《中国科学幻想文学馆》是日本学者武田雅哉和林久之合著的有关中国科学幻想文学（Science Fiction）的专著。上半部分由武田雅哉撰写，回顾了中国数千年以来神话、传奇、小说、戏剧中的科学幻想萌芽，从《山海经》开始，一直延续到清末真正意义上科幻作品的引进，着重爬梳了清末、民国时期中国科幻小说的译介和创作情况。下半部分由林久之撰写，讲述了1949年以来“科学文艺”这一文学类型在中国大陆的确立，旁及了港台科幻小说的创作情况，更对日文原版中所未遑涉及的近年来中国科幻文学的再次繁荣进行了跟踪，展望了中国科幻文学未来发展的前景。全书资料翔实，作者笔触风趣，既是一本严谨的学术力作，也可足休闲阅读之乐，可视作研究中国科幻文学史的必读之书。

本书系“ISIS文库•科学与时尚系列”之一。借助访谈和档案材料，本书作者对科学顾问所做的事实审查和视觉图解进行分析，发现电影也会影响科学：流行电影中的科学情节，同样能推进研究，促进技术发展，甚至激发群众参与有关运动的热情。本书从好莱坞电影中的科学知识出发，讨论了科学和娱乐的关系。作者探讨了电影科学中的科学呈现和电影技术手段，以及电影的科学方法、逻辑手段和银幕上的科学家形象，提出在促进科学和发展娱乐方面，愿意与好莱坞合作的科学家具有重要意义。本书入选《物理世界》杂志“2011年十部最佳大众物理图书”。

爱德华·詹姆斯、法拉·门德尔松主编的《剑桥科幻文学史》分为历史篇、批判方法及科幻分支流派和主题三部分。
第一部分在介绍了科幻的特点之后，主要追溯了从托马斯·莫尔（Thomas More）直到现在的科幻发展历史，其中包括电影、电视等相关章节。
第二部分介绍了研究科幻的四种主要批判方法，它们的理论基础分别是马克思主义、后现代主义、女权主义和酷儿理论。
第三部分是主体部分，介绍了科幻的各种主题及其分支流派，包括科幻与生命科学、硬科幻、太空歌剧、历史演义小说、乌托邦与反乌托邦等。

《新科学史：科幻研究》是两位作者江晓原和穆蕴秋开拓学术研究新领域的新成果。《新科学史：科幻研究》以严谨的学术文本形式，展开对历史上科幻作品的科学史研究。《新科学史：科幻研究》特点是将以往从未被科学史界关注过的幻想作品纳入科学史的研究范畴。这种研究不仅为科学史揭开了全新的一页，展示了科学幻想与科学前沿之间出人意表的密切互动关系，同时也为深入理解科学幻想作品的思想价值和历史价值，提供了一系列鲜活的个案。在此基础之上，作者提出了一种激动人心的新观点：我们可以、而且应该将科学幻想视为科学活动的一部分。

The science fiction genre maintains a remarkable hold on the imagination and enthusiasm of the filmgoing public, captivating large audiences worldwide and garnering ever-larger profits. Science fiction films entertain the possibility of time travel and extraterrestrial visitation and imaginatively transport us to worlds transformed by modern science and technology. They also provide a medium through which questions about personal identity, moral agency, artificial consciousness, and other categories of experience can be addressed. In The Philosophy of Science Fiction Film, distinguished authors explore the storylines, conflicts, and themes of fifteen science fiction film classics, from Metropolis to The Matrix. Editor Steven M. Sanders and a group of outstanding scholars in philosophy, film studies, and other fields raise science fiction film criticism to a new level by penetrating the surface of the films to expose the underlying philosophical arguments, ethical perspectives, and metaphysical views. Sanders's introduction presents an overview and evaluation of each essay and poses questions for readers to consider as they think about the films under discussion.The first section, "Enigmas of Identity and Agency," deals with the nature of humanity as it is portrayed in Blade Runner, Dark City, Frankenstein, Invasion of the Body Snatchers, and Total Recall. In the second section, "Extraterrestrial Visitation, Time Travel, and Artificial Intelligence," contributors discuss 2001: A Space Odyssey, The Terminator, 12 Monkeys, and The Day the Earth Stood Still and analyze the challenges of artificial intelligence, the paradoxes of time travel, and the ethics of war. The final section, "Brave Newer World: Science Fiction Futurism," looks at visions of the future in Metropolis, The Matrix, Alphaville, and screen adaptations of George Orwell's 1984.

科幻电影在当今时代的影响日益增强，本书探索了科幻是如何从各种异质的元素中建构起来，从而成为一种杂交类型的。有别于传统的研究方法，作者采用了一种历史的和文化的方法来进行类型研究，涵盖了科幻电影的历史发展，并进行了跨国界的电影考察。
本书也挑战了人们对该类型边界的既定认知，涵盖了极大范围的影片，从《月球旅行记》《星球大战》《银翼杀手》等经典的科幻电影，到一些扩展和重塑了类型定义的作品，这种类型关注范围的扩大，既为电影研究的学生、也为科幻电影迷提供了一种新型的认知方式。

本书系作者历年在各大知名媒体发表的科幻电影影评精选结集。作者在学界开创对科幻作品的科学史研究，将科幻作品纳入科学史研究视野，同时将科学史研究方法应用到对科幻作品的分析之中，给科幻影评带来了全新的思想深度和文本面貌。本书内容植根于作者对科幻作品的学术研究，而写作风格则与作者广受欢迎的著作《科学外史》I、II一脉相承——渊博流畅，雅俗共赏。并附全书所论及影片索引。
作者推荐
人类社会是一个用科学技术武装起来的世界，是一个钢铁、炸药、无线电的世界。纳威文明是一个相信精神可以变物质、相信世间一切生灵都可以相互沟通、相信巫术和神灵的世界，是一个圣母、精灵、智慧树的世界。卡梅隆显然认为纳威文明更优秀，更应该得到保存，所以他让人类战败了。
既然锡安也只是一个程序，那它就必然是Matrix的一部分，那就意味着机器已经控制了整个世界。人类实际上不能在真实世界和Matrix之间选择，只能在Matrix中这一部分和那一部分之间选择。这样的生活，不是依旧暗无天日吗？
所谓的“中国科幻元年”，它只能以一部成功的中国本土科幻大片来开启。有抱负的中国科幻作家，和有抱负的中国电影人，都必须接受这一使命。
失忆、意识被控制之类的情况，通常总是在遇到铭心刻骨的爱情时出现例外；童话、神话故事中的魔法，也总是要靠爱情来破除的——想想柴科夫斯基《睡美人》、瓦格纳《齐格弗里德》之类的戏剧吧。
我问过好几个看过《雪国列车》的人一个同样的问题：影片中的雪国列车为什么要不停地行驶？没有一个人能够回答我。……如果说雪国列车是对当代科学技术的隐喻，那么影片结局时列车的颠覆毁灭，简直就是对如今这种过度依赖科学技术支撑的现代化之不可持续性的明喻了。

本书以7部经典科幻片作为分析模本，详细阐释并探讨了科幻电影的制作规律与审美特点。原始技术拍摄的科幻经典《异形》，阐述了科幻电影扎实的前期筹备过程；“终结者”机器人的颠覆式创意与创造性技术表现代表幻想类角色崛起，催生出银幕上第一个CG主角——T-1000终结者机器人，展示出特效技术的魅力；《侏罗纪公园》中出现的“虚拟生物”，以里程碑式的创作技术引出虚拟生物的进化历程；通过解析影片《地狱男爵2：黄金军团》中形形色色的虚拟角色形象，揭示出支撑虚拟角色造型的艺用解剖学，进而梳理了科幻电影史上典型的机械人类角色与解剖学紧密结合的造型演变史；以《第九区》为例，展现科幻片的故事性，突出情感表现与人物刻画的魅力，阐释了科幻电影的创作表达始终是以传统电影创作为基础；从影片《变形金刚》的变形创意入手，唤醒二十世纪九十年代前后的“变形金刚”记忆，解密影片中参与机器人战争的武器装备，揭示影片将“美式主旋律”思想喻于科幻娱乐中的策略，即借助娱乐化策略塑造大量正面军人形象，通过战斗展现国防军备实力，阐述科幻影片巧妙输出国家文化价值的手段；透过《黑客帝国》创造的科幻新系统全方位解读科幻片的“概念设计”理念，剖析影片中创新的技术神话，详细阐述与众不同的“母体”世界“概念设计”体系中的每一个概念的运用。读者从书中不仅能了解科幻片制作的背后故事，还能通过文章深入的阐析解答关于科幻片技术、创作、主题、美学等方面的诸多问题，从前所未有的角度和深度来认识科幻类型电影。

内容简介：
这是关于科幻小说起源和发展的第一部全面的批判史。本书从文学史、宗教史和思想史的多重角度考察了科幻小说在古希腊的先驱，在17世纪宗教改革时期的再度横空出世，在18、19世纪的风格流变，以及在20世纪如何登上文化巅峰——以小说、电影、电视到漫画等各种风貌呈现全盛之势。
克鲁特和尼克斯的《科幻小说百科全书》之后，接下来迫切需要一部涵盖科幻小说起源到现在的通史，亚当·罗伯茨的这一部作品正逢其时。这部前所未有学术化的《科幻小说史》除了聚焦各种科幻文学作品之外，还将注意力投向多媒体科幻：电影、电视、漫画、电子游戏，甚至音乐（可追溯到霍尔斯特的《行星组曲》）。与此同时，罗伯茨清晰讲述了，17世纪宗教改革以来，科幻小说在西方文化中所呈现的面相以及所扮演的角色。
——帕特里克·帕林德（Patrick Parrinder），著名科幻文学学者

一八九五年十二月二十八日，在法国巴黎卡普辛路十四号大咖啡馆的地下室里，卢米埃尔兄弟放映了几部刚刚拍摄好的短片，有《工厂的大门》、《拆墙》、《婴儿喝汤》、《火车到站》等。尽管这些片子的画面质量甚至还不及现在的山寨手机摄像头拍出的效果，但在当时，这些由光影幻化出的“魔术”足以让在座的众人瞠目结舌。从此以后，电影就成为我们生活的一部分。
不过，只有当故事片诞生的时候，现代电影工业才算真正开始成型。而种类繁多的小说就成了电影拍摄的天然题材库，由此电影改编，或者说是电影故事片对长短篇小说的“译写”就成了电影工业的一个重要环节。这其中，自然也包括从科幻小说改编而成的科幻电影，甚至可以说，科幻小说与科幻电影之间的关系远比其他类型的小说与电影之间的关系要密切得多。
一九〇二年，号称“影史上第一位天才导演”的法国人梅里爱推出了经典科幻片《月球之旅》。这部影片取材于凡尔纳的《从地球到月球》和威尔斯的《首次登上月球的人们》，算得上是第一部改编自科幻小说的电影。虽然受制于当时的电影技术和特效水平，这部仅有二十一分钟的无声片还无法充分展现两位大师笔下气势恢宏的太空旅行，但却让观众们第一次在文字出版物之外，以形象而直观的方式领略到了科幻的魅力。此后，梅里爱又把凡尔纳的《海底两万里》搬上了银幕。
自梅里爱之后，众多经典科幻小说被世界各国的电影人改编成科幻片，像玛丽•雪莱的《弗兰肯斯坦》、英国作家斯蒂文森的《化身博士》、威尔斯的《隐身人》、凡尔纳的《海底两万里》、《神秘岛》，等等。一九三六年，在H.G.威尔斯的亲自监制下，英国导演孟席斯改编拍摄了科幻片《未来世界的面貌》，将威尔斯在小说《未来世界》中对未来的种种描写，活灵活现的展现在世人面前，并开创了科幻小说家亲自参与科幻片拍摄的先河。
二十世纪五十年代，世界科幻电影的重心转向美国好莱坞。一九五三年改编自威尔斯的《两个世界的战争》的科幻片《世界大战》上映。该片不仅创下了票房佳绩，还是第一部入围奥斯卡金像奖的科幻片，获得“最佳剪辑奖”。随后，好莱坞片商纷纷涉足科幻片，凡尔纳的《海底两万里》和《地心游记》，威尔斯的《时间机器》等先后被改编成美式科幻片。
进入六七十年代，好莱坞的科幻片呈现出大分流的趋势，一方面大量打着科幻片旗号的廉价电影充斥银幕，成为不折不扣的票房毒药；另一方面经典作品也不断涌现。其中，尤其值得一提的是大导演斯坦利•库布里克，他不仅把英国作家彼得•乔治和安东尼•伯吉斯的作品分别改编成了科幻电影《奇爱博士》和《发条橙》，而且在一九六八年，把阿瑟•克拉克的短篇小说《哨兵》改编成了科幻影史上划时代的杰作《二〇〇一年太空漫游》。同年，改编自法国作家布勒同名小说的电影《猿猴星球》上映。后来，以该片为起点，发展出了波澜壮阔的“猩球五部曲”。同一时期，在苏联、法国、日本等地，改编自科幻小说的电影也层出不穷。
以乔治•卢卡斯的《星球大战》系列为起点，科幻片进入了“重特效时代”，制作精良、富于视觉冲击力的科幻片，成为各大电影公司在全球攫取票房的利器。尤其是电脑3D动画技术的出现，更是让科幻片有了质的飞跃。越来越多的科幻小说被改编成了电影，而越来越多的观众也开始习惯于通过电影来接触凡尔纳、威尔斯、海因莱因、阿西莫夫、布雷德伯里、克拉克、迪克、克莱顿等人的作品。
然而，从小说到电影，必然要经历情节和人物的取舍，环境、空间元素的强化，以及场景与对白由风格化向情景化的转变等。想象一下，那些讲述穿越古今、纵横星海，洋洋洒洒数十万字、甚至上百万字的科幻小说，为了适应电影拍摄的惯例，必须要压缩到九十分钟左右的时间里呈现，这无可避免的会对原著的精彩造成损耗。如果再遇到那些不靠谱的电影公司、二把刀的电影编导，结局会怎样也就可想而知了！因此，对于真正的科幻迷来说，只看电影，不读原著将是一个巨大的缺憾。
当然，在今天这个效率为王的时代，我们需要一种更有效率的阅读方式。于是，就有了这部《源代码——从科幻小说到电影经典》。这是一本能够捧在手上的科幻影集！它将带你从熟悉的科幻片开始，深入背后的小说原著，领略那些大师级作家的生花妙笔，讲述作家与小说不为人知的秘密故事。相信，只要是喜欢科幻的人，都会从这部书中有所得。
经历了一百多年的发展，科幻小说与科幻电影都走到了历史的转折点。时至今日，经济与科技力量日渐崛起的中国正在成为世界科幻版图中最富活力的新增长极。了解前人的成就，有助于我们把握未来的方向。但愿，这部书能够成为新世纪中国科幻强势发展的助推器。

Science Fiction Cinema offers a broad historical and theoretical reassessment of science fiction, Christine Cornea explores the development of this popular genre in cinema from its very beginnings to the present day. Each chapter offers analyses of particular films, situating them within a wider historical/cultural context while also highlighting a specific key thematic issue. Cornea provides vital and unique perspectives on the genre, including discussions of the relevance of psychedelic imagery, race, the “new woman of science,” generic performance, and the prevalence of “techno-orientalism” in recent films. Enriching the book are new interviews with some of the main practitioners in the field, such as Roland Emmerich, Paul Verhoeven, Ken Russell, Stan Winston, William Gibson, Brian Aldiss, Joe Morton, Dean Norris, and Billy Gray. While American films are Cornea’s main focus, she also engages with a range of examples from other countries and explains why science fiction lends itself well to transnational reception.
Among the many films discussed are The Day the Earth Stood Still, The Body Snatchers, Forbidden Planet, The Quatermass Experiment, 2001: A Space Odyssey, Demon Seed, Star Trek: The Motion Picture, Star Wars, Altered States, Alien, Blade Runner, The Brother from Another Planet, Back to the Future, The Terminator, Predator, The One, Dark City, The Matrix, Fifth Element, and eXistenZ.

For more than 50 years, science fiction films have been among the most important and successful products of American cinema, and are worthy of study for that reason alone. On a deeper level, the genre has reflected important themes, concerns and developments in American society, so that a history of science fiction film also serves as a cultural history of America over the past half century. M. Keith Booker has selected fifteen of the most successful and innovative science fiction films of all time, and examined each of them at length--from cultural, technical and cinematic perspectives--to see where they came from and what they meant for the future of cinema and for America at large. From Invasion of the Body Snatchers to Star Wars, from Blade Runner to The Matrix, these landmark films have expressed our fears and dreams, our abilities and our deficiencies. In this deep-seeking investigation, we can all find something of ourselves that we recognize, as well as something that we've never recognized before.

Science Fiction Film examines one of the most enduring and popular genres of Hollywood cinema, suggesting how the science fiction film reflects attitudes toward science, technology, and reason as they have evolved in American culture over the course of the twentieth century. J. P. Telotte provides a survey of science fiction film criticism, emphasizing humanist, psychological, ideological, feminist, and postmodern critiques. He also sketches a history of the genre, from its earliest literary manifestations to the present, while touching on and comparing it to pulp fiction, early television science fiction, and Japanese anime. Telotte offers in-depth readings of three key films: Robocop, Close Encounters of the Third Kind, and THX 1138, each of which typifies a particular form of science fiction fantasy. Challenging the boundaries usually seen between high and low culture, literature and film, Science Fiction Film reasserts the central role of fantasy in popular films, even those concerned with reason, science, and technology.

Today, movie theaters are packed with audiences of all ages marveling to exciting science fiction blockbusters, many of which are also critically acclaimed. However, when the science fiction film genre first emerged in the 1950s, it was represented largely by exploitation horror films—lurid, culturally disreputable, and appealing to a niche audience of children and sci-fi buffs. How did the genre evolve from B-movie to blockbuster? Escape Velocity charts the historical trajectory of American science fiction cinema, explaining how the genre transitioned from eerie low-budget horror like It Came from Outer Space to art films like Slaughterhouse-Five, and finally to the extraordinary popularity of hits like E.T. Bradley Schauer draws on primary sources such as internal studio documents, promotional materials, and film reviews to explain the process of cultural, aesthetic, and economic legitimation that occurred between the 1950s and 1980s, as pulp science fiction tropes were adapted to suit the tastes of mainstream audiences. Considering the inescapable dominance of today's effects-driven blockbusters, Escape Velocity not only charts the history of science fiction film, but also gives an account of the origins of contemporary Hollywood.

Future Tense anticipates every question that a lover of cinematic science fiction could want to ask. Technical mastery and special effects, the differences between written science fiction and filmed science fiction, history and lore of the genre - are all covered here along with plot summaries and analyses of the greatest and most notorious films, among them "The Thing", " Invasion of the Body Snatchers", and "The Incredible Shrinking Man."

Perhaps because of its very popularity and cult status, science fiction in all its forms has long suffered from critical neglect. This is especially true of the science fiction film - a genre as old as cinema itself - which has rarely received the serious attention devoted to such genres as the western, the film noir and recently, under the aegis of feminist film theory, the so-called ""woman's film."" Alien Zone aims to bring science fiction cinema fully into the ambit of cultural theory in general and of film theory in particular. The essays in this book - some newly written, others gathered from scattered sources - look at the ways in which contemporary science fiction films draw on, rework, and transform established themes and conventions of the genre: the mise-en-scene of future worlds; the myth of masculine mastery of nature; power and authority and their relation to technology. This material is ordered and contextualized by the editor with a view to exploring how science fiction cinema has been approached critically and theoretically by commentators on the genre: as a mirror of society, as bearing or producing ideology; as caught up in an intertext of media productions, or as expressing unconscious desires. Contributors include Giuliana Bruno, Scott Bukatman, Thomas B. Byers, Barbara Creed, Anne Cranny-Francis, Daniel Dervin, H. Bruce Franklin, James H. Kavanagh, Douglas Kelner, Steve Neale, Judith Newton, Constance Penley, Hugh Ruppersberg, Michael Ryan, Vivian Sobchack, Michael Stern, J.P. Telotte, and Paul Virilio.