早在两千多年前中国已出现了《乐记》、《吕氏春秋》等音乐学的代表性的著作。在相传为公孙尼子撰写的《乐记》中，论及了有关音乐本原、音乐美感、音乐的社会作用、乐和礼的关系等，是为音乐哲学的滥觞性著作。由战国末期秦相吕不韦集合门客共编写的《吕氏春秋》，则留下了有关远古音乐、音乐与自然社会政治关系，尤其是音律方面的记载。
20世纪80年代以来，伴随着改革开放步伐而成长起来的中青年音乐学者，抓住时代所提供的难得机遇，投入民族音乐集成的浩大工程之中，深入民间，深入生活，在以上这些前贤的研究成果的基础上，又有新的贡献。
本丛书睥诸位作者及其成果，正是这一时代的产物。他们沐浴着改革开放的春风，浸润着中华民族优秀音乐传统的雨露，吸吮着前辈、同仁的学术养分，试图对中国传统音乐理论的某些方面进行梳理、整合。这既是为有志于中国传统音乐研究的青年学子提供一些可资参考的材料，也起到为中国传统音乐学的学术建设添砖加瓦的作用。

研究音乐文化的范围很广。从纵的方面说，是古今中外音乐史的研究，通过音乐史的研究，可以了解音乐文化的源流和变迁，达到鉴往知来、鉴古知今的目的，从横的方面说，音乐文化的研究涵盖音乐科学的各个领域，包括音乐美学、音乐史学、音乐考古学、音乐声学、音乐民族学、音乐社会学、音乐心理学、音乐生理学、音乐教育学、音乐评论、音乐欣赏、作曲法、曲式学、和声学、复调音乐、配器法、乐器等等。通过东西音乐和中外音乐的比较研究，可以过到“他山之石，可以攻玉”和“知已知彼，百战百胜”的目的。
在“人文诠释”的思想指导下，本文集选择收入笔者近十多年发表在各类刊物、杂志和报纸上的音乐文论，并按相关类型分门辑录。
第一辑“学理基础反思”，所收文章均与学科理论相关。第二辑“中国音乐评析”，主要笔者参与中国现当代音乐创作评论的相关反映。第三辑“西方音乐解读”，不仅包括笔者在这方面的方法论研究和专题论述，也包纳一些笔者的相关随笔和译著书序。第四辑“歌剧真谛探究”，围绕歌剧这种特殊的音乐/戏剧体裁展开。
：《音乐的人文诠释》目录
总序（钱仁康）
第一辑 学理基础反思
1、作为人文学科的音乐学
2、 为音乐学辩护——再论音乐学的人文学科性质
3、音乐学术与规范建制：回顾、反思与建议
4、探索音乐史：方法论反思四题
5、 音乐评论实践的方法论札记——从陈宏宽独奏会乐评谈起
6、音乐分析的本质界定及历史回顾
7、 音乐理解的途径：论“立意”及其实现
第二辑 中国音乐评析
8、寻访中国音乐之“真”
9、评2000’全国艺术院校艺术歌曲创作比赛
10、音乐的“双城荟萃”
11、坚守抑或退却？——听朱践耳“第十”和陈其钢的《逝去的时光》
12、非常时代的诗意锻造――重听田丰交响合唱《为毛泽东诗词谱曲五首》
13、听音寻路――论谭盾的新作《地图》
14、跨时空对话：谭盾新作《复活之旅》观后
15、《童谣集》：民间歌调的现代加工
16、我们为何聆听音乐新作？
17、音乐的“现代性”转型——“现代性”在二十世纪前期中西音乐文化中的体现及其反思
第三辑、西方音乐解读
18、论西方音乐研究在我国的重建
19、现状思考与文学史的参照：西方音乐教学与研究在中国
20、实证主义及其衰落——二次大战后英美音乐学发展述评
21、超越时间的音乐史——《西方文明中的音乐》中译本序
22、《二十世纪十大音乐家》序言
23、听莫扎特三境
24、巴赫的神性
25、琴声中的朝圣之旅——记陈宏宽钢琴独奏音乐会
26、再谈贝多芬作品106的速度问题
第四辑、歌剧真谛探究
27、歌剧的真谛：以音乐承载戏剧——评科尔曼的《作为戏剧的歌剧》
28、作曲家与歌剧脚本作家的关系
29、莫扎特歌剧重唱中音乐与动作的关系
30、以音乐透析政治——上海大剧院音乐会歌剧《唐·卡洛》观后
31、日常生活的诗意——《波希米亚人》观后
32、社会批判与人性和解——《费加罗的婚姻》的人文/音乐解读
33、启蒙和觉醒——莫扎特《魔笛》的精神内涵
34、爱无定律
35、论歌剧与音乐剧的不同美学品格
后记

《音乐人类学》来源于我十五年间的思考以及同文化人类学和民族音乐学领域里的同事和学者们的探讨。文化人类学和民族音乐学这两个学科之间的分界线常常并不清晰，或许本该如此。关于人类学并没有什么需要解释的，因为它的内容相当清晰，目标也至少界定适度。

《隋唐音乐及其周边》作者将中国古代音乐研究和中国古代文学研究两方面有效地结合起来，跨学科地考察中国音乐史和中国音乐史料，并由此所撰写的系列论文。《隋唐音乐及其周边》就是这系列论文的合集，内容分为“隋唐音乐研究”、“中国音乐史论”、“音乐文献研究”、“中国艺术史短论”四个单元，分别是作者研究音乐学的起点、后续研究以及教学与合作项目中的成果。

《音乐解读与文化批评:杨燕迪音乐论文集》内容包括：《中国音乐学的当下处境与未来愿景》《论达尔豪斯音乐美学观的历史维度》《以声音承载人性——评周小燕歌剧中心的新版<弄臣>》《海顿二百年祭——2009年深圳音乐厅讲演录》。

本书是著名钢琴家、文艺批评家查尔斯•罗森谈音乐何以动人心弦的一本书。罗森从乐理出发，结合自身丰富的演奏经验，清晰、有条理地解释了音乐怎样对人的情感带来波动，什么样的音乐是激发人类情感的音乐。
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罗森的文字一如其演奏：巧妙、精确、极富洞察力，时刻准备迎接挑战……他的分析既清晰又具有说服力，直指问题的核心。倘若你做好准备听罗森讲课，毫无疑问会被他外科医生一般精确的分析风格影响。《音乐与情感》不只改变了我们理解音乐的方式，更涉及我们应该如何看待艺术本身。——《卫报》
作为一位可敬的钢琴家，也作为《古典风格》的作者，罗森的声音总是值得倾听。他在本书中选取的范例与所作的细节分析有技巧地解释了音乐究竟如何表达情感。——《星期日泰晤士报》
力度的变化、速度的不同、连音符的长短—— 罗森切入的方式如此直截了当却又那样特殊，灵巧地带领我们靠近音乐的内涵……罗森之所以如此特别，正在于分析音乐中那些激昂、漫无边际又充满对抗意识的情感时，他所展现的整体审美图景。
——《音乐时报》

《管弦乐配器教程(套装上中下册)》系“普通高等教育九五国家级重点教材·中国艺术教育大系”之一。杨立青的配器法，可说是国内第一部甚或是唯一一部现代意义上的配器教程。整部教程既传统又现代，既科学又艺术，既好读又实用；作者以一个作曲家的创作实践，一名博导的教学实践，一位频访欧美的学者的开阔眼界和新锐目光，加之个人的丰厚学养，将本书打造为一部乐器、乐队语言的教程式的百科全书。《管弦乐配器教程(套装上中下册)》又以儒雅的文字，精微、细密、雄辩、完整地讲述了整个教程，多姿多彩的音响实例更使教程立体、丰满而蔚为大观。本教程约一百万字、两千余条谱例及图表并附谱例音响六张CD，全书分上、中、下三卷共十六章，完成专业课教学需两个学期整。

Addressing Western and non-Western music, composers from Francesca Caccini to Charles Ives, and musical communities from twelfth-century monks to contemporary opera queens, these essays explore questions of gender and sexuality. Musicology and Difference brings together some of the freshest and most challenging voices in musicology today on a question of importance to all the humanistic disciplines.

钱仁康教授是我国著名的音乐理论家，为我国最早被授予带音乐博士研究生资格的导师之一。本书是他几十年来在音乐领域中研究成果的选集，分上、下两卷，上卷主要选编有他对中国音乐研究的论文，下卷则选编了他对外国音乐研究的论文。钱先生治学严谨，不尚空谈，所言之物，掷地有声。文集中时可见其独具只眼，言人所未言，发人所不发；他所研究的课题，常独出机杼，深入到前人没有接触过的领域去进行探索，自成一家之言。如果带着问题去读他的书，常常会有“众里寻他千百度，那人却在灯火阑珊处”的不期而遇的收获。

《中国与东亚音乐的历史研究》，本书是一本音乐理论著作。主要针对的读者是音乐院校及师范院校师生、中小学音乐教师、音乐理论爱好者等。具有一定的市场效益，且此效益应该是长期的、持久的。同时，此书内容条理清晰，分类明确，可使读者基本的掌握中国与东亚音乐的历史研究，使他们更好的走进东方音乐史的理论殿堂。对促进中国及周围国家的关系、维护友谊有着一定的贡献，在精神文明发展和社会进步方面起的作用是巨大的。

《李斯特论柏辽兹与舒曼》作者是匈牙利作曲家、钢琴家、指挥家和音乐活动家，浪漫主义音乐的主要代表人物之一。

本书是对古典音乐走完20世纪旅程后的历史反思。作者伊凡·休伊特[Ivan Hewett]敏感地意识到，在音乐呈现出前所未有的多元格局，以及电子工业和互联网技术已迫使音乐接受方式发生巨大转型的当下，音乐文化的面貌已不再是丰富多彩，而是扑朔迷离——我们已进入了“新新音乐”时代，艺术已没有“雅、俗”之分和“是、非”之别，我们时时刻刻被形形色色的“音乐”所包围，却不幸地已丧失了评判其优劣的意识和准绳，甚至连体验音乐的激情也在日益麻木。音乐，是否还持续具有可供标榜的价值?如果有，它是什么；又该如何评判?这正是本书的核心论题之一。 休伊特对此采取明朗的肯定态度，认为：音乐是一种饱含价值的话语体系，具有与人性类似的“升华性”或“超越性”，因此不能对之采取漠不关心的随意态度和回避价值评判的中庸眼神[参见第一章]；引领我们通向音乐价值的可靠向导不是别的，正是古典音乐以及与它一脉相承的现代精神。在休伊特看来，古典音乐和现代音乐并非通常所谓的“敌对关系”，而是解决同一问题的两种方案，即，当曾经统一的音乐领域迫于社会变革而四分五裂时，如何“修补裂痕”以使其复归统一。音乐领域过去曾掺杂着宇宙数学、经院哲学和社会功能，既不独立、更不统一，古典音乐是这第一道“裂痕” 的催生物，它“弥合裂痕”的办法是在不脱离传统和社会现实的情况下发展形式规范，从而孕育普适性的公众音乐话语；但随后由于其内部的扩张[如和声的发展、文学的渗入]和外部的融合[与流行音乐和世界音乐等“他者” ]，艺术音乐重又走向了分裂，于是诞生了新音乐。现代主义者前赴后继所苦心探索的，也正是能够弥合裂痕、以使音乐领域复归统一的最佳方案[这同古典音乐相像]。而由于这些方案均有缺陷[或是脱离传统，或是脱离社会，或是缺乏形式价值，详见第六章“本真性”]且各自独立、相互轻蔑，故终未如愿，由此出现了第一段描述的种种“病态”。正是在这种境遇下，休伊特真挚地呼唤古典音乐的“超越”理想，并主张这种音乐精神应成为我们认识当今音乐文化的最佳向导。 不过作者坦言，时下乃是流行音乐派系纷呈、世界音乐异军突起、古典理想正位处边缘并日渐消融之际，把古典音乐视为价值准绳无异于冒险挑衅之举，但作者通过对各种音乐样式所主张的“本真性”[即某种音乐样式借以标示其不可替代性的品质]、以及这种“本真性”在各样式的代表性曲目中的实现状况进行分析和评介，最终说明了“古典”准绳的合理性。

本书是第一本专门论述音乐学和“性别差异”理论的人类学文集，包括本书编者露丝·索莉教授在内的16位美国和加拿大学者，从不同角度探索了音乐学理论和音乐文化语境中，和社会性别与性有关的、无所不在的差异。

帕萨卡里亚，是一种巴罗克时期起源于西班牙的舞曲，一般为三拍子，小调式：8小节的固定低音主题依据复调变奏技术被不断重复衍展，其多声织体通过节奏、节度、音色、音区等和项参数的变化，以及对位、和声、配器等手段的处理安排，获得丰富的动力和发展。巴罗克后期，这一滥觞于17世纪初，在西、意、法、德等国广泛流行100余年的固定低音复调变奏形式由巴赫等人发展至高峰。本文第一章对这种形式形成发展过程的回顾、陈述和思考，无疑为进行20世纪帕萨卡里亚研究提供了一个历史的坐标。
20世纪初，在功能和声体系逐渐瓦解、复调音乐以新的形式复兴的趋势中，帕萨卡里亚藉表现主义、新古典主义音乐流派的推波助澜而得以再生，并以其独立的结构性、横向的高度衍展性、材料的集中统一性、织体的坚实性、音乐发展的连续性、以及特有的风格韵致而得到现代作曲家的青睐，几乎所有在20世纪音乐史册上享有重要地位的作曲家，如勋伯、威伯恩、贝尔格、兴德米特、斯特拉文斯基、布里顿、拉威尔、肖斯塔科维奇、科普兰、卢托斯拉夫斯基等人，均以这种形式创作了数目不等的作品。本文第二章即从这些20世纪最具人表性的不同流派作曲 家的创作中选取了9部帕萨卡里亚作为研究对象，主要从作曲技术理论的角度，对它们逐一进行了比较全面系统而概括的分析研究；在第三章，又对20世纪帕联卡里亚作品的固定低音主题及其在持续变奏中的循环反复陈述方式、对位形态、和声构成、管弦乐织体、曲式结构形态等方面的发展变异做了较为详尽的考察、论述。

序言
引言
第一章 历史回顾
第一节 巴罗克时期帕萨卡里亚的形成与发展
第二节 与恰空的关系
第三节 古典——浪漫主义时期
第二章 20世纪帕萨卡里亚代表作品概述
第一节 绪论
第二节 表现主义——新维也纳乐派作曲家的作品
一、威伯恩《帕萨卡里亚》
二、勋伯格《月光下的皮埃罗》之八“夜”
三、贝尔格《沃采克》第一幕第四场“帕萨卡里亚”
第三节 新古典主义作曲家的作品
一、兴德米特《第四弦乐四重奏》第四乐章“帕萨卡里亚”
二、斯特拉文斯基《七重奏》第二乐章“帕萨卡里亚”
第四节 其他代表性作曲家的作品
一、拉威尔《A小调钢琴三重奏》第三乐章“帕萨卡里亚”
二、本杰明·布里顿《彼得·格雷姆斯》间奏曲“帕萨卡里亚”
三、肖斯塔科维奇《A小调第一小提琴协奏曲》第三乐章“帕萨卡里亚”
四、卢托斯拉夫斯基《管弦乐队协奏曲》第三乐章“帕萨卡里亚”部分
第三章 20世纪帕萨卡里亚形态的发展变异
第一节 主题
一、主题的形态
二、主题呈示与循环反复方式
第二节 对位形态新的发展
一、不协和对位
二、调性对位
三、节奏对位
四、节拍对位
五、同步反向对位
六、变化的模仿对位
第三节 和声形态的复杂多样
一、不同织体中的和声表现形式
二、不同和弦结构方式和声进行
第四节 管弦名织体形态的多元风格复合
一、对巴罗克时期管弦乐配器技术与风格传统的继承
二、各种配器风格与技术影响下的管弦乐织体新形态
第五节 稳定性与变异性共同作用下的结构形态
简短结语
注释
主要参考文献书目
附录：中国复调音乐形态新的发展与变异

阿多诺是德国法兰克福学派的核心人物，他自幼学习音乐，熟知西方音乐史，又钻研过西方各派哲学和马克思主义的著作，形成了以社会批判理论和否定的辩证法为主线的哲学思想，并用这种哲学思想去研究20世纪欧洲的新音乐，《新音乐的哲学》就是其成果之一。
本书包括三篇具有相对独立性的论文，早的一篇是1940—1941年写成的《勋伯格与进步》，第二篇是时隔七年之后写成的《斯特拉文斯基与倒退》，后一篇是在两篇文章结集出版时（1948年）撰写的“导论”，目的是要说明为何要选择新音乐中的两个极端的代表人物作为论述的对象、概括论述新音乐总的发展趋势和特征以及《新音乐的哲学》所用的方法。
每当精神产品被遗弃并被放透到历史之中，纯粹的时间进程代替了现实事物发展的地位时，如下怀疑就得到了证实：那种精神产品并未被人们所熟悉和掌握，而且还受到了排斥。但《新音乐的哲学》所带有的锋芒却可能有益于现今的音乐状况。

本书对西方音乐美学思想史中（特别是18世纪中至20世纪中）一些重要的观念和问题进行了简明扼要但鞭辟入里的分析和诠释。作者从历史中遗留下来的音乐观念入手，但在梳理过程中又带有明确的当下视角和个人创见，史论互证，夹叙夹议。书中所涉及到的观念和问题不仅是近现代西方音乐美学史发展中的一些关键范畴，而且在当下的音乐艺术实践和理论探讨中依然是人们思考和实践音乐时或显或隐的参考框架，因此，本书不仅对进一步认识和理解西方音乐美学思想的发展历程具有重要参考价值，而且可以帮助有兴趣的读者进一步深入思索音乐美学、音乐哲学中的一些基本问题。

《赋格分析教程》是《赋格写作教程》的姊妹篇，《赋格写作教程》中的理论知识贯穿此书。书中的每一首赋格都是公认的著名作曲家的作品，尽管赋格结构上的可能性实践起来几乎是不可穷尽的，《赋格分析教程》虽不能列出赋格的每一种形式，但至少可以宣称，书中列举了赋格形式的所有最重要的变体，而且每首赋格部有它自己的某种特征。
通过实际分析赋格，能比采用任何其他方法收获更多。

在这本非常成功的新版中，哈罗尔德·C.勋伯格通过一连串引人入胜的传记性篇章，将作曲家——从蒙特威尔第到20世纪90年代的调性作曲家——逐一做了介绍。作者认为， 音乐是一门不断演变的艺术，没有哪个天才（无论他有多么伟大）不曾受到其前辈的影响。在这里，伟大的作曲家是作为一个人来呈现的，他们生活着，并与周围的现实世界发生着联系。
勋伯格把读者带到一个更近的距离去了解这些作曲家们，进而更加理解他们的音乐。为此，本书把叙述重点更多地放大作曲家的生平细节上，而缺少对音乐作品做技术分析。
本书把“严肃音乐”所有重要人物都囊括其中——巴赫、亨德尔、莫扎特、贝多芬、肖帮、威尔第、瓦格纳、马勒等等。作者将他们的生平编织成一幅其细节和逸事都很丰富的织锦。此外，还有些章节讲述了民族乐派，对维也纳的施特劳斯家族、阿瑟·萨利文爵士、奥芬巴赫等人的所谓轻音乐也有涉及。在此新版中，勋伯格对后来的序列音乐作曲家、极简抽象主义作曲家以及20世纪90年代的新闻性主义作曲家都有清楚的描述。
本书没有改变的其基本特征——始终给所有的音乐爱好者带来阅读的乐趣，自始至终引人入胜，可以在任何地方开始阅读。

他的世纪
出身与童年
他的生活与朋友
音乐争论：李斯特、瓦格纳和布鲁克纳
创作
声乐作品
伟大的合唱作品
管弦乐作品
键盘音乐和室内乐
注释
年表
对约翰内斯·勃拉姆斯的评论