关于雅乐：

1. 雅乐是日本的古典音乐，一种高贵典雅的宫廷艺术。名字的意思是“朝廷的音乐、端庄而雅正的音乐”。 是经由中国大陆及朝鲜半岛传来日本的亚洲各地古代歌舞和日本传统歌舞为基础的，一千多年来，由舞蹈和音乐构成的雅乐完全保持着其传统形式流传至今，是宫廷中流传的日本最古老的演艺，也是现今被认为世界上最早的交响乐队形式。

根据史书的记载，早在西元453年，允恭天皇葬礼的时候，新罗国王派出了80多名的乐人前往日本，为之演奏哀乐；554年钦明天皇在位时，朝鲜的百济又派出另一队的音乐家到日本；圣德太子摄政期间，先后十九次派遣遣唐使，学习中国的唐乐，并带回日本本土；到了西元701年，日本治部省内设置专门机构，掌管外来的音乐，而雅乐最初就是外来音乐的总称。大宝二年（703年），根据《大宝律令》，日本设置雅乐寮，用来培训专业的乐师、音乐家，并只为宫廷服务，使得雅乐走向了专业化，高雅化的道路，影响逐渐壮大。

2. 雅乐堪称为是世界上很古老的音乐。它不仅在日本受到保存，且受世界音乐文化学者的重视。虽然是由中国传入日本，但其内涵已是用很多日本的民族文化精神在其中转变，与原来的涵义大有不同。

日本雅乐在表演时没有指挥，用鼓来打节奏，且鼓置在舞台的两彻。其舞台地板上是用绿色地毯，演唱家与舞蹈家是穿红色服装在舞台左侧演出，而伴奏演奏家穿着偏蓝色的服装在舞台右侧演出。因此得知红色、绿色、蓝色是古老的日本人文化所喜爱的颜色。这与中国喜爱红、黄、蓝是有所不同的。

演奏巴赫这六首无伴奏组曲，最富于启示性的也是最早的权威的版本，当然是卡萨尔斯3O年代后期的这个录音。这些组曲曾被相当多的音乐家演绎，卡萨尔斯的浑厚有力，富尼埃的舒展如歌，罗斯特罗波维奇轻盈而显得匆忙，初听上去简直就象不同的作品。卡萨尔斯的录于30年代(36年至39年)大师刚过了60岁之后。我一向怀疑四十年代和之前的所谓历史录音，认为无论上一代大师们的演奏如何精彩，但毕竟录音技术有限，很难保留真实的演奏的音响。如果把罗斯特罗波维奇的演奏看作一幅色彩斑谰的油画。卡萨尔斯就是早先古朴的铜版画，线条坚实挺劲，具有难以想象的力度，像是凸现于整个画面之上种线条一旦在你面前显出须眉皆动而欲飞舞之状时，真是要令人心魄俱与的。巴赫的精神，在这里始终是回荡在音乐的空间之中，而不是从中沁出来。
卡萨尔斯手指的力量惊人，不知是否得益于他边拉琴边抽雪茄的缘故，大提琴像是他的一件玩具。长期来，卡萨尔斯的这套录音已被公认为为这个作品的里程碑式的权威演绎。他的这一成就来自他对这部巴赫巨着的长达几十年的精心研读和作品精髓的发掘。据他自述，从13岁时他在一家旧书店发现这套作品的乐谱开始，他在这套作品上每天研读练功12年，到25岁才鼓起勇气第一次公开演奏其中的一部全曲。又过了35年，才在录音公司的长期不断催促之下答应录制这套作品，使我们今日能得以领略一代大师对这套作品的解读。

布兰诗歌》是作曲家卡尔·奥尔夫在偶然机会里，阅读到许梅勒(J.A. Schmeller)在1847年收集而出版的中世纪拉丁语与德语的抒情诗集所得到的灵感。它深藏在巴伐利亚修道院内多少世纪不为人知，一旦被公之于众后震惊世人，它是目前所知的保存最为完整的也最具艺术价值的中世纪诗歌。其中对10世纪末到13世纪初世俗而狂放的社会生活景象而着迷，于是将其中的24首诗配上音乐，全曲节奏热情澎湃、管弦与打击配器炫丽迷人，首演后马上就成为20世纪最受欢迎的合唱与管弦乐作品之一。《布兰诗歌》仿佛它来自天国，而非人间产品。二十世纪德国作曲家卡尔·奥尔夫长期生活在巴伐利亚，他从这部诗稿中选取25首诗歌，谱成这部《布兰诗歌》，分“春天”、“酒”、“爱”三个主题。
序诗《命运，世界的女神》壮美凝重，作曲家仿佛企图借助吟唱与谛听来建立起一座神庙；正歌的第一部分“春天”，轻快、明亮中蕴涵着悠远，合唱男女声部交替呈现宛如时序中的昼夜变化；第二部分“酒馆”则是一片世俗景象，唱腔中运用优伶式的假声与转调,有如在描绘一个假面聚会的场景中人们醉生梦死的世态；但奇怪地是，欢腾的场面似有幽灵掠过的阴冷；第三部分“爱”中，有着对爱的渴望的宣泄和对爱的忧伤的赞美，以及对情欲的质朴的歌唱，其中，女声吟唱“In truitina”（In the balance）华美而凄艳，已经成为演唱会中的经典保留曲目。作曲家卡尔·奥尔夫在继承古典作曲法基础上加入新式旋律，他在“表现主义”的影响下运用了新原始主义元素，节奏上加重打击乐成分，使《布兰诗歌》将中世纪的游吟与现代歌咏结合得非常完美。
《布兰诗歌》充满了令人惊奇的成分和戏剧性，它大开大阖，既有雄壮的呐喊，又有委婉的咏叹，犹如汹涌的急流撞向岩石发出澎湃的声响，又如潺潺小溪蜿蜒地流向柔软的草滩。乐队与唱咏交相辉映；令人震撼的打击乐像是命运的召唤，有着强烈的扣击灵魂的效果。
《布兰诗歌》是一曲对生命的赞歌，似乎有神的目光在暗中注视。它在三个主题引导下微妙地涉及了"信仰"、"死亡"等动机，调性既有着世俗的欢乐成分，又有着史诗般的恢弘气势。其中所隐含的真正的动机，则是对短暂人生的垂怜、惋惜和哀叹。
《布兰诗歌》有别于传统的歌剧，可以说是卡尔·奥尔夫音乐教学成果的集大成：它融合了文艺复兴时期的音乐风格、教堂音乐、文字、舞蹈、剧场效果以及来自于德彪西、巴托克于斯特拉文斯基等人作曲方法的影响。
《布兰诗歌》自1937年在法兰克福首演到今天，《布兰诗歌》已成为古典音乐中的流行曲，几乎无人不晓了。哪怕不停古典音乐的人也常能在影视，广播等媒体中领略其一二。描述中国足球命运的纪录片把它作为插曲，影片《西点揭秘》把它当作配乐，拳王霍利菲尔德把它作为出场曲，连流行歌王迈克尔·杰克逊都曾斥巨资想买其 版权，可见此作品的流行程度。究竟它魅力和在？可听性恐怕是首要的一点，但旋律之美并不是一部好作品的本质。作品能打动人，源自作品与人的心灵的相通，相通的途径阻碍越少，越能引起听者的共鸣。“表达愈具本质性、单纯性，效果也就愈直接和强烈。”这是奥尔夫的原话也就是他的艺术观。
虽然奥尔夫在写完布兰诗歌后，就相当自豪地对他的出版商说，可以将他先前交付给他的作品都给毁了，这首布兰诗歌才算是他第一部作品，但事实上，他在这之前的音乐风格，就已经一步步朝着此曲在摸索。他接受了巴托克与斯特拉文斯基的音乐风格，试图在自己的音乐中重塑一种古式、民谣一般的简单语言。他回避了当时风行的无调性、音列作曲手法、也完全否定先前的对位技巧，在自己的音乐中呈现出一种异教徒、野蛮、反动、毫无包装和隐藏的原始风格。而当而当布兰诗歌的13世纪经文跃然于眼前时，乃触动了他脑海中的完美音乐理念与中世纪诗词的结合，缔造了他的大作。奥曼第这份布兰诗歌虽然是在1960年录下的，但是由于当年的工程师很明智的选了费城布罗伍旅馆进行录音，将曲中特殊的打击乐效果和大合唱的爆发力捕捉得非常细腻且充满音乐感，而奥曼第又将奥尔夫音乐中那种鬼魅的异教感掌握得恰到好处，因此多年来始终未有更新的版本超越。奥曼第以极慢的开端诠释此曲，乍听之下或许没什么味道，但是音乐随着歌词变化渐入佳境，独唱者没有明星却与合唱团达成很好的平衡，“费城之声”在这里追求的也不是极美的音色，而是心灵的洗涤与音乐交融的和谐感，这是很不一样的诠释，值得一听。这次再版运用原始的母带加以复制，并加收了多年来未曾问世的卡图利之歌，并附上原文和英文对照歌词。可说是格外珍贵。

鋼琴上，蕾菲布是克爾托最純粹的傳人，這不僅僅因著她"曾"師從克爾托；在克爾托眾多有名的弟子中，大部份是學成之後深造於他的，但蕾菲布則徹頭徹尾的由克爾托所塑造，她是其弟子中最早的一代，受教於年輕氣盛、鋒芒逼人的克爾托，後來又成為克爾托身旁得力的助手，1939年她繼承了克爾托的大師班，在在顯示出她是克爾托的傳人，但形式上如此，實際上呢？
讓我們先談談克爾托，克爾托在現代被視為蕭邦的嫡系傳人、理所當然的蕭邦權威，但在頭角崢嶸的巴黎樂界，蕭邦嫡傳不乏其人，蕭邦氣質的鋼琴家也數算不到克爾托，事實上，克爾托的舒曼氣質更為強烈，他演奏中所紓發的浪漫情懷是舒曼而非蕭邦的，而在當時，克爾托作為舒曼演奏者的身份可能更具權威，這是今日對克爾托了解上的一個偏差。蕾菲布，正是個舒曼氣質的鋼琴家，在女性鋼琴家中，這種氣質難以尋見，而這種氣質上的相契也說明著傳承上更深入的層面。
另一方面，蕾菲布是魏多晚年的愛徒，在巴黎音樂院的賦格班裡，這位偉大的近代管風琴演奏奠基者給予蕾菲布的，是對於樂曲結構的分析掌握能力，在魏多開創的學派裡，管風琴師在一座大管風琴前演奏出足以與管弦樂團抗衡的豐富聲部，還有什麼人能比這樣的管風琴師更了解何謂結構，更何況是魏多這樣的一代宗師，這是蕾菲布日後成為偉大的貝多芬演奏者最重要的資本。
偉大的傳承，還需過人的天賦才能成其偉大，但蕾菲布與克爾托的鋒芒畢露不同，蕾菲布的演奏中有一股蘊釀的知性美感，這是女性的細緻、還有豐富的學識所致，除此之外，蕾菲布完全不曾流露出女鋼琴家的嬌柔氣弱，在舒曼氣質下雄雄燃燒的浪漫是男性的，格局是宏大的，這就是蕾菲布的氣質。
晚年的蕾菲布並未在速度上與年齡妥協，而更令人驚訝的是，無論在多快速的樂段，她未曾失去對鋼琴的控制力，漂亮的音色是硬底子，背後是持續的練習和規律的生活，多少藝術家過著墮落的生活啊，在音樂前這些都無法隱藏，在蕾菲布所演奏的德布西、拉威爾、艾曼紐等近代作品中，展現了她對於新鋼琴語法的精確掌握、對作品的透徹瞭解，與這些作曲家的情誼使她的詮釋增添了權威性，而她的確生逢其勝，又活得夠久，我們在她的舒曼、舒伯特、佛瑞及布拉姆斯演奏裡可以體會到真正的舒曼氣質，並且感受到柯爾托藝術中的某些精粹，蕾菲布的貝多芬很早就負盛名，她的"狄亞貝里"不是片斷的變奏曲，而是一氣呵成的完整生命，魏多與克爾托的教導必然讓她終身受用，然而，一位藝術家的修養、自律、對生活的熱愛、對藝術的尊重，才是偉大所以成就之處。

Samson Pascal François was a French pianist and composer.

Esther Nyffenegger twice recorded the Six Suites for violoncello solo that Johann Sebastian Bach wrote in Köthen about 1720: in 1971 and 1988 - thus at an interval of about 20 years.
In this recording she used three different instruments. For Suites I and VI she played an instrument built by Andrea Guarneri (1672-1698) in 1657, for the minor-mode Suite II and V a cello crafted by Antonio Testore (1688-1764) in 1740, and for Suites III and IV an instrument built by Roland Sandner (*1943) in 1968. Listeners may find it particularly rewarding to compare the sound and quality of the different instruments while listening to the suites.

钢琴是当之无愧的乐器之王，其结构之复杂、技巧之高深、表现力之丰富、曲目之浩瀚、使用之普遍均没有别的乐器可与之比肩。几乎所有的作曲家都为钢琴写过作品，而钢琴更是作曲家创作时不可缺少的工具。
本辑精选了音乐史上最着名的钢琴小品，曲目范围从巴洛克乐派到古典乐派、浪漫乐派直至印象乐派，大师云集，曲曲珠玑，并能让您在聆听优美音乐的同时对钢琴音乐的历史沿革进行全面的了解。

卡拉揚慢板 - 自由想像
卡拉揚指揮柏林愛樂管弦樂團、維也納愛樂管弦樂團
簡介:
許多哲學和深刻感情都埋藏在音樂的慢板裡，而且也只有幹練的指揮家能把它們發酵出來，讓觀眾不自主的如痴如醉。這也正是卡拉揚「慢板」的魅力所在。卡拉揚從瑜伽中體悟到「脈搏理論」，也就是說，卡拉揚認為只要抓到正確的速度，人體脈搏產生共振，便會產生一種無法抗拒的快感。這也是卡拉揚在這張輯裡所實踐的美學點。
這一套專輯的二十七首曲子，全是古典音樂史上最優美的慢板樂章。數年前，四張「卡拉揚慢板」專輯於全球古典市場刮起一陣慢板旋風，創下高達兩百萬張的銷售紀錄。現在，卡拉揚要再度以這一套兩張超過一百四十分鐘的慢板專輯，擄獲全世界愛樂者的心。

玛利亚·若奥·皮雷斯（Maria Joao Pires 1944- ），葡萄牙女钢琴家，出生于里斯本。4岁首次登台，6岁举行独奏音乐会，被称为神童，9岁参加里斯本国际钢琴比赛获第一名，16岁在里斯本音乐学院毕业后在柏林参加国际青年钢琴比寒获第二名，同年在李斯特钢琴比赛获第一名。随后到慕尼黑留学，师从恩格尔继续深造，1970年纪念贝多芬200周年，在布鲁塞尔举办的贝多芬钢琴比赛获第一名，从此受到瞩目。
皮雷斯的演奏，音色极美，又善于在节奏与分句处理上表现出细微的变化，她演奏的莫扎特、肖邦都极具魅力。她和杜梅、王健一起，已形成室内乐的最佳搭档，其演绎的室内乐作品有一种清新的美感。
曲目介绍：
第一号帕蒂塔（BWV 825）：巴赫为键盘而作的这一套组曲，遗留下来有七首。其中第一首完成于1726年；此后到1731年为止陆续完成其他各曲。因巴赫把第一至第六合集成《古钢琴练习曲》中的第二卷， 所以现在所称的这套组曲其实只有6首（BWV825-830）。这张唱片里面，皮雷斯演奏的是巴赫的第一号帕蒂塔（BWV 825）。Partita是意大利语，意思本是变奏曲之意，17世纪才有了组曲的意思。
第二号法国组曲（BWV 813）：是巴赫在1721至1724年左右创作的一套六首组曲（BWV812-817)中的第二首，这套法国组曲诞生的时间也大致是巴赫在科腾担任宫廷乐长的时候，也刚好是巴赫与他第二任的妻子安娜玛德莲娜新婚不久的时候。那应该是巴赫生命中最为美满幸福的一段时间，而这套法国组曲中也真的充满了温柔和甜蜜。据传这套曲子是巴赫为安娜而写的。巴赫在世时始终没有出版过这套作品，直到近百年后，这套曲子才被冠名为“法国组曲”，并且流传于世。
第三号英国组曲（BWV 808）：巴赫的英国组曲是17世纪键盘名作，根据最新考证应该写于巴赫服务魏玛宫廷时期（1708－1717）。各曲都充满协奏曲的华丽精神，具有典型的德国风格，因为巴赫将乐谱献给某英国贵族，所以称之为《英国组曲》《英国组曲》共有六号，在规模、表现力以及情感上都比巴赫的同类键盘作品《法国组曲》要庞大。这些组曲有的短小但意境广博，有的具有浪漫的气息，有的清新内敛，有的庄严肃穆。用现代钢琴来演奏这部巴洛克的复调作品更有一番迷人的风韵。

EMI CLASSICS CELEBRATES THE 150TH ANNIVERSARY OF GUSTAV MAHLER WITH THE RELEASE OF THIS EXCLUSIVE 16-CD BOX SET CONTAINING THE COMPOSERS COMPLETE WORKS.

Tah 591

Kathryn Stott，英国女钢琴家，20世纪70年代末开始其演奏生涯，90年代以来逐渐成为FAURe钢琴曲的权威演绎者之一。1958年出生，先毕业于梅纽因音乐学校，后来随梅纽因的妹夫路易斯发·肯特纳和拉威尔生前唯一的嫡传弟子维拉多·佩勒米特学习演奏，最后毕业于英国皇家音乐学院。20岁时参加1978年里兹国际钢琴比赛，获第5名。虽不算大师，却也非常活跃，以擅长演奏法国作曲家作品而闻名。她因在Hyperion唱片公司灌录一系列佛列钢琴作品集，获得了留声机大奖。1995年，她主持了曼彻斯特的佛列作品国际音乐节，并被法国政府任命为艺术总监。她灌录过的唱片还包括拉赫玛尼诺夫、肖邦、李斯特等人的作品。她常常和马友友等联袂到欧洲、日本和美国等地演出室内乐。