《隋唐五代工艺美术史》内容简介：隋唐五代的历史大约400年，其核心是唐。这不仅因为有唐一代时间居中，且绵延近300年。更重要的是，从工艺美术考察，唐代的成就最辉煌、影响更深远，而隋可视为唐前期的酝酿，五代该看作唐后期的延续。因此，《隋唐五代工艺美术史》的讨论将以唐代为中心。
所谓唐前期是指初唐和盛唐，唐后期则指中唐和晚唐。风云变幻的大唐史事历来引人关注，为做出更加细致地解说，将唐代分为初、盛、中、晚已成史家通例，不过，如何界说却因关注对象的区别、认识评价的差异而人言人殊。前期，所指为隋和初唐、盛唐，后期，所指为中唐、晚唐和五代。
同前期与后期的工艺美术差异相比，初唐与盛唐、中唐与晚唐的区别无疑有些模糊，不过，依然可以辨识。它们的划分均以君王统治的起讫为界断，主流工艺美术也是封建政治的物质体现，而君王则是封建政治的代表，他们的好恶总要左右工艺美术的走向。至于《隋唐五代工艺美术史》选择的两位君王，对工艺美术，都有作为。武后临朝是盛唐的开端，武氏革命，雷厉风行，在那众多的改易中，也包含了服色、绣文等重要的工艺美术内容，并且，还有天枢、九鼎等令人瞠目的特大型的工艺造作。文宗践阼是晚唐的启始，这位受制于宦官的短命天子虽乏帝王之威，却慕帝王之道，其崇俭抑奢、改易品官常服花纹等种种举措也令工艺美术的面貌多少改观。

本书作者迈克尔•诺斯（Michael North）是德国著名历史学家，本书共分七大部分——荷兰绘画的历史阐释、荷兰的经济状况分析、荷兰的社会状况分析、艺术家出身及社会地位、赞助制度与艺术品市场、艺术品收藏与收藏家、结论。书中通过检视艺术家的社会出身勾勒出荷兰的画家培训体制，以及它如何促进了艺术市场的繁荣。而对市民财产目录清单的研究，也能够帮助我们了解当时荷兰画家与收藏家之间的生动纽带。作者还详细分析了荷兰各主要城市的艺术家阶层及其社会流动性，并围绕相关论题描述了发生在画家、手工艺者、商人、消费者和收藏家身上的精彩故事。本书的译介出版，可以更好地促进将中国路径和全球视野结合起来，深度介入西方艺术史研究，提升文化软实力、学术话语权以及影响力，并且为中国当代艺术创作与艺术市场发展提供有益的启示。
编辑推荐：
本书从艺术社会学即审美经济学的视角，综合运用宏观社会学、微观社会学、经济学等研究方法来考察“现代性的完成”的重要产物——黄金时代的荷兰绘画及其接受史。推重全球化商业贸易的荷兰共和国，在黄金时代的国际经济体系中树立了足够的威信，也促进了其艺术创作的繁荣。同时，荷兰近代化城镇的快速发展，促进了大众审美品位的变化。荷兰画家为了适应新的市场，竞相创新艺术生产与传播方式来契合社会大众的消费心理。各产业部门的效益增长，使得艺术品需求不断上升。当时处于中低阶层的人如果缺乏足够的金钱通过联姻来达成社会进阶，也可以选择加入远洋舰队或者从事艺术行当来白手起家。经济部门和金融机构的发达，为艺术产业提供了良好的环境。阅读本书，可以在亲密接触荷兰黄金时代社会万象的同时，了悟惬意的世俗生活即是幸福的审美生活。
德国《历史杂志》（Historische Zeitschrift）：
虽然西蒙 ·沙玛（哥伦比亚大学艺术史学者、英国历史学家、BBC纪录片《文明的轨迹2》主讲人、《纽约客》文艺评论员、《金融时报》特约编辑）的畅销书《财富的窘境——黄金时代荷兰文明的一种解释》（1987），以及斯维特兰娜 ·阿尔珀斯（加州大学伯克利分校艺术史系教授、欧美新艺术史学者）那部雄心勃勃之作《描述的艺术——十七世纪的荷兰绘画》（1983），已经成功地激起了我们对于荷兰文化史的好奇心。但是对于今天有志于从事艺术实践或者钻研艺术史的师生来说，迈克尔 ·诺斯的这部《荷兰黄金时代的艺术与商业》仍然具有极大的诱惑力，我敢肯定它将吸引无数的读者一睹为快。

In the eleventh century, the focus of Chinese painting shifted dramatically. The subject matter of most earlier works of art was drawn from a broadly shared heritage of political, religious, and literary themes. Late in the century, however, a group of scholar-artists began to make paintings that reflected the private experiences of their own lives. Robert Harrist argues here that no work illuminates this development more vividly than Mountain Villa, a handscroll by the renowned artist Li Gonglin (ca. 1041-1106). Through a detailed reading of the painting and an analysis of its place in the visual culture of Li's time, the author offers a new explanation for the emergence of autobiographic content in Chinese art.
Harrist proposes that the subject of Li's painting--his garden in the Longmian Mountains--was itself a form of self-representation, since a garden was then considered a reflection of its owner's character and values. He demonstrates also that Li's turn toward the imagery of private life was inspired by the conventions of Chinese lyric poetry, in which poets recorded and responded to the experiences of their lives.
The book draws the reader into the artistic, scholarly, and political world of Li Gonglin and shows the profound influence of Buddhism on Chinese painting and poetry. It offers important insights not just into Chinese art, but also into Chinese literature and intellectual history.

Ink landscape painting is a distinctive feature of the Northern Song, and painters of this era produced some of the most celebrated artworks in Chinese history. The Efficacious Landscape addresses how landmark works of this pivotal period first came to be identified as potent symbols of imperial authority and later became objects through which exiled scholars expressed disaffection and dissent. In fulfilling these diverse roles, landscape demonstrated its efficacy in communicating through embodiment and in transcending the limitations of the concrete.
Building on decades of monographic writings on Song painting, this carefully researched study presents a syncretic vision of how ink landscape evolved within the eleventh-century court community of artists, scholars, and aristocrats. Detailed visual analyses of surviving works and new insight about key landscapes by the court painter Guo Xi support the perspective put forward here and introduce original methodologies for interpreting painting as an integral element of political and cultural history. By focusing on the efforts of emperors, empresses, and eunuchs to cultivate ink landscape and its iconography, this investigation also tackles the social and class dichotomies that have long defined and frustrated existing scholarship on this period’s paintings, highlighting instead the interconnectedness of painting practice’s elite modalities.

本书收入了十五篇文章，讨论了自商周以迄宋元的青铜、钢铁、金银、陶瓷、石刻、漆画等类古文物的一些具体问题。而它们或多或少都和东西文化交流有点关连。笔者研究的出发点本是探讨我国出土文物的性质，但有时被其中所饮食的外来因素所吸引，而随着若干诱人的细节，追踪到一片陌生的天地中去。。。

本书初版于1925年，为西方中国艺术史研究巨擘喜仁龙的名作，直至今天仍被西方学者奉为研究中国古代雕塑的“圣经”。文字部分主要介绍了5—14世纪中国雕塑的历史演变，以及各个时期的艺术特征和代表作品。图录部分近千张图片按照时间和省份编排，既集中展示了同一时期不同地域雕塑的艺术特征，又呈现了不同时期同一地域的风格演变。这些海外博物馆、美术馆以及古董商、私人收藏家珍藏的中国文物，相当一部分已经下落不明，更有一些名胜古迹和文物珍藏屡遭劫难，今已绝迹世间，足见本书之珍贵。

Chinese workers in the third century b.c. created seven thousand life-sized terracotta soldiers to guard the tomb of the First Emperor. In the eleventh century a.d., Chinese builders constructed a pagoda from as many as thirty thousand separately carved wooden pieces. In the seventeenth and eighteenth centuries, China exported more than a hundred million pieces of porcelain to the West. As these examples show, the Chinese throughout history have produced works of art in astonishing quantities - and have done so without sacrificing quality, affordability, or speed of manufacture. How have they managed this? Lothar Ledderose takes us on a remarkable tour of Chinese art and culture to explain how artists used complex systems of mass production to assemble extraordinary objects from standardized parts or modules. As he reveals, these systems have deep roots in Chinese thought - in the idea that the universe consists of ten thousand categories of things, for example - and reflect characteristically Chinese modes of social organization. Ledderose begins with the modular system par excellence: Chinese script, an ancient system of fifty thousand characters produced from a repertoire of only about two hundred components. He shows how Chinese artists used related modular systems to create ritual bronzes, to produce the First Emperor's terracotta army, and to develop the world's first printing systems. He explores the dazzling variety of lacquerware and porcelain that the West found so seductive, and examines how works as diverse as imperial palaces and paintings of hell relied on elegant variation of standardized components. Ledderose explains that Chinese artists, unlike their Western counterparts, did not seek to reproduce individual objects of nature faithfully, but sought instead to mimic nature's ability to produce limitless numbers of objects. He shows as well how modular patterns of thought run through Chinese ideas about personal freedom, China's culture of bureaucracy, Chinese religion, and even the organization of Chinese restaurants. Originally presented as a series of Mellon lectures at the National Gallery of Art, "Ten Thousand Things" combines keen aesthetic and cultural insights with a rich variety of illustrations to make a profound new statement about Chinese art and society.

A film that looks at the genius of JMW Turner in a new light. There is more to Turner than his sublime landscapes - he also painted machines, science, technology and industry. Turner's life spans the Industrial Revolution, he witnessed it as it unfolded and he painted it. In the process he created a whole new kind of art. The programme examines nine key Turner paintings and shows how we should re-think them in the light of the scientific and Industrial Revolution. Includes interviews with historian Simon Schama and artist Tracey Emin.

本书作者谢柏轲是美国普林斯顿大学艺术史教授，本书是其学术生涯中关于中国古代绘画的代表性著作。在书中，他深入浅出地对中国画的媒介与材料，如毛笔、墨、颜料、基底、印章以及各种画式（壁画、屏风画、手卷画、立轴画、册页、扇面画等）进行了精彩、专业又简明的介绍与讨论；对于画面中各类元素（线条、泼墨、设色及肌理）在绘画中的运用，他也做了类似的阐述。此外，他还介绍了中国画的构图所呈现的规律与原理，并深入研究这些方法所创造的经典传世作品。
对于普通读者而言，本书可作为一本从媒材、技法等角度了解中国画的导览，使他们在读懂中国画之余，进一步了解中国画的具体创作。对于绘画学习者而言，本书可以帮助他们更为深入地认识中国画的媒材、技法与形式原理。

One of the most famous rulers in Chinese history, the Yongle emperor (r. 1402–24) gained renown for constructing Beijing’s magnificent Forbidden City, directing ambitious naval expeditions, and creating the world’s largest encyclopedia. What the Emperor Built is the first book-length study devoted to the architectural projects of a single Chinese emperor.
Focusing on the imperial palaces in Beijing, a Daoist architectural complex on Mount Wudang, and a Buddhist temple on the Sino-Tibetan frontier, Aurelia Campbell demonstrates how the siting, design, and use of Yongle’s palaces and temples helped cement his authority and legitimize his usurpation of power. Campbell offers insight into Yongle’s sense of empire—from the far-flung locations in which he built, to the distant regions from which he extracted construction materials, and to the use of tens of thousands of craftsmen and other laborers. Through his constructions, Yongle connected himself to the divine, interacted with his subjects, and extended imperial influence across space and time.
Spanning issues of architectural design and construction technologies, this deft analysis reveals remarkable advancements in timber-frame construction and implements an art-historical approach to examine patronage, audience, and reception, situating the buildings within their larger historical and religious contexts.

艺术史领域重量级经典，现代艺术百科全书式著作
欧美高校50年来标准教科书，了解现代艺术入门必读
40多年5次重新修订与时俱进，国内首度正版足本引进
🧾编辑推荐
📓现代艺术史领域重量级经典，50年来一直是欧美高校课程标准教科书，了解现代艺术入门必读
本书初版完成于1968年，是著名艺术史家H. H. 阿纳森的代表作，一经推出即深受欢迎，畅销欧美五十余年。本书也是“现代艺术”史学领域著书立传开创性尝试，其开拓性书写为无数后来者树立了榜样。
出版50余年，本书一直是欧美高校现代艺术史课程的标准教科书、资料书、工具书，深受广大师生好评。半个世纪以来，一代代学子对于现代艺术的起因、发展的认识，对现代艺术精神的理解，无不得益于这部著作。艺术领域里的各路人士，从艺术家、艺术史家、批评家、策展人、高校教授，到博物馆、画廊和非营利文化机构工作人员、收藏家和艺术投资人等，都从中受益匪浅。
📓现代艺术百科全书式著作，清晰完备梳理艺术史发展和变化脉络
本书以艺术的历史发展为主线，时间为串联线索，聚焦自19世纪中叶以来至今的西方视觉艺术，详尽地讨论了现代艺术史上重要的艺术家、艺术作品和艺术潮流，涵盖绘画、雕塑、摄影、建筑，兼顾社会、政治、科技、文化和思想的变迁对于艺术创作产生的影响。
书里将阐述落实到对具体作品的分析上，与此同时细致的形式分析往往与社会、政治、文化和经济的历史语境密切关联，兼及对图像、符号、心理分析的恰当融汇，帮助读者一步步认识和理解作品。
📓40多年历经5次重新修订，与时俱进紧跟艺术史研究全新方向
成书半世纪以来，本书历经多次修订，恰当及时地反映着现代艺术史研究在方法和涵盖范围上的变化。第六版由经验丰富的艺术史家伊丽莎白·C.曼斯菲尔德教授主持，逐章、全面修订，在研究方法上兼容并包，在内容上延续到了21世纪初全球当代艺术创作的状况。
在经典研究之外，社会艺术史、后殖民主义研究、批判理论到女权主义、视觉文化研究、全球艺术史等当代议题，都在本书中有所涉及和讨论。
📓国内首度正版、足本引进，80万字译稿精心打磨近10年
这部著作早先的中文译本《西方现代艺术史》曾于1986年出版（以原书第二版为底本），当时正是中国现代主义艺术蓬勃兴盛的时期，渴望了解西方现代艺术的中国年轻一代艺术家们，几乎人手一册。几代人对现代艺术的持续热情，对现代和当代艺术在中国数十年的巨大发展和变化，产生了无法忽视和估量的影响。
时隔三十余年，此次恢复原名《现代艺术史》，首度正版、足本引进，回应一代读者的期盼！我们以2010年的原书第六版为底本，邀请曾在1980年代参与翻译的钱志坚教授再度悉心迻译，精心打磨译稿近十年，将焕然一新的《现代艺术史》带到中文世界。
📓精装图文并茂，超过1200幅高清图片专业调色，尽力还原作品本真
全新极简风格封面，在装帧上贴合极少主义和光效-视幻觉的现代主义风格，硬精装膜银卡印刷。与上一版相比，第六次插图修订版新增图片200余幅，全书收录精美图片超过1200幅。内文排版参照原版随文附图，讲到哪里作品高清图就到哪里，符合读图时代读者习惯。每幅图经过专业调色、替换，高质量印刷，尽力还原作品本色。
🧾内容简介
《现代艺术史》是一部经典的艺术断代史著作，聚焦于19世纪中叶以来现代艺术史的历史及其在当代艺术中的回响。本书以时间为串联线索，以艺术运动、艺术家和艺术作品为内容支柱，以绘画、雕塑、建筑和摄影为核心类型，清晰地梳理了现代视觉艺术史的发展和变化脉络。本书英文原版自1968年初次出版以来，历经多位专家数次修订，一直是美国高校有关现代艺术史课程的首推教材。
《现代艺术史》第六版由经验丰富的艺术史家、作家伊丽莎白·C. 曼斯菲尔德主持了全面修订，不仅逐章更新了史料信息、拓展了大量图片，在内容分析上更是注重兼容并蓄，与时并进地容纳了艺术史研究的诸多新方向。
🧾名人推荐
在过去四十多年中，H. H. 阿纳森的《现代艺术史》一直是论及“现代艺术”这一宏大而复杂主题时不可或缺的指南。经过伊丽莎白·C.曼斯菲尔德的修订和扩写，《现代艺术史》第六版对现代艺术进行了全面概述，并提供了关于21世纪的后现代主义、全球化、艺术机构等话题的令人着迷的新材料。
——艾伦·沃勒克（Alan Wallach），威廉与玛丽学院
伊丽莎白·曼斯菲尔德修订的《现代艺术史》与现代主义本身一样广泛。始于19世纪法国的现代主义，止于当代全球化，她的研究涵盖了众多媒介在内的美学发展，其范围之广令人印象深刻。我尤其佩服她如何在一个贯穿全书27章的清晰阐释框架下组织现代主义的巨大多样性。她的书对教育工作者而言将是无价的工具。
——安德烈斯·马里奥·泽尔维农（Andrés Mario Zervigón），罗格斯大学艺术史系
阿纳森《现代艺术史》的几次修订拓宽了现代主义的整体历史语境，更加全面地探讨了现代主义在艺术中的含义及其与现代西方世界历史的关系。这个修订版包括了更多欧洲和北美艺术家，在处理艺术史的史学研究上也更加成熟。
——戴蒙·威利克（Damon Willick），洛约拉马利蒙特大学

本书依托丰富的实物及图像、壁画、墓俑等形象资料，与相关的文献记载互见发明，为三千年中国传统服饰文化的发展绘出清晰的轨迹，于此可以考见民族文化的演绎和各兄弟民族间的互相影响，历代生产方式、阶级关系、风俗习惯、文物制度等，有极好的史料价值。

2021年第十六届文津图书奖获奖图书
在《谁在看中国画》这本书中，作者讲述了中国及其他国家的观看者如何无可争议地塑造了“中国绘画”这一伟大的艺术传统。他认为，中国境内的观看者对“中国绘画”的演变至关重要。通过考察描绘观看绘画的场景的作品，他向读者介绍了观看者的理想类型：士绅、帝王、商贾、民族和人民。在讨论中 国艺术观看者的变化时，柯律格强调，中国文化中意象的多样性，使我们无法明确概括出“中国绘画”的构成。探索艺术作品与观看者之间的复杂关系，将使我们对“中国绘画”这一概念的形成和变革产生新的认识。
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★从全球史看200余幅传世画作，中国画的观看之道。柯律格以纵贯500年、横跨东西洋的广博识见，从士绅、帝王、商贾、民族和人民五类观看者的理想类型出发，探讨不同观看者对“中国绘画”的形塑。他不打算为“中国绘画”下定义，正相反，他揭橥“中国绘画”在跨文化、跨国交流过程中内涵与实践方法的变动不居。
★士绅、女性的观看如何塑造中国画。对明代士绅来说，“中国绘画”不是一种艺术实践，而是观看、欣赏的文人雅好；是他们的观看创造了“中国绘画”，而不是画家。与士绅不同，十八世纪后，女性不仅观看、欣赏“中国绘画”，更创造“中国绘画”。
★帝王凝视下的“豪横风”。不同于士绅观看“中国绘画”的社会性集体雅好，帝王是“中国绘画”单独的观看者。帝王的凝视威严专横，他声称自己是“中国绘画”的创造者。此外，在中国艺术史话语中，绘画一旦被认定有西方风格，如郎世宁的作品，如广州的外销画，它们通常会在“中国绘画”的话语中销声匿迹。
★雅好变商品，商贾眼里的中国画。中外商业活动不仅将士绅阶层的“中国绘画”带入明、清商贾之家，带入日本、朝鲜、美国，以及欧洲诸国的市场，更将西方的新技术，以及西方绘画的理念、媒材、技法等带入“中国绘画”。
★浮夸危险的观看者：近代以来的中外民族主义者。晚清、民国动乱频仍，对于“中国绘画”，中外民族主义者成为虽赤诚创新，但浮夸危险的观看者。
★新中国新变化：人民创造的中国画。观看“中国绘画”，从未把你我包括在外，一部共有的“中国绘画”史。
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纵观长时期各种媒材的嬗变，《谁在看中国画》一再暴露意料之外的讽刺，打破人们对中国和欧洲艺术传统的轻率预设。通过这项创新工作，柯律格为全球艺术史设定了一个新标杆。
——包华石（密歇根大学中国艺术史荣休教授，两届20世纪前列文森中国研究著作奖得主）
以优雅热情的对话文风、清晰明确的论辩，本书探索“中国绘画”这一现代概念的生发演变。在本书中，柯律格匠心独具，将他渊博的学术造诣、对研究对象的精深识见，以及对艺术市场的历史和中国艺术收藏情况的把握熔于一炉。
——白瑞霞（加州大学伯克利分校中国艺术史荣休教授）
这本书提供了一个适用于绘画史所有领域的研究方法。以此，任何领域的艺术史学家都或许可以恢复无法言说的艺术史。
——裴珍妮（多伦多大学中国艺术史教授）
他眼中的中国艺术史是世界性的领域，不是西方论述里的附属品，自然也不专属于中国。研究者若也将中国艺术史视为世界性的领域，则柯律格在本书所意识到的问题，自然难以回避。
——刘宇珍（台北故宫博物院书画处助理研究员）

工艺美术是为人制作的，毕竟不是纯朴的艺术作品或物质现象，艺术分析再深入、再恰切，考古学再博大、再严谨，也无法说明工艺美术史的所有问题。作者热望能以实物为中心，用历史文献解说实物，填充现有实物的空缺。尽力复原古代工艺美术“人”的因素，阐释若干名词的真义。在此基础上，试图讲清一个时代有什么；遇有可能，在说明一些重要的现象为什么发生在此时，而非彼时；它们何以是这样，而不是那样。这是其目标，至于达到与否，评盼只该来自读者。

Winner of the 2009 International Convention of Asia Scholars Book Award
Winner of the 2009 Levenson Book Prize (for book on pre-1900 China), sponsored by the Association for Asian Studies
Winner of the 2009 Charles Rufus Morey Book Award from College Art Association
Winner of the 2008 James Henry Breasted Award from the American Historical Association
Early China is best known for the dazzling artifacts it has left behind. These terracotta figures, gilt-bronze lamps, and other material remnants of the Chinese past unearthed during archaeological excavations are often viewed without regard to the social context of their creation, yet they were made by real individuals who contributed greatly to the foundations of early Chinese culture. With Artisans in Early Imperial China, Anthony Barbieri-Low combines historical, epigraphic, and archaeological analysis to refocus our gaze from the glittering objects and monuments of China to the men and women who made them.
This book represents the first in-depth social history of artisans in early China. How did they live? How were they trained? How did they market their products? How free were they? In this engaging and illuminating analysis, Barbieri-Low explores these artisans' lives and careers from a variety of aspects. First, he examines their position within early Chinese society, analyzing their social status, social mobility, and role in the early Chinese economy. Delving deeper, he steps into their workshops to learn how they were trained, what tools they used, and what workplace hazards they faced. Following their wares to the marketplace, he investigates some of the marketing techniques used by artisans and merchants, including such startlingly modern practices as family trademarks, rhyming jingles, and knockoffs of royal products.
From the dirt and din of the marketplace, Barbieri-Low enters the rarefied air of the court, with its own visual and material culture and its own professional artisans. This court was constructed upon the backs of yet another class of artisans, the most abject, those found in labor camps and slave markets. These were the men and women who built and decorated many of the great palaces, temples, and tombs of early China. Barbieri-Low compellingly argues that the state used a cold-blooded mathematical formula to optimally exploit these coerced laborers without upsetting the balance of the economy or fostering revolt.
Artisans in Early Imperial China humanizes the material remains of the past, revealing the men and women who made the beautiful artifacts we know today. This book will appeal to anyone interested in Chinese history, as well as to scholars of comparative social history, labor history, and Asian art history.

本書共收錄7篇論文，採取「網絡」與「階層」的研究取徑，探討明末至盛清時期藝術的社會文化現象。所謂「網絡」，指的是不同人物、群體、地域或場域（例如宮廷與民間社會）所形成的連結或對照組合，而「階層」則是指不同社經與文化屬性的群體，可以是人物，也可能是藝術品。作者立足於人與物的社會性，試圖跳脫單一畫家或風格系譜研究的定點直線式理解，對明清時期不同網絡與階層的視覺物品或藝術言說進行考察，極力呈現出當時繪畫與視覺文化更全面與立體性的圖像。
第1、2章以晚明畫家陳洪綬為中心，藉由對其晚年人物畫作和畫論的討論，勾勒出當時文人階層的生活情境與文化現象；第3、4章則將焦點轉向中下階層的文化商品，探究晚明城市圖像與福建版日用類書中的書畫圖像，試圖重構當時一般社會大眾的文化消費現象。第5章進一步討論乾隆朝宮廷如何運用城市圖的傳統，重新塑造蘇州的城市形象，並透過察覺此形象與蘇州民間作坊所生產的版畫，在景物選擇或描繪角度上的相似性，推敲出中央與地方的互動，以及政治權力和文化消費的糾結轉借。最後兩章，作者關注18世紀的蘇州版畫，除了從它的風格來源和傳播狀況來思考蘇州版畫作為中歐藝術交流案例的歷史定位與文化意義，也討論版畫產業的商業面向，分析當時藝術類文化商品的市場發展和消費區隔。
本書的研究偏向社會藝術史，尤其著重於較下階層的藝術言論與商品，將其放在整體社會文化中討論，而不再侷限於少數幾位掌握言論市場與藝術品味的上層文人士大夫，因此可以看出上下階層、不同區域或場域間的互動對比，可說是開拓了藝術史研究的界限。而書中大篇幅討論城市圖像，也開啟了中國藝術史對於藝術商品化及藝術市場研究的先聲。最後以全球史角度來觀察近代早期歐洲與東亞之間的圖像交流，更是提示了明清藝術史的嶄新課題。

万木春著《味水轩里的闲居者：万历末年嘉兴的书画世界》，是作者2002年—2006年在中国美术学院攻读美术史学史之博士学位论文，指导教授为范景中先生。中国美术学院出版社2008年3月出版，全书约二十万字左右。本书以明末文学家、书画家、收藏家、鉴赏家李日华（1565—1635）为主要研究对象，以《味水轩日记》为主要文献史料，还原明末年间浙江嘉兴地区文人书画鉴藏历史概况。

《美术史的基本概念——后期艺术风格发展的问题》是整个二十世纪美术史的三部核心经典之一，不仅美术史读者必读，也是其他人文学者的必读书，它对二十世纪美术史研究体系的构建产生了巨大而深远的影响。在二十世纪的西方学术界，除了贡布里希的《艺术的故事》，没有哪一部美术史著作能够望其项背；它在中国的影响，也超过了任何一部美术史或者美学方面的著作。

在历史语境中理解艺术
探索视觉形式背后的观念
20世纪现代设计史上的光辉篇章
美感与灵感的源泉，现代装饰界的璀璨明珠
◎ 编辑推荐
☆ 详实清晰，带领读者走近那真正为新的时代而生的“崭新的艺术”
巴黎地铁站的曲线造型铁艺、莱俪不对称曲线珠宝、蒂芙尼日本风格的玻璃器皿…… 这些我们如今熟悉又陌生的装饰语言都与19世纪末欧美视觉领域酝酿的变化息息相关。衔接两个时代的新艺术风格多样、遍布各地、纷繁复杂，它神秘、美丽又短命，至今仍然吸引、困扰和启发着我们。在这本全面而清晰的著作中，作者将新艺术放在其所处时代面临的问题语境中加以讨论，将之与现代生活与国家主义、唯灵论、妇女解放运动、青年崇拜的世纪末焦虑联系起来，为读者铺就了一条再次认识新艺术的道路。
☆ 包罗万象，一览现代设计的先驱实验，重现新艺术的灵感来源
维克多·奥尔塔、埃米尔·加莱、查尔斯·雷尼·麦金托什、安东尼·高迪……现代设计思想的重要奠基人和实践者在本书中得到了概括性介绍，尤其是对其作品的精彩分析，追根溯源又极具启发性。新艺术的发展是循序渐进的，其源头追溯至法国新洛可可运动、英国工艺美术运动和象征主义运动；新艺术的发展极具革命性，将继续鼓励设计师探索钢铁、玻璃等材料的可能性。新艺术是现代建筑和设计诞生的土壤，也将持续为其提供养料。
☆ 纸上阅读与视觉想象，开启新艺术城市文化漫游
伦敦、格拉斯哥、巴黎、维也纳、巴塞罗那、布宜诺斯艾利斯……新艺术与欧美城市文化共生，其遗产亦与当下城市面貌交融。阅读开启视觉想象，或许会唤起你的漫游记忆，又或者是你下一次旅行的契机。与“新艺术”相识在书籍里，偶遇在旅途中。
☆ 图文并茂，完美呈现经典实例
260余幅插图，涵盖建筑、家具、珠宝、海报设计等新艺术运动中的代表作。日本进口内文纸印刷，采用耐久性好、不易变形的特种软胶胶装，简约平整，提高读者阅读的舒适度。
◎ 内容简介
新艺术是19、20世纪之交欧美最耀眼、最流行的风格，它给家具、珠宝和平面设计领域带来了新的装饰语言，也为建筑、雕塑和绘画领域注入了新的装饰形式。本书是一本从世界范围内讨论新艺术运动的专著，问题与实例相结合，作品与时代挂钩，全面梳理了新艺术运动的起源、发展和风格特点。
◎ 名人推荐
令人印象深刻……对这一包罗万象的主题的概述清晰而简明。
—— 罗斯玛丽·希尔（Rosemary Hill），《泰晤士报文学增刊》
从建筑到纺织工艺品，是对新艺术风格的一份详实论述，插图精美。
—— 弗兰克·惠特福德（Frank Whitford），《星期日泰晤士报》
埃斯克里特……结合最新的研究材料，带领我们一路悠然从容旅行于西欧、斯堪的纳维亚半岛、俄罗斯及美洲。书中的社会历史分析体现了其历史学专业背景。
—— 温迪·希契莫夫（Wendy Hitchmough），《工艺》

两周家具是中国家具发展史中的第一个高峰，虽然一些图案的寓意我们尚不能准确把握，却总可以感到它是以温和的态度演绎自然，看取人生，其中充溢着生命的喜悦，而与人的生活特存一种亲昵的沟通。古老的样式其实始终在不断的复古和复古的创造中延续生命。后来高足坐的时代引起的家具变化自然是革命性的，但造型以及工艺制作的基本要素依然可以在古典的记忆里找到智慧之源。