本书内容梗概：
东方绘画史研究至今在我国仍是很少有人涉足的学科领域。本书作者在对东方绘画史的长期整体研究中，顺理出中国绘画在其中的主流位置观点，并以此来重新审视与研究中国绘画与东方绘画各部分之间的交流、汲取、融汇、发展。东方绘画之各主流部分，恰巧分布在丝绸之路沿线，从地中海东岸一直远到日本海，像一串熠熠闪光的宝石点缀在这条千年古道之上。而本书所叙述的东方绘画，具有着横向的紧密关系。从某种意义上看，它们几乎就是同属于一个整体而又展示着一些相异的特点罢了。数千年丝绸之路的交流和演绎使中国绘画凝聚和融汇了东方绘画各个部分的多种源流因素和一些个别特质，成为最具强大影响力的东方绘画的主干和核心部分。这是本书所要试图剖析的。
本书写作特色：
丝绸之路作为联系东西方的商道存在了几千年，是古代中国经过中亚通往南亚、西亚以及欧洲、北非的贸易交往的通道。丝绸之路促进了东西方经济的互通繁荣，同时也促进了文化的交流渗透。《中国绘画横向关系史》一书的叙述视角以中国为文化中心，讲述了丝绸之路沿线国家其艺术形式的杰出代表与中国传统美术风格的关系，观点独特，论据充分，也体现出作者宏大的东方艺术史观。
传统的丝绸之路，起自中国古代的都城长安，一直到达地中海，以罗马为终点，全长达6000多公里。而作者本书的叙述，也是按照这样的路线徐徐展开，自西向东，分为十二个章节，分别叙述了古波斯、古印度、泰国、越南、柬埔寨、中国、朝鲜及日本绘画的杰出代表，并且分析了这些美术作品在不同程度与中国绘画风格的影响渗透及相互关联。这既是一个值得深究的学术课题，同时也是一个有趣的文化交流现象。如书中波斯细密画一章中收入了一些作品，其绘画风格与中国宋代院体画风格惊人的相似。再如朝鲜绘画一章中收入了一些作品，可以看出画家对于中国明清时期文人画的学习吸收。而作者写作本书的目的，也是想起到抛砖引玉的效果，因为此类研究课题在目前还处在起步阶段。作者意在抛出自己的观点，给人们以更多的启迪与思考，希望能够引起更多人的关注，更希望在学术界能够有更多的学者加入到研究行列中来。
然而，伟大的艺术作品，无论从什么样的层次来品尝，都可以获得美妙的滋味。即便是普通的读者，也能够被书中丰富的知识含量所吸引。本书作者虽然为美术专业，但是对世界历史及地理非常熟悉，所以在讲述某地的美术作品之前，一定会先叙述清楚此地所处的地理位置以及与周边国家的关系、历史演变等等，循序渐进，使读者能够对此地有更加全面的了解，进而对此地的艺术作品更加深入的理解。同时更为难得的是，本书还配有600余幅珍贵图片，均为作者提供的第一手资料，为本书增色不少，同时使本书的趣味性和观赏价值大大提升，相比于枯燥的说明，辅以图片更能够增加代入感，使读者最大程度收获好的阅读体验。

本書では、香（こう）を炷き鑑賞する催しである香会と香木・薫物の贈答を香文化として捉え、香道の発生期の一次史料を基に、「香道の祖」とされる三條西実隆や「香道志野流の祖」志野宗信と香との関係の再検討、「香会」の具体的内容についての考察、天皇への香木献上や天皇からの薫物・匂い袋の下賜を数量的かつ具体的に考察する三視点から、中世後期の香文化を解明する。香道について初めての実証的な歴史的研究。

在西方世界，对客观性的征服是一块理论重地，它颇具英雄色彩，给客观性这一可疑的称谓重新提供方向。哲学致力于思考其可能性；它保证了科学的成功是可证实的；古典绘画注定要热切地专注于其再现，在那里寻觅真实物的错觉。
本书通过对中国美学与画论的探讨，还原对“非-客体”的思考，在科学和哲学之外，探寻到一条切近本体之思的进路。

本书是1958年由瑞士人史基拉策划的一套亚洲艺术丛书之一，以编入他当时已获盛名的欧洲艺术丛书。经喜龙仁推荐，当时正在攻读博士学位的高居翰获得了写作本书的机会，完成一部精简、创新、又具可读性的艺术通史。
高居翰的这部中国绘画通史著作，图文并貌，以一个外国人的眼 光，来欣赏中国名画，由100幅作品串起对画史的解说，是雅俗共赏的艺术读物。
自1960年首度出版英文、法文、德文版以来，它一直是西方最受欢迎的简明《中国绘画史》，不断再版。作者融合了西方汉学及艺术史的方法，以各时代最具代表性的作品，讨论和分析了中国绘画史的衔接与转变，也尝试将中国绘画的意向和含义与思想史、社会史、经济史的种种因素联系起来，向广大读者清晰介绍了他以及诸多行家集体努力而达到的对中国绘画的看法。此外，书中也精选了美国、日本、台北故宫的大量名作，并对它们进行了细致解读。以实在的例子、具体的描述、渐进的叙述、专业的视角，带领观众一同进入历史的轨迹。
高居翰写作的特点是直接从对画面的观看和体验入手，带领读者进入绘画史的理解，而不是套用文字记载的生平、风格等等来进行概念性的描述，这在三联已出版的几种学术专著中已经得到很好的体现。而这本书原本就是为西语世界的普通读者所写，比为专业读者所写的研究性著作更普及，对画面的分析也就更细腻。

英国国立维多利亚阿伯特博物院（以下简称“维院”），座落在伦敦西南的南肯盛顿区，占地79，373平方米。她的成立，与1851年举办的“万国工业博览会”有密切关系。当时大不列颠国国强民富，英女王维多利亚的丈夫阿伯特亲王酷爱艺术，他在伦敦海德公园以大幅玻璃和铁枝盖了一幢临时展览厅，邀请全球各国将他们优良的产品送展。博览会在5月开幕，吸引了大批参观者。他们不分男女老幼、不分贫富或社会地位，不约而同地在展柜间流连忘返。到10月博览会闭幕时，参观人数已超过600万。入场费的收益，扣除一切开支后还有可观的盈余。大会主办人决定用那笔钱建一所博物馆。经过6年的筹划和建设，“南肯盛顿博物院”于1857年落成启用，1862-1897年间又扩建了数次，1899年改名为“维多利亚阿伯特博物院”，到今天已有146年历史。其藏品之丰富，在世界上堪称首屈一指。
1860年，维院购入第一批中国外销画。“外销画”是1949年后美术史家开始使用的名词。18世纪末-19世纪初期间，虽然中国画工知道他们的作品是卖给洋人的，但买家则没有将中国画分为“外销”或“内销”的习惯。欧洲人买中国画，是因为他们对这遥远的国家充满好奇。在摄影术未发明以前，图画是帮助他们了解中国事物的最佳媒介。事实上，欧洲各国的东印度公司在他们贸易的地方购买一些富有当地色彩的图画，不以中国为限，维院珍藏中就有不少印度水彩画和日本版画。中国外销画的历史不超过200年，到今天能自成一格，成为美术史家和历史家研究的对象，得归功于广州的一群优秀画工。他们技术精湛、头脑灵活，善于迎合顾客口味。中国外销画不独题材广泛，而且价格便宜，因而得以大量输往欧美各地。当年广州画工为“榲两餐”而绘制的图画，其中部分进了博物馆，成为今日研究晚清风貌的重要资料，这应是画工们万万料想不到的。

In the Forbidden City and other palaces around Beijing, Emperor Qianlong (r. 1736-1795) surrounded himself with monumental paintings of architecture, gardens, people, and faraway places. The best artists of the imperial painting academy, including a number of European missionary painters, used Western perspectival illusionism to transform walls and ceilings with visually striking images that were also deeply meaningful to Qianlong. These unprecedented works not only offer new insights into late imperial China’s most influential emperor, but also reflect one way in which Chinese art integrated and domesticated foreign ideas.
In Imperial Illusions, Kristina Kleutghen examines all known surviving examples of the Qing court phenomenon of “scenic illusion paintings” (tongjinghua), which today remain inaccessible inside the Forbidden City. Produced at the height of early modern cultural exchange between China and Europe, these works have received little scholarly attention. Richly illustrated, Imperial Illusions offers the first comprehensive investigation of the aesthetic, cultural, perceptual, and political importance of these illusionistic paintings essential to Qianlong’s world.

Mi Fu, one of the most celebrated figures in the history of Chinese art, was a prominent calligrapher in eleventh-century China. A member of the educated elite, or literati, he also contributed a great deal to discussions of theoretical issues of function and style in calligraphy, the primary means of graphic expression for the literati. In this book Peter Sturman examines Mi Fu's calligraphy within the framework of the artist's fascinating life, the Northern Song culture in which he lived, and the literati theory of art he helped to formulate. The book is both chronological and topical, following Mi Fu's efforts to develop styles of calligraphy that would communicate his social and personal ideals as they changed according to his place in Song society: as connoisseur of the arts, responsible official, man among mountains and streams, and Daoist talent in the service of the emperor. Sturman's detailed analyses, which consider the content as well as the style of the writing, firmly set Mi Fu's calligraphy in the fabric of Northern Song history. At the same time, Sturman shows how Mi Fu's relationship with the history of calligraphy both before and after him illuminates this most Chinese of arts.

First published in 1984, this index of Chinese paintings includes entries for approximately 3,500 traditional-style artists along with lists of their works, reproduced in some 264 monographs, books, journals, and catalogs published from the 1920s to the 1980s.

哪些作品能被称作艺术品而哪些不能，由谁来评判？
艺术品都是艺术家独立完成的吗？
艺术家是否像人们想象中的那样特立独行？
艺术家、评论家、艺术品商人、收藏家之间有着怎么样的关系？
贝克尔的艺术社会学经典著作《艺术界》为这些问题提供了答案。
对艺术的传统分析往往局限于艺术家和艺术品，而贝克尔则以社会学之眼审视艺术，将艺术看作一种集体活动，对“艺术界”这一概念进行了丰富而精微的阐发。在贝克尔看来，艺术界通常与它试图与之划清界限的世界有着千丝万缕的联系，因此，本书的每一章都从一个略有不同的视角窥探艺术界，讨论了艺术品创作进程及其参与者之间的合作与冲突，艺术活动中的特殊惯例，新的艺术家分类，艺术与国家的关系，以及艺术的名声问题等等，展现了一幅艺术界运作与变化的生动全景图。

When one thinks of women in the Middle Ages, the images that often come to mind are those of damsels in distress, mystics in convents, female labourers in the field, and even women of ill repute. In reality, however, medieval conceptions of womanhood were multifaceted, and women's roles were varied and nuanced. Female stereotypes existed in the medieval world, but so too did women of power and influence. The pages of illuminated manuscripts reveal to us the many facets of medieval womanhood and slices of medieval life-from preoccupations with biblical heroines and saints to courtship, childbirth, and motherhood. While men dominated artistic production, this volume demonstrates the ways in which female artists, authors, and patrons were instrumental in the creation of illuminated manuscripts.

何正璜、王子云夫妇是中国近代美术史上的泰斗级人物。在中国雕塑艺术家里，王子云是第一个对汉唐陵墓雕刻进行了几乎全部实地考察的人，留下了大量的摄影作品、拓片、复制品以及全景写生长卷。王子云1940年倡议、组建、主持、实施了长达五年之久的中国西北艺术文物考察团的活动，实为中国艺术文博界之开荒工作，何正璜正是在这次考察团中与王子云相识相恋进而相守一生，一起为中国艺术文物保护工作奉献了一生。何正璜的日记再现了当年的那段经历。一个志同道合、矢志不渝的爱情故事。日记文笔清丽、富有哲思，是学识才情的自然流露，任何一章一段都让人击节，掩卷叫好。

（附贈：藏書票五枚）
本書為我們著名服飾史專家、原上海戲劇學院教授周錫保先生的遺著，自1956年作為文化部、教育部研究課題，並于1961年列入全國高等院校教材編寫目錄。周先生一向以治學嚴謹著稱，而服飾史又是一門嶄新學科，從上古，到迄于清末民初，不論從文字上，還是圖片資料上，都需要做最基礎的爬羅、剔抉工作，至艱至巨，殊無捷徑可言。周先生窮十餘年之功力，孜孜以求，銖積寸累，以底于成；而此書一出，國內同類著作中，至今已無人能出其右。

In this meditation/how-to guide on drawing as an ethnographic method, Andrew Causey offers insights, inspiration, practical techniques, and encouragement for social scientists interested in exploring drawing as a way of translating what they "see" during their research.

本书主要介绍了音律计算法，五度相生律，纯律，十二平均律和世界几个有影响的地方的律学简史等。另外第三次修订版，是在前次增订版的基础上，将80年代以来中外有关律学研究的新资料或新成就补充或据以修改。例如：择要来说，第六章《中国律学简史》除补充详细的有关律史资料外，加进今人对古代律学和民族乐制研究的新成就，并于该章最后加写“律学研究的新时期”一节，历述1911年至今，音乐家和学者致力于律学研究的成果和律学研究机构、教学等发展的形势等等。

艺术史研究中长期以“仕女画”或“美人画”来表述以女性为主题的绘画作品，但这样的术语不仅相对晚出，在形成过程中还带有一定的画科定位和评论取向，也无法囊括所有围绕“女性”产生的绘画作品。本书中，巫鸿先生提出了“女性题材绘画”这个概念，并引入“女性空间”作为讨论的核心，意图把被孤立和抽出的女性形象还原到它们所属的图画、建筑和社会环境中去。
围绕“女性空间”，作者梳理了从战国到明清各个历史阶段中女性主题绘画的发展状况——从武梁祠的列女画像砖到南北朝的《洛神赋图》，从青楼名妓的自我表现到展现理想化美人的《十二美人图》，以图文并茂的方式，展现“女性”在各种绘画场景和时代中的不同呈现，重构其所从属的原作；结合艺术评论、时代背景等因素，深度挖掘作品背后审美价值和商业价值的相互影响，进而思考女性题材绘画在社会、宗教与文化环境中的意义。

Winner of the 2009 International Convention of Asia Scholars Book Award
Winner of the 2009 Levenson Book Prize (for book on pre-1900 China), sponsored by the Association for Asian Studies
Winner of the 2009 Charles Rufus Morey Book Award from College Art Association
Winner of the 2008 James Henry Breasted Award from the American Historical Association
Early China is best known for the dazzling artifacts it has left behind. These terracotta figures, gilt-bronze lamps, and other material remnants of the Chinese past unearthed during archaeological excavations are often viewed without regard to the social context of their creation, yet they were made by real individuals who contributed greatly to the foundations of early Chinese culture. With Artisans in Early Imperial China, Anthony Barbieri-Low combines historical, epigraphic, and archaeological analysis to refocus our gaze from the glittering objects and monuments of China to the men and women who made them.
This book represents the first in-depth social history of artisans in early China. How did they live? How were they trained? How did they market their products? How free were they? In this engaging and illuminating analysis, Barbieri-Low explores these artisans' lives and careers from a variety of aspects. First, he examines their position within early Chinese society, analyzing their social status, social mobility, and role in the early Chinese economy. Delving deeper, he steps into their workshops to learn how they were trained, what tools they used, and what workplace hazards they faced. Following their wares to the marketplace, he investigates some of the marketing techniques used by artisans and merchants, including such startlingly modern practices as family trademarks, rhyming jingles, and knockoffs of royal products.
From the dirt and din of the marketplace, Barbieri-Low enters the rarefied air of the court, with its own visual and material culture and its own professional artisans. This court was constructed upon the backs of yet another class of artisans, the most abject, those found in labor camps and slave markets. These were the men and women who built and decorated many of the great palaces, temples, and tombs of early China. Barbieri-Low compellingly argues that the state used a cold-blooded mathematical formula to optimally exploit these coerced laborers without upsetting the balance of the economy or fostering revolt.
Artisans in Early Imperial China humanizes the material remains of the past, revealing the men and women who made the beautiful artifacts we know today. This book will appeal to anyone interested in Chinese history, as well as to scholars of comparative social history, labor history, and Asian art history.

《从绘图到建筑物的翻译及其他文章》是建筑历史与理论家罗宾·埃文斯的文集，收录了作者自1970年到1990年间颇具影响力的文章。绘图是建筑知识和建筑实践中一个不可或缺的工具和媒介，埃文斯将图视为一个自为的媒介，探讨了不同图示表达与建筑物之间的关系。此外，本书还收入了作者对建筑师与建筑颇具批判性和启示性的分析和解读，以及对建筑与日常生活和社会需求之间具有洞察力的解释。

全书共收入瓦尔特·本雅明于20世纪30年代写就的《摄影小史》（1931）、《机械复制时代的艺术作品》（1936）、《绘画与摄影》（1936）和《法国国家图书馆中国画展》（1938）4篇论文。
其中，《摄影小史》和《机械复制时代的艺术作品》均为本雅明享誉世界的佳作名篇。作为对摄影、电影的批评实践中的丰碑，它们不仅为人们理解这两个媒介提供了一种全新且富于启发的视角，对尼塞福尔·尼埃普斯（Nicéphore Niépce）、欧仁·阿特热（Eugène Atget）乃至奥古斯特·桑德（August Sander）这样的摄影先驱及他们的美学、技术成就做出了令人印象深刻的评判，也极为深入地讨论了摄影、电影与绘画之间纠缠不清、若即若离的关系。