Since the dawn of modernism, visual and music production have had a particularly intimate relationship. From Luigi Russolo’s 1913 Futurist manifesto L’Arte dei Rumori (The Art of Noise) to Marcel Duchamp’s 1925 double-sided discs Rotoreliefs, the 20th century saw ever more fertile exchange between sounds and shapes, marks and melodies, and different fields of composition and performance.
In Francesco Spampinato’s unique anthology of artists’ record covers, we discover the rhythm of this particular cultural history. The book presents 500 covers and records by visual artists from the 1950s through to today, exploring how modernism, Pop Art, Conceptual Art, postmodernism, and various forms of contemporary art practice have all informed this collateral field of visual production and supported the mass distribution of music with defining imagery that swiftly and suggestively evokes an aural encounter.
Along the way, we find Jean-Michel Basquiat’s urban hieroglyphs for his own Tartown record label, Banksy’s stenciled graffiti for Blur, Damien Hirst’s symbolic skull for the Hours, and a skewered Salvador Dalí butterfly on Jackie Gleason’s Lonesome Echo. There are insightful analyses and fact sheets alongside the covers listing the artist, performer, album name, label, year of release, and information on the original artwork. Interviews with Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen, and Raymond Pettibon add personal accounts on the collaborative relationship between artists and musicians.

In the midst of the realist-leaning artistic climate of the Late Gothic and Early Renaissance, Netherlandish painter Hieronymus Bosch (c. 1450–1516) was more than an anomaly. Bosch’s paintings are populated with grotesque scenes of fantastical creatures succumbing to all manner of human desire, fantasy, and angst. One of his greatest inventions was to take the figural and scenic representations known as drolleries, which use the monstrous and the grotesque to illustrate sin and evil, and to transfer them from the marginalia of illuminated manuscripts into large-format panel paintings. Alongside traditional hybrids of man and beast, such as centaurs, and mythological creatures such as unicorns, devils, dragons, and griffins, we also encounter countless mixed creatures freely invented by the artist. Many subsidiary scenes illustrate proverbs and figures of speech in common use in Bosch’s day. In his Temptation of St Anthony triptych, for example, the artist shows a messenger devil wearing ice skates, evoking the popular expression that the world was “skating on ice”—meaning it had gone astray. In his pictorial translation of proverbs, in particular, Bosch was very much an innovator.
Bosch—whose real name was Jheronimus van Aken—was widely copied and imitated: the number of surviving works by Bosch’s followers exceeds the master’s own production by more than tenfold. Today only 20 paintings and eight drawings are confidently assigned to Bosch’s oeuvre. He continues to be seen as a visionary, a portrayer of dreams and nightmares, and the painter par excellence of hell and its demons.
Featuring brand new photography of recently restored paintings, this exhaustive book, published in view of the upcoming 500th anniversary of Bosch’s death, covers the artist’s complete works. Discover Bosch’s pictorial inventions in splendid reproductions with copious details and a huge fold-out spread, over 110 cm (43 in.) long, of The Garden of Earthly Delights. Art historian and acknowledged Bosch expert Stefan Fischer examines just what it was about Bosch and his painting that proved so immensely influential.

すべての少女は15歳になると地球外生物から身を守るために左手に“パクニマ"と呼ばれるエイリアンを移植しなければならない――。
平行世界の日本を舞台に、思春期の少女たちのせつない乙女心を瑞々しいタッチで描く意欲作。
Pixiv/同人誌で発表したものに描き下ろしの新作とプロローグを加えた全4話、4人の少女たち。
単行本限定の後日談収録。

《花蕊弓弦》系作家小椿山的第一本小说集，收录2012年至2016年精选作品。

《伊斯坦布尔：一座城市的记忆》书写的既是一部个人的历史，更是这座城市的忧伤。对帕慕克而言，伊斯坦布尔一直是一座充满帝国遗迹的城市。这个城市特有的“呼愁”，早已渗入少年帕慕克的身体和灵魂之中。如今作为作家的帕慕克，以其独特的历史感与善于描写的杰出天分，重访家族秘史，发掘旧地往事的脉络，拼贴出当代伊斯坦布尔的城市生活。跟随他的成长记忆，我们可以目睹他个人失落的美好时光，认识传统和现代并存的城市历史，感受土耳其文明的感伤。

Treman is a highly accomplished watercolorist, working in a large-format, realistic style. Here, she concentrates on color theory and the unique ability of watercolor to achieve a transparent brilliance that lends work a heightened sense of reality. Unique to this volume is Treman's use of what she terms "disappearing purple." To avoid muddy colors, the bane of the medium, she paints in shadows as her first step, the opposite of the accepted method. She finds that shades of purple blend and disappear, leaving vivid, natural colors. (Old Masters, she contends, similarly used sepia as an underpainting in oils.) Limited mainly to floral still lifes, this should be added only after broader works on the same topic, like Rachel Rubin Wolf's Splash 4: The Splendor of Light (LJ 11/15/96).
Copyright 1998 Reed Business Information, Inc.

【用日常经验品赏绘画，让如许名作重返日常。彼时彼刻感动画家的日常，依然感动着此时此刻的我们。这就是绘画的力量。这些细锁而微小的风景，教会我们关心街边的草绿，屋顶上的一朵云……原来，画家和我们面对的，是同一个有情的世界。】
品赏名画是一种冒险，然而，冒险带来了激情和张力。《绘画中的日常》其实说的就是日常中的绘画。用日常的经验去品赏绘画，让如许名作重返日常，如同用日常的经验去品尝烹饪，让我们细细记忆人间真实的美味；用日常的知性去感受生活的细处，让我们回望点点滴滴的人生风景，这是一件多么令人惬意的事儿。
——出版家 聂震宁
看这本书，感觉世界之大，一己之小，然后，对生活，对日常，又雀跃起来。
——作词人 周耀輝
《绘画中的日常》是一本有趣的书。作者将那些百多年前的名画放在生活中讲述，我们于是发现画中的雨雪阴晴或柴米油盐，桩桩件件都是带着体温的、贴着地面的，亲切而寻常。
——作家 徐则臣
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委拉斯凯兹笔下吃早餐的人，梵高画中的卧室，以及毕沙罗与西斯莱描画的雪景，虽说隔着数百年时空，却分明就是身旁流动的人事与风景，抬眼可见、触手可及。画中的草木山林与柴米油盐之所以如斯传神，应是画家长久且耐心注视生活的缘故吧，而艺术与生活之间的互动互通，也足够滋养爱艺术的我们，在寻常日子的边角与缝隙中，找到些感动与启迪。

《苏菲的杰作》内容简介：苏菲的杰作是描写一只小小的蜘蛛，用细细的丝线，织出了坚轫的生命故事。蜘蛛的世界其实很奇妙，但一般人对它们不大了解，见到了就嫌恶喊打或惊恐不已，就像这个故事里的房东太太、船长和厨师。苏菲一直不停地织，织出不同功能的作品，一次次的挫折磨练出更棒的技巧，苏非最后真的完成了儿时同伴预言的——“了不起的杰作”；就在那一刻“苏非把自己的心也织进去了”。苏菲不只织完给新生命温暖的毯子，还用生命最后的余力织出“像为王子准备的”杰作。真是令人充满敬意与惊喜！

世界各地的博物馆有着相同的需求，面临同样的挑战。对中小型博物馆而言，由于阅读和培训的时间通常十分有限，要跟得上新的观点和实践中的诸多变化，是极富挑战性的。《博物馆基础》服务于那些靠有限的资源和极少的专业员工运营的博物馆；同时，书中提供的综合训练方案也适用于希望全面了解博物馆实务的专业读者。
本书作者从丰富的实践经验出发，为博物馆方方面面的工作提供了一份基础指导手册，涵盖观众的发展与教育、藏品的管理和保护，以及博物馆的组织和未来发展规划。
《博物馆基础》的结构根据单元划分，共有109个单元，包含案例研究、项目工作和团体讨论，既可作为博物馆日常管理的参考书，也可作为岗前和在职培训项目的主要教材。
《博物馆基础》第3版新增百余张图表，并提供具有实用价值的词汇表、精选书目和相关信息来源。同时，《博物馆基础》得到配套网站（www.routledge.com/cw/ambrose）的支持，为读者提供了大量的额外资源。
《博物馆基础》是普遍适用于世界各地不同类型博物馆的基础工作手册，可以为那些专业人员稀缺、经济资源有限的博物馆提供良好的实践纲要，同时也可以作为博物馆员工和志愿者培训的基础工作教程。第三版《博物馆基础》在1993年第一版和2006年第二版基础上修订完成，充分考虑了近年来博物馆在经济、社会、文化和专业领域所经历的重要变化，内容覆盖面十分宽泛，形成8个部分、109个单元的框架结构，扩充了一百多张流程图和更新辅助资源的相关信息，其实用性大为增强。较之前版，首次引进中国的第三版《博物馆基础》更侧重于藏品的诠释和有效管理、观众的研究与服务，以及博物馆员工和志愿者、资产和资源的管理等。

艺术史研究中长期以“仕女画”或“美人画”来表述以女性为主题的绘画作品，但这样的术语不仅相对晚出，在形成过程中还带有一定的画科定位和评论取向，也无法囊括所有围绕“女性”产生的绘画作品。本书中，巫鸿先生提出了“女性题材绘画”这个概念，并引入“女性空间”作为讨论的核心，意图把被孤立和抽出的女性形象还原到它们所属的图画、建筑和社会环境中去。
围绕“女性空间”，作者梳理了从战国到明清各个历史阶段中女性主题绘画的发展状况——从武梁祠的列女画像砖到南北朝的《洛神赋图》，从青楼名妓的自我表现到展现理想化美人的《十二美人图》，以图文并茂的方式，展现“女性”在各种绘画场景和时代中的不同呈现，重构其所从属的原作；结合艺术评论、时代背景等因素，深度挖掘作品背后审美价值和商业价值的相互影响，进而思考女性题材绘画在社会、宗教与文化环境中的意义。

◆入选 豆瓣·2019年外国文学非小说类年度十佳
◆编辑推荐
有关汉语诗歌翻译的经典之作。
当今昔皆为汉语的一首诗，变成一首英语诗、一首西语诗、一首法语诗，其中又有着怎样的发生呢？
伟大的诗歌正是在不断的变形、不断的翻译之境中活着：诗作死于穷途末路。
◆名家推荐
温伯格如同一位古中国的琴师，在山间，寂寞地调音、眺望世间 。
——北岛
世界对中国古典诗歌的理解，本书是最经典的标本。艾略特.温伯格让我们眼界大开。不同语言、不同思维方式所构造出的文化差异令人深叹翻译之难。但有意义的翻译总会带给我们诸多启发。中国文学在世界上完成自己的方式超出我们的想象。
——西川
◆内容简介
温伯格逐一检点了王维的《鹿柴》这首五言绝句的十九种以及更多种译本。在这段文本的细读之旅中，一面在翻译的横向上挪移，一面在诗的纵向上深入，向我们展示翻译的艺术、存心的得失，展示诗的幽微迷人、难以把捉。当然，也展示了汉语以及英语、法语、德语、西语等每种语言的质地、特色，以及运用。
一部简短而深美的经典小册。
对所有喜欢汉语、英语，喜欢翻译、喜欢诗的人来说，将开启一段迷人的短旅，尤其对于那些爱诗的人，更将如此。而那些在古典诗歌与当代诗歌两地犹疑，甚至把彼此划为敌对阵营并投戈相向的人，也许，会在这次短旅中温和地走向彼此，走向更远。
◆媒体推荐
温伯格对文字的敏感以及清晰思考的天赋在本书处处可见……渊博而迷人……
——《纽约书评》
……有关翻译最好的一个微型读本……同样最有趣、最渴切。
——《巴黎评论》
任何一个对翻译感兴趣的人都不可错过的一次阅读。
——Complete Review

一栋的大楼的建成，人们关注的焦点往往在于投资者、设计师的理念、独特的外形、造价的咋舌云云，谁会关心“施工危险、闲人勿进”的铁皮围墙里面把建筑物从无到有，一点点建筑起来的工人呢？这些工地上的水泥匠、焊接师傅、外劳、女工、以及工地大嫂，每个人都有说不完的故事。围绕工地而生的 小吃店、冷饮店、槟榔西施、陪唱的阿姐，每个人的故事都令人感到无奈和动容。

《虹》是D·H·劳伦斯最成熟的两部代表作之一(另一部是其姊妹篇《恋爱中的女人》)，也是他篇幅最长的一部小说。它以家族史的方式展开，叙述了自耕农布兰文一家三代人的经历与变迁；以英国小说中史无先例的热情与深度探索了有关性的心理问题，通过对三代人的正常与非正常的两性交往的描写寻求建立自然和谐的性关系的可能性。

本書追溯新亞書院由創立到併入中文大學前的發展歷史，和在香港擔任的角色，揭示多重的國際衝突。．在中國大陸共產主義高漲之際，錢穆、唐君毅、張丕介等中國學者避走香港，為保存中國傳統的價值和文化，創立了新亞書院。冷戰時期，英國殖民地上的新亞書院要承傳中華文化，難免要面對美國非政府組織、英國殖民地政策等所衍生的衝突，使其文化教育的意義牽涉了各方的價值取向，蒙上各種政治色彩。

本书它讲述了一颗小小药丸——避孕丸的故事。讲述这颗魔丸是如何被科学家制造出来，人们怎么看待它，它到底代表着什么，又是如何改变了世界。
无数人都为避孕丸的发明贡献过心力。如果说避孕药的发明是一部电影，那么玛格丽特•桑格、格雷戈里•平克斯、凯瑟琳•麦考米克、约翰•洛克四位，就是这部电影的联合主演，他们对避孕丸的问世起到了决定性作用——桑格掀起了社会启蒙、麦考米克的资金支持、平克斯的科学攻关、洛克的药品测试。这本书按照时间顺序组织全文，从桑格早年在格林威治村的叛逆时光，到20实际60年代风口浪尖上的性爱革命，四位主人公不懈的努力和他们身后无数支持者的群像，构成这本引人入胜的社会、文化、科学的历史之书。

《斗争与妥协:法英美三国宪法纵横谈》对英美法三国的宪法进行了细致的比较，对三个国家宪法的渊源、精神、特征、核心价值进行了系统梳理和精辟的论述，阅读之后读者可以对英国、法国、美国三个国家的宪法形成一个相对完整的感性认识。在行文方面，本书深入浅出，因繁就简，以散文一般的笔触和流畅的语言，从历史的、哲学的以及人性的角度对三国宪法进行了探讨，被本书的英译本译者戴雪评价为"比较宪法领域的一部优秀而富有原创性的力作"，能够让读者受到启迪，学会从一个崭新的视角去观察熟悉的事实。

《被遗忘的人》1989－1990年
吕楠的三部曲之旅是从拍摄精神病院起步的，从1989年开始，吕楠前后走访了38家精神病院和上百个患者家庭。每拍摄一个精神病人，只要条件和情况允许，吕楠都会进行面对面的采访，了解病人的身世、家庭背景和病情，并作记录，采访时间一般不少于一个小时。通常接下来的拍摄会再花一至两个小时。
有一次，吕楠在北京安定医院拍摄，在一间病房外面，遭遇了一个强壮的病人，吕楠本能地用手护住头，就在这时，那个病人却向他伸出一只手，要和他握手。在这一瞬间，吕楠被病人的友好和善良深深触动，此后，在吕楠的心目中，再也没有精神病这一概念，在他眼中，精神病人和所有的人一样，也有喜怒哀乐，也有正常的感情。
吕楠在拍摄中发现，精神病人在“文革”中一度被当作是没有远大理想的人群对待，毛泽东思想和毛泽东语录曾经被用来作为精神病人的治疗手段。他在四川一家精神病院的墙上看到一条标语：“没有正确的政治思想就等于没有灵魂。”那个“魂”的云字旁被人抠掉了，变成了“没有灵鬼”。
陶世茂，22岁，是四川一个偏僻农村里惟一的大学生。寒假回家时首次发病，杀死母亲，打伤父亲。极度恐惧的家人便把他关进石头房子里。每天为他送饭的是最疼爱他的85岁的奶奶。
采访完患者的家属，吕楠提出要见一见患者，患者家属用杠子为他抬开压在石头房子顶部沉重的石块。吕楠下到石头屋子里，和病人聊了一会天。在此之前从来没人敢下去，但吕楠却发现病人非常正常。只是因为石头屋子里面太暗，环境说明不了什么问题，吕楠才回到屋外。
患者的父亲和奶奶满面愁容地坐在石头房子前。吕楠和石头房子里的患者商量：我希望别人知道你在这样的屋子里，你的手能不能伸出一点来。患者照办了，于是，吕楠拍下了这张照片，这只从狭小洞孔里向外徒劳挥舞的手比出现完整的病人像更令人震撼。
在谈到精神病院拍摄时，吕楠反复提到的一个词是“尊严”。广西一家精神病院的重病者病房，全身赤裸的女病人站立在铁栅栏做成的铁门背后，双手搭在铁栏杆上，病房外的近景坐着一个老年女病人。照片旁的说明文字写着：重病者病房里23岁的女病人住院超过一个月，但她从来没有离开过13号病房。
吕楠说：“她可以坐在那里，也可以站在那里，也可以趴在那个上面，她可以在房间里的任何地方，而且事实也是如此。但是我要让她的尊严显现出来，只要她是歪七扭八地靠在这个门上面，我就不会拍。”
吕楠对女病人说道：你能站过来一点吗？病人按照吕楠说的靠近门站着。近景的老年病人本来也在病房外坐着，但是偏离画面，吕楠看见了，希望把她也加进取景框：如果不加进来，可能会有两层歧义，一、会让人觉得这家医院所有的病人都是关在房间里的，其实病房里的病人只是比较重的一个；另外，画面上没有老年女病人出现，房间里的人就太强了。
吕楠叫老年女病人坐过来一点，更靠近画面中心：“很多人慢待摄影，他们有一个事先虚设的前提：世界是为摄影师准备的，你‘咔嚓’一下就行了，没那样的事。你必须要调整，但是这个调整不能违背真实，调整要注意的是一定要够，但不能过。如果画面里没有关在房间里的女病人的话，就没有力量，老年女病人不过来，我也没法拍，我等她过来了，就开始拍，拍了五六卷，直到院方很客气地把我请出医院。”
吕楠对待所有的病人都一视同仁，即使是丧失行动和语言能力的病人。在一张照片旁边，吕楠写道：“天津的一家精神病院，她不会说话，是警察三年前在大街上捡的。她有破坏欲，医院不能为她提供衣服和被褥。一天中的大部分时间，她都是躺在地上，确切地说是躺在自己的尿和屎的混合物上。这些脏物一星期才会有人来打扫一次。拍照半年后，她死于这家医院。”面对这样的病人，吕楠按下快门的瞬间也是她挺直身子坐在没有床垫的床上，而不会是歪歪斜斜躺倒的样子。
吕楠在很多照片旁边都有简短说明，写下了病人的姓名、家庭、住院前后的基本状况。以前，别人问吕楠为什么要写那么多照片说明，吕楠也讲不明白，直到看到桑塔格在《旁观他人之痛苦》里对摄影家萨尔加多的作品提出了批评。桑塔格这样写道：“这些照片以孤苦无告的蚁民百姓为焦点，却又把他们打回孤苦无告的原形……他们的姓名在图片说明中一律从缺，拍摄人物照却不列出对象的姓名，等于是在有意无意之间与名流文化同流合污，同时助长了对另一种截然不同的摄影口味的贪婪需索：只授予名流姓名，而将其他人贬降为他们的职业、种族及惨况的代表性样本。”吕楠发现现在可以很地好回答这个问题：我写下说明文字的目的，就是为了不把他们的苦难当作他们的职业。
也有例外，画册里有一张拍摄于北京一家精神病院的照片，小女孩怀抱一只玩具熊猫，目光与镜头对视。吕楠在照片旁边用简短的文字写道：女孩，11岁。由于缺少儿童病房，中国绝大多数儿童患者只能同成年人住在一起。这些成年人不仅不会照顾他们，有时还会打他们。
画册上原来有小女孩的名字，但是在画册制版的当天晚上，吕楠考虑再三，还是把女孩的名字划掉了。吕楠担心女孩以后痊愈了，不愿意让人家知道她以前的经历，有名字就会带来麻烦。
耗时两年完成的《被遗忘的人》虽然具有强烈的视觉冲击力，但吕楠并没有强调病人的痛苦和惨状，而是以极其克制的拍摄手法，真实再现了精神病人的生存状态：“我拍完了精神病院以后，才理解病人的想法：医院外面才是精神病院呢。里面倒像教堂，像寺庙，像修道院，宁静至极，安静极了。”

20世纪五六十年代，集体化给中国农村带来了巨大变化，后世著作也对此多有研究论述。然而，中国女性，特别是农村女性，却对此鲜有发声。本书开创性地从性别研究和集体记忆的角度切入了中国当代史研究。作者用历时15年收集的口述史资料，向我们描述了陕西省某农村的72位老年妇女在20世纪五六十年代的人生变迁。通过深入分析这些被访者的人生故事，作者从女性视角出发，记载了农村社会变迁对于妇女生活产生的影响。作者让我们看到，在集体化的过程中，中国农村女性突破了小家庭的范畴，*次走向社会，融入社会。不少女性通过扫盲，获得初步知识文化，甚至获得成为农村助产士的工作机会。也有不少农村女性在集体化过程中，突破家务劳动的小圈子，进入集体劳动过程，甚至成为劳动模范，在其中获得自尊与自信的提升。集体化的过程，在某种程度上也是中国社会逐渐走向男女平等，提升妇女家庭地位和社会地位的过程。作者通过性别差异这个权力轴线，切入20世纪五六十年代中国农村的集体化，探讨了社会主义的性质以及性别在社会主义国家的重要作用。著作通过女性视角，丰富了20世纪五六十年代的历史，让我们能够更加深刻、客观地认识那一段历史。