《宋人丘壑：宋代绘画思想史》一书将五代、两宋联结，阐明彼时绘画发展的经纬脉络。五代、两宋在中国绘画史上是黄金时代，当时的画家在政治、经济、社会、文化转型机遇下创造了绘画的新时代。新的艺术哲学、美学，新的题材和笔墨技法，为其后一千多年的绘画发展立下坚实的基础。
本书前六章即分论五代，北宋前期、中期、晚期，南宋前期、后期。最后一章“附录—古画鉴赏专题”收录五篇论文。第一，分析《韩熙载夜宴图》的创作时代、人物情节、构图安排等。第二，解析《早春图》是否经裱画师改造。第三，从笔法和布局风格探讨《风竹图》的创作年代。第四，仔细分析《清明上河图》，包括创作年代、所画的内容与时节，最重要的是对所绘地点做深入分析探讨。第五，关于《明妃出塞图》与《文姬归汉图》的解读，因为这两幅画的人物、布局只有极小的差异，但一是“出塞”，一是“归汉”，有许多神秘议题待解。

艺术史研究中长期以“仕女画”或“美人画”来表述以女性为主题的绘画作品，但这样的术语不仅相对晚出，在形成过程中还带有一定的画科定位和评论取向，也无法囊括所有围绕“女性”产生的绘画作品。本书中，巫鸿先生提出了“女性题材绘画”这个概念，并引入“女性空间”作为讨论的核心，意图把被孤立和抽出的女性形象还原到它们所属的图画、建筑和社会环境中去。
围绕“女性空间”，作者梳理了从战国到明清各个历史阶段中女性主题绘画的发展状况——从武梁祠的列女画像砖到南北朝的《洛神赋图》，从青楼名妓的自我表现到展现理想化美人的《十二美人图》，以图文并茂的方式，展现“女性”在各种绘画场景和时代中的不同呈现，重构其所从属的原作；结合艺术评论、时代背景等因素，深度挖掘作品背后审美价值和商业价值的相互影响，进而思考女性题材绘画在社会、宗教与文化环境中的意义。

“物尽其用”是一个由“破烂儿”组成的庞大方阵，承载了亲人间相濡以沫的痕迹与温暖，承载了物资匮乏时代对生活的理解与敬重。
“物尽其用”是对一个逝去时代的展览，从北京到光州，从柏林到纽约，无数观众默默地流下眼泪，好像突然见到过世已久的亲人与挚友。
“物尽其用”是一种默默地收集与保存爱的哲学, 顽强地对抗着将置换与丢弃作为基本态度的当下，记录着中国老百姓对家庭与生活的永恒的爱。
赵湘源是宋冬的母亲，像中国千千万万勤俭持家的妇女一样，她保存下大量的生活物品：化石般的洗衣皂、孩子们丢弃的玩具、堆积如山的瓶瓶罐罐锅碗瓢盆……“物尽其用”是她的人生信条。艺术史家巫鸿和当代艺术家宋冬，与赵湘源女士一起，将她的这些庞大的收藏变成了一次巡回世界的展览。

《中国石窟艺术:云冈》是我国最大的石窟之一，与敦煌莫高窟、洛阳龙门石窟和麦积山石窟并称为中国四大石窟艺术宝库。 位于山西省大同市以西16公里处的武周山南麓，依山而凿，东西绵延约一公里，气势恢弘，内容丰富。现存主要洞窟45个，大小窟龛252个，造像5万1千余尊，代表了公元5至6世纪时中国杰出的佛教石窟艺术。其中的昙曜五窟，布局设计严谨统一，是中国佛教艺术第一个巅峰时期的经典杰作。《中国石窟艺术(云冈)》从石窟造像的分布区域、主要内容、历史发展阶段来分析这些丰富的文化财富。

《美术的故事：从晚清到今天》是一本美术史著作，是中国现代艺术通史的开山之作，是为那些对人类的文明与知识有常识的人而作，而不是学者和研究者需要的历史。本书的任务非常单纯：通过从鸦片战争到今天的“美术”故事的讲述，让读者的感知和智性重新开动起来，帮助读者了解美术的历史，重新理解“美术”的意义，以及美术与人类文明的基本形态。
作者通过对晚清以来的中国艺术史进行真正史学意义的梳理，改变了中国现代艺术史“剪刀加浆糊式”的旧有格局，对中国现代艺术史学科的自我反思及发展贡献尤著。以宏大而自由的笔法铺叙成篇，描述大量社会艺术史的内容，提出了一些令人惊觉的问题。这些问题牵曳着艺术家、艺术品与政治、经济及意识形态等社会因素的关节点，供给人们去继续思索。全书图文并茂，在浩瀚如烟的历史档案、资料中精选了600余幅图片，与文章呼应，首开全彩图说中国近百年美术史的先河。

《历史及其图像》初版于1993年，是英国著名艺术史家弗朗西斯·哈斯克尔撰写的一部具有开创性的艺术史巨著。本书对西方史学界长久关注的“图像的历史想象”问题做了深入探讨，对“图像证史”的传统进行了全面梳理。
图像在历史阐释中一直扮演着作为史料的重要角色，无论是钱币、绘画、雕刻、建筑，还是其他历史遗物，都在传达着文字记载所无法传递的信息，但图像的意义又不仅仅局限于其史料价值，更在于它背后隐藏的历史事实，甚至“历史本身”。作者以16、17世纪钱币学家、古物学家，18、19世纪历史学家、文化史家、艺术史家在这一领域的重要著作为线索，通过考察瓦萨里、温克尔曼、黑格尔、布克哈特、米什莱、罗斯金和赫伊津哈等历史学家的著作与观点，揭示了“图像证史”的独特魅力，同时也指出了其中无法避免的思维和情感陷阱，这些陷阱既是西方艺术史学史中的经典问题，也是艺术史学科最引人入胜的地方。

如何理解图像可读性与视觉性的交互存在？
《图像何求？》献上流光溢彩的解读盛宴。
视觉象征理论家W.J.T.米歇尔的扛鼎之作；
艺术史家、文学批评者、人类学家和哲学研究者的试金石。
我们在日常生活中为什么如此强烈地受图像和图画的吸引？我们为什么感到静止的图像具有动态，仿佛活画一般？图像为何无时无刻不在影响着我们，说服着我们，诱惑着我们，甚至引导我们走上邪路？米歇尔教授将在他的《图像何求？》中回答这些问题。
内文涉及米歇尔教授最擅长的图像研究领域，包 括视觉艺术、文学和媒介之间的关系。他的深察洞见尤其体现在书中对拜占庭偶像、赛博朋克影片、种族原型和公共纪念碑的分析和评论，为图像学和刚刚兴起的视觉文化研究开辟了新的视野。
本书是他“图像三部曲”中“最具原创性的一部”（米歇尔语）。米歇尔认为，我们应该把图像/形象看作活的东西，具有它们自己的欲望和动力，有其自己的言语和活动，施展其自身的魅力和影响。
图书开篇，米歇尔专门为中国读者写了题为”形象科学的四个基本概念”的万字序言，为中国读者理解图像学打下基础。
本书汇集被一般艺术史和视觉研究所忽视的宝贵经历，它们变成了“自行行走”的形象，对活着的人发生着巨大影响。……多年来，人们始终认为形象不过是“符号”，只需加以阐释或分析或评论即可，本书是对这一观点的最严肃挑战。图像所要求的决不止于此。
——诺曼·布莱森，《艺术论坛》
本书展示了无比的分析力、活力、洞见，以多种方式回答了米歇尔自己提出的核心问题：形象想要被亲吻、触摸和听取；它们想与观者交换位置；它们既想要一切又什么都不想要。
——安娜·西奥莫波罗斯，《形象之后》
内有83幅图片。

位于内蒙古赤峰市阿鲁科尔沁旗宝山县的宝山辽墓的发现，为古代中国美术史和东亚美术史的研究提供了极其宝贵的材料。本书将宝山辽墓壁画放在墓葬整体中进行审视，讨论的重点包括绘画与建筑的互动和画像程序、绘画的风格与画者的身份，以及壁画与墓葬赞助人的文化背景、当时政治环境及辽代礼仪风俗的联系。宝山辽墓不但改变了以往对辽代初期艺术水平和风格的理解，而且也为我们思考十世纪东亚地区的文化交流和艺术发展提供了极其重要的形象资料。

寒烟衰草，古木遥岑，丰碑特立，四无行迹，观此使人有古今之感。
以木结构为基础的建筑形态造就了中国古代与西方截然不同的“废墟”观念，极少表现废弃人造建筑的绘画传统以独特的方式传达时间的流逝。传统中国对“往昔”的视觉感受和审美在历史的进程中与西方文化碰撞、交互，由此诞生了一种全新的现代中国视觉文化；而抗日战争结束以后，当中华民族走出了那个满目疮痍的时代，那些昏暗而危险的废墟应该何去何从？
本书在全球语境中思考中国的美术和视觉文化，分析了一系列丰富的传统和当代视觉材料，包括绘画、碑拓、建筑、摄影、电影、印刷品，以及装置与行为艺术，讲述属于中国的 “废墟的故事”。

1971年，米歇尔·福柯在突尼斯做了一场关于马奈的重要讲座，对其十三幅绘画作品加以评论。此次讲座虽不为大众所熟知，却十分重要。2001年，马里沃尼·塞宗汇集了一批福柯研究专家和艺术史专家，借助自1971年以来有关马奈的研究，回顾并重新思考福柯的这篇文章。本卷同时包含了福柯的讲座文章和2001年部分与会者的文章。

明代中国发展迅速，在经济领域出现前所未有的繁荣。得益于这种传统的早期消费社会的模式，奢侈品消费者的数量激增，随之而来的是艺术领域的迅速发展。
图像是该时期主要的奢侈消费品之一，图像不仅以独立的图像环路的形式存在，还出现在墙壁、书籍、印刷品、地图、陶瓷制品、漆盒、纺织品，甚至是华丽的衣裙上，这些艺术品最初只包含一些规则的图形或动植物，后来扩展到描绘自然景观、历史上的重要人物或者重要事件，以及与文学作品插图所构建出的世界密切相关的场景。
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本书写作之时，英语国家的艺术史学界正热衷于“视觉文化”的讨论。其中至少有一部分是围绕以下问题，即有哪些物品或是哪一类图像，此前不被重视，而今却应纳入新近得到扩展的艺术史研究中去。因此，本书以“图绘”这一范畴来连接绘画作品和印刷作品以及诸如陶瓷或漆器这类物品上的图像，这可视为是对那场论争的一个贡献。
——柯律格

-编辑推荐-
•本书是近二十年来，视觉研究方法领域的权威著作。就它企图对研究视觉材料的各式各样的方法进行全面而系统的讨论和评价而言，本书依然独一无二。
•本书第3版，增加了对受众研究、民族志、照片文档、照片引谈、摄影小品，以及视觉伦理研究等视觉方法的讨论，展示了视觉研究及其方法的不断发展的本质。
•书中穿插的大量关于数字媒体的内容，亦是新版的一大亮点。
-内容简介-
本书坚定地专注于研究方法而不是媒体。书中的主体章节，每一章都会讨论一种可用于诠释视觉材料的方法，而每一章要用何种视觉材料来探究这种方法，则取决于它是否最能体现这种方法的步骤、长处和不足。本书要做的就是深度探讨每一种方法。
第1章是对用来理解视觉文化各种不同理论方法的概览，同时也探究了一些关于无处不在的数字影像所造成的差异问题。
在第2章中，作者精心制作了一个指导读者使用她提出的“批判性视觉方法论”的实用性框架。
第3章详细解释了本书的结构，这将有助于读者从随后讨论方法的章节中有所斩获。
从第4章到第10章均专注于处理既有影像的方法，如内容分析、符号学、精神分析和话语分析等。
第11章比前一版更为细致地专注于另外一些研究视觉影像的方法，这些方法旨在处理为解答研究的问题而制作的视觉影像。
视觉伦理学是第3版中全新的一章。研究活动中的伦理学关乎研究者的行为。它关注他们研究中自身的诚实和坚定性，以及他们正在与什么材料，或跟谁一起展开研究如此这般的关系问题。

20世纪中国时局的变化给予文化的各个方面以深刻的影响。清末“落后就要挨打”的政治时局催化了“西学东渐”的文化思潮，同时也奠定了其后振聋发聩的新文化运动的发轫，而“美术革命”则在这激进的文化运动中应运而生；抗战与解放战争使便捷而有力的木刻版画风生水起；改革开放则意味着中西文化交流的冰封状态开始逐渐解冻，不再视西方艺术为洪水猛兽、谈虎色变；全球化的国际状态让艺术家们更多去思考如何实现传统文化资源的现代化转型……20世纪中国社会经历了太多的转折，并且每一次都是举国上下为之动容，而20世纪中国艺术发展的每一步，都与整个社会密切相关，如同生物链般，环环相扣。这100年的社会变迁渗入了中国艺术的方方面面。
《20世纪中国艺术史》正是这样一本将视觉艺术变迁纳入20世纪历史框架之中的书，正如作者吕澎所说，这100年的艺术史就是一个脱离风格而在“思想”、“主义”的引导下变化与发展的历史。正因为这100年的特殊性，注重艺术史与历史情境，或者说是政治—经济情境的关系，以及整个20世纪美术史总体线索的导向与流转成为本书的重点，而那些惯常的对艺术门类风格的叙述方式则没有被其采用。在他看来，诸如艺术品的风格形式等“审美判断”应该发生在历史判断之后，而他致力于去做的，即是在本书中完成对这百年艺术史的历史判断：通过对复位20世纪的历史框架来试图解答艺术史的内在问题。也许这种梳理艺术史的方法是描述20世纪艺术状况最为贴切的方法。
这种清晰而略有简化之嫌的叙述风格也极为契合作者著书的初衷：为广大的读者提供一个清晰的历史线索，而并非为专家学者搜罗尽可能多且广的学术资料，毕竟，大众作为社会存在的实在群体，最能接受的便是社会学的叙述方式，使其能有一个更为便捷有效的入口去理解艺术史，同时大众的广普性使其不会对“审美”的判断做过多的要求。因此，不能避免的是，一些离20世纪历史问题较远的、不适宜用历史情境来进行解读的艺术现象与艺术家、艺术品在此书中缺席，而那些与20世纪历史问题关系紧密的艺术家与艺术作品，在此书中得到了深刻的剖析，同时，大量的非艺术家的历史照片被采用，这种图文并茂的方式营造了一个更为视觉化的历史情境。
不过，我们当然不会完全认为，艺术史便是社会历史的另一副面孔，虽然我们明白作者在开篇的卷首语中强调的：美术史与历史一样，是有问题的烟云。尽管它们同理且互通，但还是存在本质差别的，否则，分析历史情境的写作方法固然可以适用于任何一种门类史，而本书最大的空缺即是，将20世纪美术史这一“有问题的烟云”仅仅局限在了历史情境的问题之中，而没有对艺术自身的问题做更多的考虑。
但是我们当然也不会要求一本面面俱到的艺术史，因为“一切历史均是当代史”。以怎样的态度去取舍史料，去解读史实，其实已经成为历史写作的关键，何况《20世纪中国艺术史》确实找到了其最为适宜的社会学背景的分析方式。
□书评人傅慧敏

生命清供：国画背后的世界，ISBN：9787301092293，作者：朱良志著

本书以十篇论文探讨了中国传统绘画发展历程中重要转变之原因。
作者一方面从传统的研究成果及材料中汲取精华，另一方面又能不囿于成规，充分挖掘了画家与文化环境的互动关系，并将其作为改变各阶段画风的重要因素。

从中世纪一直到19世纪末，云一直弥漫着西方绘画的天空。它并非单单是一个描绘性的主题，还是一个绘画符号学的因素，它的功能随着时代的变化而变化。最初，它被用来使神圣事物出现在现实中（基督升天、神秘主义幻象等等），其作用正如戏剧中的机械道具；在文艺复兴时期，它的功能变得模棱两可，因为当时透视模式开始起调节作用。在这一背景下，云的作用是遮掩住无法表现的无穷，同时它又指示无穷。这样就保证了一种跟科学条件紧密联系在一起的绘画机制的悖论式均衡。
本书通过对符号能指/云/的不同功能的清点，将传统上归于艺术的领域与职能，重新分配给处于表现结构中的科学与意识形态，其真正的目的是要使艺术史重新找回它的体系性与物质性。
名人推荐
这本出版于1972年的艺术史专著，首次尝试完全用符号学理论来研究自文艺复兴以来的透视法发展。至今，它在许多方面仍极具挑战性。本书绝没有过时，它仍旧是一部杰作，并以一种系统化的互动方式触及了西方传统中那些最为重要的特征。
——斯蒂芬•巴恩，英国布里斯托尔大学
和那些从事当代艺术史研究的符号学狂热分子相比，达米施的治学态度执着而认真，他希望严肃对待这一问题。也许，在《透视的起源》和《云的理论》出版之前，我们还不知道如何用符号学理论来研究艺术史，但现在我们再也没有借口回避它了。
——伊恩•沃尔斯特根，美国乔治亚大学，载麻省理工大学《艺术与科学技术学刊》

《后娘主义：近观中国当代文化与美术》是《独自叩门》的续编，收录了作者发表于《读书》等刊物的艺术随笔37篇。作者以个性独特的思想方式触及了艺术界、思想界的潮流、现象和艺术家群体、个人的状态，表述了对当代艺术的冷静观察与直觉感受，尤其关注“前卫艺术”。全书分“前卫概念”、“美人/艺人”、“文化眼光”、“精英之后”四个部分，配有彩色图版100余帧。

古人对于死后世界种种的假设，见于制度、宗教、仪式和书写，更直接呈现于墓葬之中。墓葬既是安置死者肉身的处所，又是建筑、绘画、雕塑和工艺品的集合体，还可以被理解为人们在生死这个最大的、最具有普遍意义的哲学命题下，以物质的材料、造型的手法、视觉的语言，所营造的具有终极价值的艺术作品。本书综合采用考古学与美术史的方法，从各个角度描述和阐释两汉至唐宋时期的墓葬材料，力图使这个幽暗的角落在中国艺术史上展现出特有的光芒。
中国自古就有一种观念——视死如生，即侍死如侍生。死亡并不意味着生命的彻底完结，而是在另一个世界得以延续，由此留下众多的墓葬艺术，构筑起纷繁的地下世界。它们在千百年的岁月里绵延至今，又不断变迁。本书以两汉至唐宋时期的墓葬艺术为研究对象，综合采用考古学与美术史的研究方法，深入探讨了众多墓葬所包含的丰富信息，试图揭开那些逝去的面具，向读者展示出不同地域的人们对“生”与“死”的哲学思考，以及不同历史时期的先民对自我灵魂的深刻认知。

本书作者奥托·帕希特是20世纪伟大的美术史家、新维也纳艺术史学派的关键人物。他的最大贡献在于引导读者如何从艺术史的角度来理解艺术品。他强调回到观看本身，美术史所关注的始于眼睛而非文字。
本书为奥托˙帕赫特的重要代表作，也是西方艺术史学史上的经典文献，是一部有关美术史学和研究方法的经典著作。书中荟萃了帕希特杰出的思想和研究成果，探讨了美术史研究的诸多关键问题，对发展论、图像志、图像学、风格问题、鉴定、历史与个人、心理学与艺术史研究等做了深刻反思，同时剖析了李格尔、沃尔夫林、潘诺夫斯基、贡布里希、泽德迈尔等重要美术史家的思想与方法。书中不乏对图像形式的生动描绘，既表现出德语界学者严密的抽象思维能力，也体现了作者缜密的历史逻辑和对艺术的直觉感知力。作者意在通过此书重构艺术产生的原始文化与社会环境，澄清那些已不为人熟知的时空观念和重要的象征符号，从而强化观者的感知力。帕赫特在书中深入剖析了从李格尔到沃尔夫林、潘诺夫斯基等重要艺术史家的思想，一直强调要回到观看本身。帕赫特最大的贡献在于让学生和读者懂得面对艺术品时如何从艺术史的角度来思考。本书可被列入艺术史经典著作之列，在抽象思维中闪烁着光芒，对图像形式的描绘无以伦比，同时还充满了缜密的历史逻辑和具体史实，这使得帕赫特能与沃尔夫林、李格尔、瓦尔堡、潘诺夫斯基齐名，成为西方一位名副其实的艺术史的布道者。

《世界音乐通史》是法国著名出版机构塞伊（Seuil）出版的一部音乐史巨著。作品立足于人类文明的发展进程，以历史的视野、凝练的笔法，分析并描述了从史前至当代社会的音乐文明。
音乐的发展与整个人类社会文明的发展一样悠久漫长，如此宽泛、丰富的领域远非一本著作所能涵盖，因此本书在介绍世界音乐发展史的时候有所侧重：就地域而言，集中讨论欧洲主流音乐文化；从时间轴来说，侧重介绍近5个世纪以来的音乐发展，尤其对这一时期涌现的音乐种类、流派、大批才华横溢的著名作曲家及作品进行了系统的梳理及详实的介绍。在引介之余，作者还对当代音乐社会进行深入思考和大胆预言。
至于公元前10世纪乃至更久远的远古音乐，受文献考证之限，作者只作了简单的概述；至于东方音乐，作者也没有花费太多篇幅，但我们亦可以从作者所综述的绪言及前三章中获得框架性的了解。