《艺术、神话与祭祀》是考古学家张光直先生诸多学术著作中的一本，也是作者自己最为喜爱的一本。该书以他1981至1982年在哈佛大学为非专业本科生所开设的一门课程的讲稿为基础选编而成。在本书中，他以其独特的视角，重新审视夏商周三代相关的历史文献和考古材料，通过对神话传说和历史事件、沟通天地的祭祀过程及手段、古代中国青铜器及其装饰艺术（主要是动物主题装饰艺术）的意义、古代文字的产生及表现形式等问题进行深入的讨论，回答了文明或王朝是如何在古代中国兴起的问题。从艺术、神话与祭祀的角度，探讨了古代中国政治权威的诞生之路。

正仓院是海外收藏唐代文物最著名的机构，原是日本于8世纪中叶在奈良建造的东大寺附属仓库。东大寺是日本建造的全国佛教总寺院，规模宏大，其仓库用于收藏寺院珍宝器物。后来，笃信佛教的圣武天皇去世，光明皇后将其生前珍爱的器物用具捐藏于正仓院，里面包含不少来自唐朝等地精妙绝伦的物品，备受瞩目。
本书是继傅芸子先生《正仓院考古记》之后，几十年来对于正仓院文物介绍最为全面系统的汉文读物。全书文字约5万字，图片150幅。本书的价值在于对正仓院文物背后的隋唐中原文化、中日文化交流以及文物本身所蕴含信息的解读，在于将这些知识介绍给对历史感兴趣的广大读者。

【编辑推荐】
◎ 推特CEO杰克·多西(Jack Dorsey)真诚推荐，著名导演大卫·林奇(David Lync)的枕边书，美国艺术院校常年推荐书，影响了近百年绘画者的艺术启蒙经典。
◎ 收录美国著名艺术教育家、现实主义先驱罗伯特·亨利100年前的信笺笔记、艺术评论， 真实再现20世纪欧美艺术界观念流派与历史脉络。
◎ 完整呈现罗伯特·亨利的艺术观念、技法、鉴赏与研究，小到对笔触、线条的技法钻研，大到对绘画、音乐、雕塑、诗歌、哲学与时代审美的思考，从技法到心法，指引你的艺术之路。
◎ 艺术学生、文艺爱好者、绘画学习者、创意工作者获取灵感的宝藏之书。
【内容简介】
罗伯特·亨利，
一位与雷诺阿、塞尚同时代的大师，
一位于天才辈出的19世纪，桃李满天下的艺术引路人。
他曾在纽约艺术学生联盟传道授业，
也曾在给绘画学子的回信中谆谆教导。
在他身后，遗留下的浩繁笔记、书信、讲稿和文章，在此汇集成册，
璞玉不琢，完整呈现一百年前的原始篇章。
书中涵盖了他对美的全部认知，
对线条、块面、明暗、色彩、笔触、背景的独到见解，
对伦勃朗、提香、马奈、雷诺阿、塞尚的批评，
对绘画、音乐、雕塑、诗歌、哲学的共时思考，
对时代审美的反思，对艺术个性的鼓励，对永恒艺术的追寻……
透过他的只言片语，你将抵达超越时间与空间的，那个瑰丽而伟大的思想所在。
那就是艺术精神。
【媒体推荐】
“它帮我顺利过渡难关，帮我开始，也帮我完成了很多事。它为艺术学子讲述创造力，但我认为，对于所有那些即将面对挑战的人来说，它依然非常具有说服力，希望你也能成为这本书的读者之一。”
——杰克·多西 Twitter（推特）创始人
“每个人都有过在生活中动些巧思的经历，让各种事物更好、更美、更有效率或趣味。《艺术精神》就是这样一座充满智慧的宝山，永远指引着你真诚的方向，它会占据你的床头，读它百遍也不嫌多。”
——简忠威 国际知名水彩画家
“35年前我就买了这本书，当时某些段落我根本读不懂。后来我重读了一遍，发现同样的段落居然展现出了不同的意义。罗伯特·亨利将艺术家们试图表达的东西都写了出来。这是一本鼓舞人心的书，它可以帮助艺术家找到自己内心深处的创造精神。”
——凯文·麦克弗森（Kevin Macpherson）美国著名油画家，《油画的光与色》作者
“在我的书房里，被我看得最破的书有两本，一本是罗伯特·亨利的《艺术精神》，一本是梅约的《手册》。”
——理查德・施密德（Richard Schmid）世界知名画家、教育家
“我还记得当时在纽约联合广场，听到学生热烈讨论亨利晚课的讲话。那次讨论相当激烈，也许没人会相信，这些年轻人白天做苦力，晚上却来画室作画数小时。他们聊完天后就在长椅上倒头大睡，因为他们连租一间房过夜的钱都没有。那些尊重表达自由的男男女女，从未忘记也无法忘记亨利曾给予他们的如此宝贵的一课。”
——福布斯·沃森（Forbes Watson） 纽约艺评家
“《艺术精神》之于艺术学生，犹如《圣经》之于基督徒。”
——美国亚马逊读者

设计作为一个学科在全世界都是年轻的新兴学科，而中国设计的年资就更短了。一门成熟的学科，必然有明确的观念指引，由观念而产生较为明晰的科学范式，由范式而衍生出一系列具体实践，实践印证观念的成效，也能修正观念的偏差，如此循环反复，构成一个不断前进的链条。这自然是一个理想的状态，中国设计目前达不到这样一个状态。中国现代设计的发展历程，既无那么多观念生成，也缺乏观念演进的清晰线索，间歇式的引进、学习和模仿，构成了人们对中国现代设计的直观印象。然而沈榆先生通过十几年的研究，为我们开辟了另一条思考、理解中国设计的路径。作者将研究坐标放在“设计”也是由设计师们的活动或行为所组成的，是一种人类活动。这样一种行为是在政治、经济、社会背景下发展起来的，因而作者在研究设计观念史的时候，融入了社会学、科学、哲学、心理学等各方面的知识。在研究中，作者突破贴“标签式”的研究方法，在真实的设计实践与探索中反思，引出了许多有趣且深刻的观点。本次活动作者将与广大读者近距离分享他在研究中的所得、所想。

東京国立博物館で2019年1月16日より2月24日まで開催する特別展「顔真卿　王羲之を超えた名筆」の公式図録です。
中国の歴史上、東晋時代（317-420）と唐時代（618-907）は書法が最高潮に到達しました。書聖・王羲之（303-361）が活躍した東晋時代に続いて、唐時代には虞世南、欧陽詢、褚遂良ら初唐の三大家が楷書の典型を完成させました。そして顔真卿(709-785)は三大家の伝統を継承しながら、顔法と称される特異な筆法を創出します。王羲之や初唐の三大家とは異なる美意識のもとにつちかわれた顔真卿の書は、後世にきわめて大きな影響を与えました。
特別展「顔真卿　王羲之を超えた名筆」は、書の普遍的な美しさを法則化した唐時代に焦点をあて、顔真卿の人物や書の本質に迫ります。また、後世や日本に与えた影響にも目を向け、唐時代の書の果たした役割を検証します。
全372ページ、判型はA4変型（225×297mm）
激情の書「祭姪文稿」を原寸大で収録。
「祭姪文稿」「自叙帖」現代語訳収録。
全作品釈文収録。
北宋の文人・李公麟の名画「五馬図巻」を全図掲載。

致读者：当你面对充满皱褶的封面，请不要惊讶，
我们只是想以此来寓意沉溺于故纸堆的惊讶及过程，
期待与你分享这份感受。
100年
249位插画师、艺术家、设计师
450余幅图像
10篇口述
以年代为序勾勒上海百年插画艺术的视觉历程，
与《上海字记》共同集成“字与画”的城市文化图像简史。
从清末小说绣像、西人引入的科技铜版画，
到朵云轩木版水印、民初西式美术教育带来的审美格调，
国货运动的商业 广告包装 ，战时的红色印迹，
至新中国工业腾飞、改革开放掀起的流行风尚……
插画于各个年代及各个领域的表现形式，
在本书中悉数展陈在读者面前。
本书出版获上海文化发展基金会图书出版专项基金资助

《大明》是一部具有创新性和可读性的历史读物，通过丰富的图像和实物材料，呈现了中国历史上的一个文化高峰——明朝。它不是按照时间顺序讲述帝王的更迭，没有面面俱到介绍明朝的人物和事件，也没有大轮廓地勾勒明朝的兴衰，而是为现代读者进入明代历史提供了一组新颖的切入点：有关动与止的观念，有关文字书写的位置和特色，有关娱乐、暴力和年龄的观念……甚至讨论明代灭亡之后的“明代”，即明代的图像和物品是如何被重新编排、重新想象的。作者通过强调同时期中国与亚洲其他地区的相动往来，挑战了明代中国固步自封、孤立于世界其他文明而存在的观点。
书中运用的插图资料选自世界范围内的公私收藏，既有大量书画、瓷器， 也有兵器、家具、服饰、货币、丝织品、书籍印刷品，用以阐明明代艺术与文化的多样性。作者还广泛考察了现代的影像和创作资源。明代作为中国文化资本的宝库，一再被加以阐发和利用。《大明》为所有中国文化史的研究者、与早期现代世界领域相关的历史学家和艺术史学者，以及对中国历史有兴趣的读者提供了多种多样富于启发的素材。
本书源于作者柯律格2004年在牛津大学所做的八次“斯莱德美术讲座”。作者的目标是震撼西方的听众，让人们抛掉心中可能有的对明代中国的成见，尤其是那种认为明代中国在本性上静止不动而且尘封闭塞的看法。事实上，明代产生的图像和物品极具多样性和复杂性，包裹在各式话语之中，为后人探究明代的社会生活文化提供了丰富的可能。

★《中国古代建筑与艺术》系日本著名建筑史家关野贞博士文集全四卷中的第四卷。全书内容包括三部分：第一，中国艺术史概论，对中国自秦汉至清代建筑与工艺品的特征与发展进行了脉络性的梳理，并专设陵墓、砖瓦、墓砖、碑碣等条目详细介绍。第二，个案分析，以西安府文庙与碑林、蓟县独乐寺、大同大华严寺等地建筑为例，详细考证其历史渊源与建筑特色。第三，游记信札，记录作者游览过程中的客观见闻与主观感受。全书不仅对于中国古代建筑和艺术有完整的介绍与扎实的考证，同时也收录了大量精美而珍贵的图片，对于知识获取和艺术欣赏均弥足珍贵。

本书主要研究艺术考古的属性、研究方法、学术呈现、现实意义问题，以及在研究时应当如何取用材料等话题。全书共五章，另有导论、余论、图录、参考文献、后记。
导论交待全书研究的前提，指出艺术考古这个概念使用混乱的历史根由所在。并提出“艺术考古”这个概念在学术史 上的意义。
D一章讨论了艺术考古的发展与研究现状。从艺术考古学有关的争议开始讨论，结合艺术史在中国的发展状况，提出艺术考古在中国可能的学科意义以及在世界范围内进行交流的学术意义。
第二章讨论了艺术考古作与研究方法的问题。作为方法，它是艺术史的一个新方法，为近年来国内的一个热点方向。作为一个门类，它发展迅猛，是很多新理念、新态度的试验田，这些方法包括整体研究法、微观研究法、实验考古研究法等。
第三章主要讨论了艺术考古的视觉再现问题，艺术考古研究与图像呈现分不开，不论是在论文发表，还是在文博展示，但是以往的研究中这一部分是非常缺乏的，本研究分了七大类分析了展示的形式、特点，特别是对当下*新科技VR、3D扫描、三维建模等均作了详细的讨论，包括它们的特点与不足。
第四章讨论了艺术考古的材料取用问题，重点讨论了两类近年来学界比较关心的问题，一是来自民间的材料问题，二是来自海外的材料问题。并通过具体的研究实例加以佐证研究的观点。
第五章讨论艺术考古研究的现实意义。艺术考古在现实中可以为文创等非遗开发的活动提供学术参考，研究通过“裂瓣纹豆”这个具体的例子加以佐证。
余论是通过具体的例子对于艺术考古研究中很细微却又很重要的问题加以讨论。
全书紧扣学界关心的热点，从理论到实践，系统地讨论了艺术考古作为一个学科、研究方法所具有理论意义、文化意义、现实意义。

-编辑推荐-
★1970年代艺术史酝酿新的变革之际，布列逊创作了“新艺术史三部曲”，本书正是其中的第二部，它于1983年问世后，对学术界产生了深远的影响。
★通过这三部惊世之作，布列逊史无前例地将“法国理论”引入艺术史研究，为艺术史研究注入了新的活力。
★在本书中，布列逊大胆地批判了贡布里希的“感知论”，也就是“一个对绘画符号的物质本质予以认可，但尚未深入理论化的过渡性美学”。
★借助《七柏图》、《溪山兰若图》、《酒神与阿里阿德涅》、《画室中的艺术家》等中外名画，布列逊再次强调绘画的社会维度，避免符号学研究的形式主义，从而走向一个“真正历史的”艺术史学科。
-内容简介-
本书涉及视觉研究和艺术史研究中的一系列重要的议题，布列逊一方面立足于艺术史的传统问题，另一方面大量借用法国新理论对问题进行重新的梳理和反思，对被视为经典或者被认为自然而然的习见给予批判性的考察，对观者与绘画的关系做了重新审视。

《里帕图像手册》是西方世界影响最为深远的一部图像志手册，首版于1593年。它不仅是当时艺术家、诗人以及艺术爱好者人手必备的参考书，也是后世艺术史研究者描述与阐释艺术作品的重要文献资料。将抽象概念拟人化是西方独有的象征传统，源于古典时代，经由中世纪作家和文艺复兴学者的诠释、综合，焕发出绚丽的光芒。本书以手册的形式总结归纳了这些拟人化形象，涉及的知识涵盖哲学、历史、天文、地理、音乐、数学等各个方面。它的出版标志着西方人文主义寓意图像志体系的建立。
文艺复兴时期群星璀璨，本书作者切萨雷·里帕（1555—1622）起初却并不瞩目，甚至其生卒年直到20世纪才被学界确定。作为一名红衣主教家中的侍者，里帕得以接触丰富的古典文献资料，他在仔细甄选后完成了这部图像手册，并在其中融入了自己的丰富想象。里帕的勤奋、眼界和创造力，使他从一个默默无闻的侍者，最终一跃成为西方文化史中的明星。
此书1593年的首版并无插图，再版时才增加了图像，之后被翻译为各种文字广泛传播。此中译本根据1709年于英国伦敦出版的首个插图英译本译出，图文并茂，生动形象，弥补了长期以来这一经典著作无中译本的缺憾，为艺术史研究者提供所急需的参考资料，并将惠及其他人文学科。

中国赏鉴书画的方式被称为“读画”。那么我们如何去读一幅画作呢？绘画艺术是一种视觉语言，仅靠文字不足以充分传达出画作所呈现的意境。《如何读中国画》一书，力图通过对36幅美国大都会艺术博物馆典藏的绘画和书法作品的视觉解析，以揭示其成为杰作的缘由。
何慕文先生以博雅而通俗的文字，深入探讨每幅作品的丰富意蕴。在他的叙述中，风格、技法、象征、传统、史实和画家的个人背景，都对作品的解读有重要作用。作品选择上，时间跨越千年：从8世纪到17世纪；题材涵盖广泛：从山水画、花鸟画、人物画，到宗教绘画和书法作品。所有这些都说明中国书画家有着同一个创作主旨：不仅要传“真”，捕捉物的外貌，更要传“神”，表达其内涵。作者以大量的彩色局部详图伴以详实的解说，带领读者深入到每幅作品最重要的层面来赏析。
作者以图文相结合，逐步展示中国画的多种主题和特征。“读”一幅中国画就如同在与历史对话。细细阅读一幅画卷或一本图册，人们共享了一种重复了几百年的私密体验。正是通过这样一次又一次的阅读，作品的内涵得以逐渐被揭示出来。

斯塔德曼严谨地采用暗箱对维米尔工作室进行的重构，证明了维米尔使用暗箱。即暗箱曾被用来投影准确的图像供画家们描绘轮廓， 17 世纪荷兰艺术家维米尔正是采用暗箱装置，完成了一些西方艺术中最有名的画作。
这些发现并没有让维米尔的天赋一文不值，反而展现了他如何同许多艺术家一样尝试使用新的技术发展自己的风格或选择主题。书中精细的调查和大量同时代的插图完美地展现了欧洲在那个时代巨大的科学和文化创新与进步。

本书以时间为脉络，介绍日本艺术从远古时代到20世纪末的发展历程，为初学者传递日本之“美”。尤具特色的是，作者参照广阔的中、西文化背景，重点关注日本各个时代最具创新意义的艺术，以此展现日本艺术精神的宽度和弹性。全书文字轻松晓畅，并配有250幅珍贵的插图。

明代杰出的书画艺术家董其昌集前人之大成，融会贯通，洞察画坛时弊，明智地提出画分“南北宗”的画学审美观，并以创作实践充分印证其理论
所达到的文化高度，足以与“元四家”及唐宋各大家相媲美，无可争议地被载入中国杰出文人画家的史册，同时也是文人画理论史上的又一个高
峰。尤其是董其昌“笔墨论”的提出，翻开了文人画史的新篇章，清四高僧、四王吴恽、金陵画派、新安画派，乃至晚清近三百年的画坛，大都在
其理论影响下，形成了一个群体性的文人画创作高潮。
本书以“董其昌和他所处的江南社会”为切入点，邀请来自故宫博物院、上海博物馆、南京博物院、广东省博物馆、美术学院、复旦大学、南
京大学等国内知名博物馆与学术机构的专家学者撰文并配以百余幅精美书法、绘画作品，内容主要涉及时代背景、地域环境到董其昌的交游、鉴
赏、艺术理论与创作，以及董其昌的后世影响等，全方位呈现出董其昌的生平与艺术成就，有助于引领读者从多角度深入了解董其昌的艺术成
就，并进而了解中国传统书法、绘画艺术的博大精深。

本书是以全球艺术史的宏观视角叙述中国山水画在艺术史版图下的面貌，也涉及中国山水画史所体现的艺术史全球性和本土性的问题。作者试图对中国山水画叙事存在的"西方中心论"提出质疑，以一种公正客观的态度重新审视中国山水画或中国山水画的历史在西方美术史学中被描述时，它们是如何呈现在西方美术史学学科中的。本书以西方的中国美术史作者，从早期的费诺罗萨，到喜龙仁、罗兰、罗樾、李雪曼、方闻、苏立文、高居翰等现代学者的著述为研究对象，对隐含的比较原则进行了哲学的解读，认为在潘诺夫斯基、贡布里希、夏皮罗、贝尔廷等权威的笼罩下，西方美术史学对待非西方美术的研究不免有"西方中心"的色彩。书中不仅涉及中西方画史，且涉及西方历史哲学和艺术史编纂学的方法论等知识，具有很高的学术价值。

杰西卡·罗森（Jessica　Rawson）教授在大英博物馆工作二十余年，长期担任大英博物馆东方古物部主任，1994年后又执教于牛津大学中国艺术与考古专业教授，是目前中国艺术与考古领域最为活跃的西方学者之一。自从学生时代起，她就致力于通过物质文化来研究古代中国。在过去三 十五年的学术生涯中，她试图了解常出土于墓葬中的青铜器、玉器及其他工艺品是如何被使用的，从而进一步去理解这些器物的制作造者的技艺、生活和信仰。本文集收录罗森教授的研究论文17篇，内容涵盖青铜器（4篇）、复古维新（3篇）、墓葬（5篇）、中西交通（2篇）、装饰系统（3篇）五个方面，大部分完成于2000年之后，尚为首次以中文结集发表。通过这些文章，罗森教授希望能够和对古代中国有兴趣的读者来分享她的思考和见解。其中许多文章源自她在牛津大学的讲课。

祖先与永恒：杰西卡·罗森中国考古艺术文集
[英] 杰西卡·罗森 著 邓菲 黄洋 吴晓筠译
生活·读书·新知三联书店 2017-8
ISBN：9787108060297 定价：92.00元
杰西卡·罗森（Jessica　Rawson）教授在大英博物馆工作二十余年，长期担任大英博物馆东方古物部主任，1994年后又执教于牛津大学中国艺术与考古专业教授，是目前中国艺术与考古领域最为活跃的西方学者之一。自从学生时代起，她就致力于通过物质文化来研究古代中国。在过去三 十五年的学术生涯中，她试图了解常出土于墓葬中的青铜器、玉器及其他工艺品是如何被使用的，从而进一步去理解这些器物的制作造者的技艺、生活和信仰。
本文集收录罗森教授的研究论文17篇，内容涵盖青铜器（4篇）、复古维新（3篇）、墓葬（5篇）、中西交通（2篇）、装饰系统（3篇）五个方面，大部分完成于2000年之后，尚为首次以中文结集发表。通过这些文章，罗森教授希望能够和对古代中国有兴趣的读者来分享她的思考和见解。其中许多文章源自她在牛津大学的讲课。