《蒙太奇论》选译自苏联六卷本《爱森斯坦文集》。爱森斯坦作为苏联蒙太奇学派的代表人物之一，创作《战舰波将金号》、《十月》等堪称经典的电影杰作。作为电影理论大师，爱森斯坦力求探索艺术作品对观众产生最有效影响的途径，创建了电影蒙太奇理论，在爱森斯坦看来，蒙太奇的意义不仅仅归结为选择，有节奏的组织和联想，也不仅仅归结为情节元素的衔接。爱森斯坦的蒙太奇理论主张两个镜头的并列以及它们的内在冲突会产生第三因素对所叙述事物的评价和观点。

Among the world's instruments, the piano stands out as the most versatile, powerful, and misunderstood -- even by those who have spent much of their lives learning to play. In Piano Notes, a finalist for a 2003 National Book Critics Circle Award, Charles Rosen, one of the world's most talented pianists, distills a lifetime of wisdom and lore into an unforgettable tour of the hidden world of piano playing. You'll read about how a note is produced, why a chord can move us, why the piano -- "hero and villain" of tonality -- has shaped the course of Western music, and why it is growing obsolete. Rosen explains what it means that Beethoven composed in his head whereas Mozart would never dream of doing so, why there are no fortissimos in the works of Ravel, and why a piano player's acrobatics have an important dramatic effect but nothing more. Ending on a contemplative note, Piano Notes offers an elegant argument that piano music "is not just sound or even significant sound" but a mechanical, physical, and fetishistic experience that faces new challenges in an era of recorded music. Rosen ponders whether piano playing will ever again be the same, and his insights astonish.

画家挥洒翰墨，手卷随手慢慢展开；雅集的士人聚在园林，正赏玩着竹杖挑起的一幅立轴；帝王在画屏前驻足，随后在屏背题诗一首。对于理解中国绘画来说，这些具体的绘画形式与特定的观赏场合显然十分重要。然而在大多数对这一重要艺术传统的介绍中，这一切还是被忽视了。一幅中国画往往只剩下画心的图像，绘画的物质性消失了，绘画与社会生活、文化习俗的紧密联系因而也变得隐晦不明。
本书首次尝试把中国绘画既视为物质产品也看作图画再现，正是这两方面的交互合作与相互制约使得一张画生意盎然。这种新的研究方式打破了图像、实物和原境之间的界限，把美术史与物质文化研究联系起来。屏风可以是一件实物，一种艺术媒材，一个绘画母题，也可以是三者兼而有之，巫鸿对此进行了详尽的综合分析。通过多样的角色，屏风不仅给予中国画家无穷的契机来重新创造他们的艺术，同时也让本书作者有机会处理宽广的主题，包括肖像与图画叙事、语词与图像、感知与想象、山水画、性别、窥探欲、伪装、元绘画以及政治修辞等等。

《唐寅落花诗册》内容简介：我国书法艺术有着悠久的历史和独特的风格，书家辈出，书法宝库十分丰富。为了适应广大初学者特别是中等学校学生临习传统书法的迫切要求，以及书法爱好者欣赏学习的需要，我们选择了行书书体编辑了这套《历代碑帖法书选》行书集。

本書以一個嶄新的研究取向，拓展了我們對文徵明（1470–1559）這位偉大藝術家的瞭解。不同於以往的研究成果聚焦於文徵明作品的外在形式，作者於本書中特別關注作品的製作情境，例如時機與場合，盡可能地利用文徵明當時的文獻材料（特別是其詩文）與作品，並參照人類學、社會學、歷史學和藝術史學的研究成果與方法，自人情義務與禮物交換的角度，重新審視文徵明的生平與作品，探索文徵明如何在各種活動場域中建構主體與自我。
書中共有八章，每一章皆以某種場域、某一組特定的關係類型作為參考架構，這兩者不僅定義了文徵明的自我認同，同時也是他據以待人接物的出發點。第一部分的三章處理了與文徵明前半生有關的場域，包括家族、師長、同儕；第二部分是透過官場與地緣檢視其社交關係，援引的資料橫跨其一生；第三部分則著重處理他後半生的場域，包括顧客與弟子。最後一章檢視在文徵明死後如何凝聚出一個一貫且鮮明的「偉大藝術家」形象。

郭伟其所著的《停云模楷》在最大程度上考虑了文徵明最独一无二的个人背景与个性，并为此引入了“停云模楷”等关键词，重新考察了《停云馆帖》的摹刻以及文徵明的出版、藏书、书画创作等相关问题，反映了他在仕途之外重新开辟“不朽”之路，传播文氏风格、建树文氏家学的努力。

《歷代小楷名作選刊-文徵落花詩》，本书是中国明代的楷书法帖。

本书为“高居翰作品系列”第五种，也是中译本的首次面世，主题讨论中国古代画家，尤其是元、明、清晚期画家的工作与生活。高居翰在这本书中，试图打破文人画家“寄情笔墨、自书胸臆、不食人间烟火”的神话，从实际的社会生活层面，考察了不同阶层画家的状态，他们如何将作品作为社交的礼物与应酬，如何通过卖画来养家糊口，如何苦于画债繁多而草草了事或雇佣助手，而对赞助人、收藏家和顾主来说，他们如何从画家手中取得作品，他们的希冀和要求对画家创作能起多少权重，他们如何判断获得是一张应酬之作还是一幅真正有艺术价值的作品……总之，在出自文人之手的主流撰述之外，高居翰通过搜集大量信笺、笔记、题跋等容易被忽视的材料，向读者展开了一幅自宋末以后，随着商业繁荣、社会中对绘画需求增加，画家们在不同层面谋生与创作的生动场景，使我们更充分地了解和考虑到一幅作品创作的原初情境，从而重新调整对艺术风格、品评标准的看法，读来令人读来耳目一新，是同类书市场中难得而重要的学术普及读物。

《倪瓒年谱》内容简介：中国古典绘画史上曾发生过重大影响。董其昌评其画为逸品，居神品之上。传说明清间江南人家以有无云林画论清俗。当代更有人认为，中国文人画的艺术高峰在元代，而高峰的顶峰便是倪瓒。《倪瓒年谱》为倪瓒的年谱。

杨仁恺先生是我国国宝级的古书画鉴定大师。自20世纪50年代始，他亲历了搜求清宫散佚书画国宝的过程，接触了大批当事人，留下了翔实的记录。在对陆续发现的大批书画进行反复考察研究之后，开始撰写《国宝沉浮录》。此书按照历史进程，以事件中的人物活动为经，以对作品的分析为纬，见人见物，堪称古代书画研究的经典之作。 此书初版之后，又屡经增补修订，此次出版为最新彩图修订本，作者补充了一些近年的最新发现。全书配以一百多幅精美彩图，全彩铜版纸印刷，图文并茂，是书画收藏研究的必备参考书。

本书以山东安丘一座清代石坊“庵上坊”为考察对象，从追溯它的建造缘由入手，讲解它的建筑式样和装饰题材；由欣赏它的艺术之美，既而分析它的表面与实际功能；以这座牌坊为例，揭示了清代流行起来的建筑样式“贞节牌坊”的隐匿意义：虽然建造的名义是为纪念那些籍籍无名的妇女，但这些牌坊并没有提供表彰对象的真实生平，其真实功用乃是作为地方富豪彰显和增强一己势力的载体。在富贵吉祥的装饰图像和庄正醒目的匾额题词背后，隐藏着不为人知的意旨和不曾言说的故事……
作者对这一典型题材进行过多年的深入探查，亦参考和援引了多方的研究成果，在历史语境下清晰勾画出石坊所衍生的各种形式的话语及其彼此间复杂的关系；在精心铺叙的种种故事之间，巧妙地穿插着对于许多理论问题新颖的思考。其精到的述说呈现了丰富灵动的历史文化景观，堪称见微知著。作为艺术史、建筑史的个案分析，本书将历史、建筑、雕刻、民间文学/民俗文化等诸多领域融于一炉，篇幅精短然而颇见功力；配有插图106帧，以亲自测绘和访查拍摄为主。这使本书同时成为一本具有亲切感的图文艺术书和文化旅游读物。

《宣和画谱》二十卷，是《宣和书谱》的姊妹篇，成书于北宋宣和二年（1120），一般认为是宋徽宗及其内臣（或臣子）所编。该书系统著录皇家秘藏魏晋以来至北宋名画，总计画家231人，作品6396 件，是我国历史上第一部系统记录宫廷藏画的巨著，以其著录完备、保存了大量史料而在画学史上占有重要地位。该书分道释、人物、宫室、番族、龙鱼、山水、畜兽、花鸟、墨竹、蔬果十门，每门系以短叙一篇，叙述该门类的起源、发展、代表人物及不著录某些画家的缘故等内容；其下按时代顺序收录画家小传、品评及其作品目录，这种议论、史传、目录兼收并蓄的体例对后世书画著录、品评类著作产生了重大影响。该书最珍贵的版本为元大德年间刻本，现藏于台北“故宫博物院”，该院虽曾于1971年影印出版，然大陆罕见。本书即据大德本排印，施以标点，以《津逮秘书》本、《四库全书》本参校，并收集了历代有关《宣和画谱》的著录资料作为附录，力求呈现给读者一部资料完备、堪称善本的《宣和画谱》。

数学与音乐有着怎样的奇妙关系？本书以通俗的语言再现数学与音乐知识的发现思路，从数学、音乐各自角度讲解了两门学科的本质精神，并由此阐释了两者之间的奇妙关联和各自的"创造"的方法。没有复杂拗口的专业术语，用最基本的认知和逻辑创造属于自己的数学与音乐吧！

瑞士建筑素有美誉，尤于20 世纪90 年代异峰突起，一众建筑师们以彼得·卒姆托、赫尔佐格与德·梅隆、彼德·马克利、吉贡/ 古耶等为代表人物，凭借其设计作品的非凡表现力蜚声国际建筑界。
2000 至2009 年间，瑞士建筑秉承优良传统，孜孜求索，前行不驻。本期专辑选录了该十年间建成的一批瑞士建筑项目，旨在呈现和探究其发展演进动态。本期以三大主题版块重点介绍了瑞士建筑的三项显著特质。“地气文脉”版块突显了建筑与瑞士特有的自然环境（阿尔卑斯山地）或城市景观之间的密切契合。“改造更新”版块所收录的项目着眼于如何采取恰当的现代技术措施对瑞士本土建筑进行修复和改建，焕发其生机活力。“构造细部”版块则重在发掘建筑构造上的巧思创意，展示了一批在建材、结构和施工工艺方面独具匠心、精工细作的项目。此外，“新兴设计事务所、建筑教学及生态化设计”版块面向未来，推介了若干深具潜力的新兴建筑事务所，探讨了可持续建筑的设计发展，并通过一组论文，深层透视瑞士的建筑教学体系。
本期刊载主题论文两篇，分别由哈伯特斯·亚当、汉尼斯·迈耶和文·维瑞撰写。作为对具体设计项目的理论补充，两篇论文提纲契领，回顾总结了瑞士建筑过去十年来的主体走势、发展轨迹和实践经验。

继《造物有灵且美》《美物抵心》之后，日本轮岛漆艺家赤木明登带来散文集《无名的道路》，再次对“美”发问。
很少有人像赤木明登一样，在人生盛年隐居小岛，单调做漆三十年。这黄金的三十年让赤木明登有足够的时间与自我对话，思索人与世界的关系、活着的意义、人最需要的是什么，以及美是什么，手中器物又承载着什么。
《无名的道路》正是赤木明登的生活美学和造物哲思的精华。
他在松田正平、汉斯•梅姆林、阿尔弗雷德•沃利斯、马克•罗斯科、石元泰博、角尾三郎的作品中看见线条、质感、诗情、童真、细腻，一步步延展对美的感悟。
他在海边最常见的圆石、屋前旺盛的树木、春日大社前流淌的溪水、祭祀时熊熊燃烧的火把里看见生命的循环，慢慢调整生活的姿态。
到最后，一切又重新归于“造物”。对赤木而言，安静上漆，认真做物，这就是活着。
如何生活，如何体会美，如何找到自己，赤木明登在这本书中一点一点做出回答。它是一份参考，是一份提示，却不是标准答案。这条探寻的道路没有名字，应由每一个你与内心的自我对话，迈开脚步走下去。

《中国的运河：苏州/杭州/绍兴/上海》是安野光雅的随笔画集，以四十幅绝美水彩配优雅文字，为我们记录下被遗忘的中国传统之美。
1985年5月，安野光雅由苏州开启“中国的运河”写生之旅，城镇间小桥流水人家，船儿在河道中来来往往；郊外水田绵绵，山丘上满眼皆是茶园；寒山寺等古刹掩映在茫茫绿树间，游人络绎不绝；上海外滩的街道熙熙攘攘，黄浦江面上波光粼粼、货船客船穿梭如织。
安野光雅用一笔一画，尽展江南水乡的温婉闲适。寥寥几笔，便将水色淋漓、质朴民风的诗意风景展现在人们眼前，让你找回遗失在历史角落里的美好记忆。

莫扎特提倡的人道主义世界观和纳粹思想尽管明显不相容，第三帝国仍将这位伟大作曲家的音乐用于巩固自己的政权。本书作者艾瑞克•莱维查阅了期刊、日记、演讲稿等大量档案材料，再现了纳粹利用莫扎特建立自己文化及政权优势的史实。

我用这三场讲座做了一件我一般不太做的事，就是直接地讨论美术史研究中的概念和方法。我感到，美术史在中国是个有活力、吸引年轻学子的领域，因此希望将这个系列讲座想象成一个短期课程，从方法论的角度总结一下自己的学术研究和面对的问题，在总结和发展以往学术成果的基础上，引导听课者思考问题、寻找新的题目、做新的研究。——巫鸿
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《“空间”的美术史》是巫鸿教授应OCAT研究中心之邀于2016年6月20—22日在芝加哥大学北京中心进行的系列讲座的整理出版。
美术史对视觉对象的分析长期以来围绕“图像”和“形式”这两个核心概念展开，而“空间”及与之有关的概念不断出现在作者的美术史写作中，开始形成观察、描述和解释美术作品中的一个框架。
本书以“空间”为线索，将作者多年对中国美术史的研究在方法论的高度上进行整合，并从教育者的角度，首次为国内年轻学子开启“讲习班”模式，为学生总结自己以往研究的意图，讲解自身的治学经验。
讲座部分中英文共同呈现，同时收录与中央美术学院郑岩教授、浙江大学沈语冰教授和广州美术学院李清泉教授的三场精彩对谈，带来对“空间”主题的多角度思考。