e cantabile 第三乐章：如歌而很慢的柔板 18:00
05 Ⅳ.Presto- 第四乐章：急板- 06:13
06 Presto-"O Freunde,nicht diese tone!"-Allegro assai 急板-“啊，朋友，不要这种声音”-很快的快板 16:58
(末乐章的合唱选自席勒《欢乐颂》)
女高音：伊姆格莱德·泽弗里德
女中音：莫琳·福里斯特
男高音：恩斯特·黑夫林格
男中音:迪特里希·费舍尔-迪斯考
合唱指挥：卡尔·福里斯特
圣赫德维格大教堂合唱团演唱
指挥：弗里乔伊/柏林爱乐乐团

CD

昨年おおいに話題になったアニメ「エヴァ」中のクラシック曲を新日本フィルでライブ録音。マニアには曲間MCを担当する主要声優のトークが重要かもしれないが,やはりベートーヴェン・第九のダイナミズム,カノンの美しい旋律を堪能してほしい好録音盤。

《贝多芬"英雄"舒伯特"未完成"》《第三“英雄”交响曲》是一部伟大的作品，到处洋溢着战斗的气息和自由的理念，是贝多芬留给后人的最宝贵的精神财富。乐曲本来要呈献给拿破仑，却因拿破仑即位称帝，贝多芬便愤而改了原题为“献给拿破仑·波拿巴”的题词，重写了“为纪念一位伟大的人物而写的英雄交响曲”的扉页。
通常被人们称为“未完成交响曲”的《第八交响曲》，不仅是舒伯特交响曲中最杰出的作品，也是浪漫主义音乐的绝世佳作。独特的作曲手法是它成为世界上最受欢迎的交响曲之一的重要原因。
德奥传统指挥大师旺德领衔北德广播交响乐团和柏林爱乐乐团为这两部伟大作品做出了经典的诠释，他们的演奏沉稳流畅，使这张唱片成为当今最富德国厚重音色的唯一名演名版，也成为《日本唱片艺术》特选版本。
●贝多芬“为纪念一位伟大的人物而写的英雄交响曲”和舒伯特完美无缺的“未完成”交响曲
●当今最富德国厚重音色的唯一版本，绝对睥睨现有任何版本
音乐史上两部伟大交响曲 《日本唱片艺术》特选。北德广播交响乐团 柏林爱乐乐团／君特·旺德 指挥。

《贝多芬第九"合唱"交响曲》被认为是超越卡拉扬版本的经典演绎。德奥老牌指挥家君特?旺德是二十世纪第一位指挥时动用作曲者原手稿、以追求音乐原貌的指挥家，他于1985到1988年间指挥录制了贝多芬交响曲全集全套录音。
由于旺德忠于贝多芬原谱的指挥特性，再加上RCA以24Bit/96khz的先进技术转录，因此在众多贝多芬交响曲全集版本中，唯独旺德的这份录音获得最权威的英国《企鹅唱片指南》三星带花最高评鉴，而这份录音也成为旺德毕生七十年指挥艺术的终极代表作。
本唱片中伟大的第九交响曲便是选自这份贝多芬交响曲全集全套录音，令人惊喜的是，不同于卡拉扬版本的耀眼，不同于加德纳版本的锋利，旺德在本唱片中成功地演绎出了第九交响曲的“天然去雕饰”，因此被认可为超越卡拉扬版本的经典演绎。
●君特·旺德领衔德奥经典老牌乐团北德广播交响乐团及其合唱团、汉堡国家歌剧院合唱团及著名歌唱家文斯、哈特维西、莱维斯、赫尔曼热情演绎
●24Bit-96khz顶级录音品质
●古典乐迷必备发烧名盘
《企鹅唱片指南》三星带花最高评鉴 《日本唱片艺术》推荐。北德广播交响乐团／君特·旺德 指挥。