re-release of

巴伯协奏曲的第一个音符出来，就像磁铁一样吸住你的耳朵，沙汉姆的音色就像是午后照进屋内的阳光一般的感觉，是一种温暖的幸福感。所以我不太那这个作品当做是美国作品。
至于Korngold（我觉得翻译成“科恩戈尔德”很难听），我对于这个作曲家的了解只有这首小提琴协奏曲。他是一个挺有名的好莱坞作曲家，这首协奏曲里面的素材也都是用他自己的电影配乐串起来的。不过这是一首迷人的作品，优美的旋律，加上海费茨的着名演奏，使它声名远播。所以，哪个小提琴家录制这首协奏曲，都不免让人拿来跟海大师比较一番，最后的结论当然都是：跟大师相比，其他人都要略逊一筹。不过，我敢说，沙汉姆的演奏，绝对不逊于任何人，包括海费茨在内。
无论你对这两首协奏曲是否了解，就算是只想听一听唯美的小提琴音色，这张唱片绝对是不二之选。我当初就是听了这张唱片之后，对沙汉姆刮目相看，后来又听了他很多录音。过两天我准备把他另一张堪称绝世演奏的唱片”魔鬼之舞“发出来，请朋友们耐心等待。
这张唱片还搭配了一首Korngold的“无事生非”组曲，指挥家普列文担任钢琴伴奏。很有特色，而且这个录音是这首作品在市场上的“孤本”，所以还有一定的收藏价值

这套《 柴可夫斯基 - No. 1 钢琴协奏曲 ：No . 1 钢琴协奏曲 及 小提琴协奏曲》 由DG 唱片公司发行于1989 年，分别由钢琴家拉扎尔• 贝尔曼 和 小提琴家克里斯蒂安• 费拉斯主奏， 赫伯特• 冯• 卡拉扬指挥柏林爱乐乐团演奏录制．
拉扎尔• 贝尔曼（Lazar Bermen , 1930) 一是20 世纪俄罗斯著名的钢琴家之一，以触键轻巧、音色厚实、有光泽，和弦处理鲜明，弹奏速度自然，表情细致而著称于世．他对作品的诊释，常常是在整体把握音乐的创作构思下，充分表达自己丰富的想象力，既有缠绵、柔美之情，也有铿锵、恢宏之势．贝尔曼擅长演奏李斯特的作品，他于1963 年演录的李斯特的《 超级练习曲》 的唱片，深得卡拉扬的赏识．其次，他更擅长演奏俄罗斯作曲家的作品，尤其是柴可夫斯基的作品，那种在独自黯淡色调中隐藏着温暖情感的演绎无人能及，经他演奏和录制的柴可夫斯基的《 第一钢琴协奏曲》 ，被公认为是权威性的版本，深受乐迷的喜爱和欢迎．
法国小提琴家克里斯蒂安• 费拉斯（Christian Ferras) ，先后在尼斯音乐学院和巴黎音乐学院从比斯德西（Bistesi）和卡威（Calvet）学习，曾获小提琴演奏和室内乐演奏奖．后又从埃乃斯库学习，17 岁参加蒂博国际小提琴比赛获第一名，尔后开始巡回演奏口其音色壮丽多采，卡拉扬与其合作的协奏曲，尤其好评如潮. 1960年开始费拉斯成为卡拉扬最喜爱的小提琴家并成为柏林爱乐人气指数最高的音乐家
赫伯特• 冯• 卡拉扬（Herbert von Karajan ）为伟大的奥地利指挥家．自幼学钢琴，曾进维也纳音乐学校和萨尔兹堡的莫扎特音乐学院学习．他的指挥生涯先从小城乌尔姆开始，1938 年被聘为柏林歌剧院的指挥，1947 年任维也纳爱乐乐团和维也纳乐友协会管弦乐队指挥，1949 年起兼任米兰• 斯卡拉歌剧院常任指挥，1950 年兼任伦敦爱乐乐团常任指挥，1955 年起任柏林爱乐乐团的终身常任指挥，1956 年任维也纳国立歌剧院的音乐总指导．他是现代最著名的指挥家之一，人们称他为“欧洲音乐的总指导”。他也是拜罗伊特、萨尔兹堡音乐节的主要人物．1967 年开始主办他个人的音乐节― 复活节音乐周．
卡拉扬的指挥动作洒脱、大方、气势磅礴，并以准确和客观著称．卡拉扬有惊人的指挥技巧，与乐队的配合如水乳交融般天衣无缝，通过热情洋溢、奔放豪迈的演奏，将音乐准确而强有力地传达给听众。他擅长在忠实于原作的基础上，对作品进行精雕细刻、巧妙布局，甚至适度夸张，而这一切都围绕着塑造完美的音乐形象而进行。在指挥台上卡拉扬经常闭目深思，使得乐队各声部之间达到了演奏室内乐般的默契．在他的领导下，柏林爱乐乐团展现出了一种有如金属般的亮色，被誉为卡拉扬“音响”．卡拉扬指挥时不仅自己全身心投入音乐之中，而且还善于启发乐队队员，使他们懂得如何演奏，用魔法般的动作牢牢吸引住乐队．他所追求的目标就是，“把托斯卡尼尼的精确与富尔特文格勒的幻想结合在一起”。正是他的音乐天赋，加上对乐曲的正确理解和对乐队的严格要求，他的演出总能达到超常出众的艺术水平．

Tchaikovsky's Piano Concerto No. 1 in B flat minor op. 23, composed in Moscow during November and December 1874 and orchestrated during the next two months, is possibly the best-known and best-loved of all piano concertos. It is full of original ideas presented in a masterly fashion. It owes its popularity, however, less to these qualities than to the scope which it offers for dazzling pianistic virtuosity - and to the grandiose maestoso introduction to its firs movement, whose brash power and melodic simplicity can enthrall the listener - or repel him. "This" Tchaikovsky is really a matter of taste! However, the musical material of this celebrated (or notorious) introduction plays no further part, either during the first movement or in the rest of the work.
According to Modest Tchaikovsky, his brother originally intended to dedicate the First Piano Concerto to his friend the pianist and conductor Nikolai Rubinstein. Rubinstein generally helped and encouraged the young composer, but he criticized this concerto so harshly that Tchaikovsky, deeply offended and disappointed, turned to the great German conductor and pianist Hans von Bülow. (Thomas Kohlhase)
The expression "stinking music" which Eduard Hanslick used in 1881 after hearing Tchaikovsky's Violin Concerto, has often been angrily rebutted by laters writers. Tchaikovsky himself felt deeply offended when he heard about Hanslick's criticism. In fact, however, Hanslick had a high opinion for other works by Tchaikovsky. His attitude to the Violin Concerto was misunderstood. As a devotee of absolute music Hanslick not only took a sceptical view of all composers of "music of the future", among whom he included Tchaikovsky, but saw the turn away from Classical principles as a symptomatic of music in decline. There was also the fact that the Violin Concerto by Brahms, which had been written at about the same time as Tchaikovsky's concerto, and which Hanslick valued particulary highly, was diametrically opposed in its expressive content to Tchaikovsky's work. By comparison with the cool reserve and rarefied tonal language of Brahms, the unbridled expressive power of Tchaikovsky's music was bound to offend Hanslick's susceptibilities. That was what his words signified. Here were two utterly different concepts of the nature of a concerto. Hanslick's adverse reaction is fully understandable only when we remember that Tchaikovsky rejected the music of Brahms as pretentious and "without genuine depth", and described Brahms to Nadezhda von Meck as a "composer without any creative power". (Heinz Becker)

弗兰克d小调交响曲
弗兰克是一位充满沉静、凝重的气质的伟大作曲家。他深信神是至高无上的，唯有通过理性才可以追求宇宙的真理。他追求永恒的光荣，反对世俗，平生默默地埋头研究巴赫与贝多芬，并因此而奠定了自身的音乐基础。弗兰克这种对艺术无限忠诚的态度，深深地吸引着当时一些热衷于音乐的年轻作曲家。很快地，弗兰克身边就聚集了许多真正的音乐艺术家，正是这些艺术家们将已经濒临衰亡的古典主义音乐，重新在法国振兴起来。弗兰克希望能借着音乐的力量，来表达他关于宗教与哲学的思索，因此他是一位靠音乐来思索的人。这首d小调交响曲是他唯一的交响乐作品，能在这首乐曲中感受到作者所表现出来的思索方式，就是本曲最正确的欣赏途径了。乐曲由三个乐章构成：
第一乐章 不太快的快板。由全体乐器强而有力的齐奏呈现。
第二乐章 稍快板，3/4拍子。此乐章同时包括徐缓乐章与诙谐曲，形式为三段曲式。在本乐章中，将几个不同的主题加以组合的手法即为弗兰克最擅长的技巧，它的特征是自然流畅，不加雕琢。
第三乐章 不很快的快板，2/2拍子。由全体弦乐器如爆发般的d音连续奏出开始，形式与第一乐章相同，为奏鸣曲形式。在本乐章中，作者多次使用了他所独创的“循环动机”。最后全曲在庄严而强有力的气氛中结束。
阿尔贝·鲁塞尔Roussel, Albert
（1869年生于图尔宽；1937年卒于鲁瓦扬）。法国作曲家。幼年虽已显露音乐才华，后来却任职于海军。在印度支那服役给他留下深刻印象。1894年辞去军队职务专攻音乐。初随吉古学习，从1898-1909年在圣咏学院受教于丹第，1909-14年任圣咏学院对位法教授。1914-18年服役于法国军队，此后专心致力于作曲，同时因病而隐居。在摆脱了丹第的影响之后，鲁塞尔发展自己的新古典主义风格。他使斯特拉文斯基式的强烈节奏与大胆的和声手法交融于丰富多彩及有时带有东方异国情调的配器，所用旋律富有表现力。他的第三和第四交响曲最能代表其独特风格，而芭蕾《巴克斯与阿里阿德涅》(Bacchus et Ariane)则是他最著名的作品。

维尼亚夫斯基 (Henryk Wieniawski, 1835-1880)，波兰小提琴家、作曲家
1835年7月10日出生於波兰，他的音乐天份在他很小的时候便被发掘，当他八岁时有位捷克小提琴家听了他演奏后，马上表示：“he Will Make His Name For Himself”。 1846年他便获得第一奖，之后他私下还与massart学习了两年。1848年他与他的弟弟（弹钢琴）一起于巴黎开了一场音乐会之后，他们更前往圣彼得堡开了五场非常成功的音乐会。
同年秋天他回到波兰，认识了一位波兰作曲家stanislaw Moniuszko(1819-1872)，他开始尝试作曲，同时也感到自己在这方面的知识有些不足，隔年他又回到巴黎音乐院学和声，一年后他便毕业。
当他学生的日子一结束，他便以一位旅行演奏家的身份到处表演。光在俄国他就与他的弟弟举行了200场的音乐会。如此频繁的演出，除了为他们带来好评外，也遭致一些负面的批评，其中包括有位俄国作曲家也是乐评家的alexander Serov便警告大家不要吹捧这些天才，认为这两兄弟只能炫耀技巧而已。然而维尼亚夫斯基很快便证明他不只是位炫技者。到1853年他已创作出版了有14首作品。
1858年维尼亚夫斯基与anton Rubinstein [鲁宾斯坦(1829-1894)，俄国作曲家与钢琴家] 在巴黎合作演出。后来鲁宾斯坦便竭力邀请维尼亚夫斯基与他前往俄国st. Petersburg一同推动音乐发展。从1862年到1868年维尼亚夫斯基便在st. Petersburg新成立的音乐院中任教。
四年后，也就是1872年，维尼亚夫斯基再度展开他的世界巡迴演奏工作。头两年是在北美洲表演，第一年与鲁宾斯坦共举行215场表演，结束后二人皆疲累不已，然而维尼亚夫斯基却与paulina Lucca合作继续次年的演出。如此虽然为他获得财富，却也危害到他的健康。1875年仍不断举行音乐会。1876年在德国的巡迴表演，更让人将他与sarasate(萨拉萨蒂，西班牙小提琴家与作曲家)相比较。
之后维尼亚夫斯基虽然身体状况每下愈况，甚至在演出中不支倒地，但为了经济需求，他仍不断巡迴表演，最后於1880年死在莫斯科。
在paganini之后的众多多小提琴中，维尼亚夫斯基可说是最接近顶尖的一位。他的演奏融合了法国学派的技巧以及斯拉夫民族的气质。他不仅能轻松地炫耀过人的技巧，更能另听众感动得落泪。他以强烈的抖音（vibrato）加强他优美动人且富有情感的音质。鲁宾斯坦称赞他为：当代无庸质疑最伟大的小提琴家。
维尼亚夫斯基的握弓方式与当时的习惯大不相同：他将右手肘抬得相当高，并且以食指第二指节以上部分压紧弓。后来许多小提琴家采用此种方式，尤其是俄国学派。carl Flesch [傅雷胥(1873-1944)，匈牙利小提琴家，教育家] 的‘俄国式握弓’应该正是源自维尼亚夫斯基。在作曲方面，维尼亚夫斯基统合了自paganini 帕格尼尼(1782-1840)，意大利小提琴家与作曲家之后的崭新技法，并融入浪漫思想及斯拉夫民族色彩。
从他的玛祖卡舞曲及波兰舞曲便可证明他深具波兰民族主义的思想。他最重要的作品是二首小提琴协奏曲。另外则是在练习曲的创作上（l'ecole Moderne与etudes-caprices），可说是仅次与paganini的24首caprices而最富有音乐性与挑战性的小提琴练习作品。
第一小提琴协奏曲，升F小调，Op.14，作于1852年，为其17岁时的作品。
第二小提琴协奏曲，D小调，Op.22，作于1862年。维尼亚夫斯基最著名的作品之一。

1828年秋，舒伯特病情已经加重了。但在生命的最后一个月里，他仍写下了两首惊世骇俗的作品：《C大调弦乐五重奏，作品956》《降B大调钢琴奏鸣曲，作品960》。前者是舒伯特室内乐中的扛鼎之作，后者则堪称是贝多芬之后最好的钢琴奏鸣曲之一，也是他的遗作。
这首五重奏为2把小提琴、1把中提琴、2把大提琴而作。比起弦乐四重奏，这部作品更加浑厚、丰富，体现了舒伯特对于死亡的不祥预感以及他固有的乐观精神，情感起伏很大。不论从写作技巧还是精神层面来看，它都是室内乐作品中永恒的瑰宝。
舒伯特这首弦乐五重奏以两只大提琴的独特组合、切分音式的悸动节奏感、扣人心弦的旋律歌咏、情绪强烈变化的渲染力，不知安慰了多少心灵；其中第二只大提琴是一个完全独立的声部，可以独自引导旋律，也常常负责独特的节奏音型。 然而，舒伯特处理多只乐器的作曲技巧并不像贝多芬利用多声部对位；例如第一乐章歌谣般的第二主题，第一大提琴演奏主旋律，另一只则如同补足主旋律的尾韵般地助奏；再例如第四乐章一开始的主旋律由第一小提琴主奏，第二小提琴一下子参与主旋律形成八度音合奏，一会儿又完全脱离主旋律而单纯伴奏，如此产生微妙的音色变化，产生属于舒怕特的独特风格。
特别要指出最令人喜爱的第二乐章一开始的主旋律应该在第二小提琴，它以非常少的音符来刻划宁静地沉思。 要如此澄清不单是乐曲结构上的要求，还包括了存在于作曲家最后期作品中『神秘参与』般的心灵跃升之精神要求。 虽然我们可以把第一小提琴演奏的旋律（事实上是美化过的伴奏与助奏）当成主题而不妨碍对本乐章的喜爱（根据非正式的观察，即使是阅读总谱的老乐迷，还是有一大堆人不知道这乐章的主题是在第二小提琴），但是唯有第二小提琴上的那个真正主题才能让我们同时理解它与最后一首钢琴奏鸣曲（D.960）第二乐章里的神秘与宁静，而能深刻体会一个短命音乐家的不朽存在。 无怪有人声称这个乐章是可以陪伴着永远的安息，死后愿与这音乐同归尘土。
本乐曲一方面承接着第十五号弦乐四重奏的强烈音响效果，另一方面却加上足量的抒情气氛加以微妙平衡；于是第一乐章的发展部可以听到复杂对位与单纯歌谣间的平衡，第二乐章可以听到神秘悠远与热情表达的平衡；第三乐章出现最夸张的心灵对比，第四乐章硬是让凄怆的旋律融合进欢乐的节奏与单纯美感的旋律。 如此表现音乐家伟大的生命后期心灵，可说是舒伯特最伟大的作品之一。

.

Anne-Sophie Mutter is a musical phenomenon: for more than 45 years the virtuoso has now been a fixture in all the world’s major concert halls, making her mark on the classical music scene as a soloist, mentor and visionary.