Hailed as a smoky chanteuse both sultry and captivating, Marissa's songs are mostly mournful dirges and melancholic ballads. Delving into influences of old-timey americana folk, portuguese fado, psychedelia, and country, the songwriting is gripping and unique. Pursuing the persona poem, most of the songs are stories of tragic deaths, forbidden fates, and jilted love affairs, and stormy suicides, as well as some introspective first person songs. In concert, the melodrama is obvious, and each performance is dripping in vaudevillian nostalgia. Marissa's intricate finger-style guitar comes through on six string, twelve string, banjo, ukelele, and autopharp. Her voice is velvety and resonant and soaring with ethereal reverberations. Over the past couple of centuries, the definition of "ballad" has been stretched to include virtually any slow-tempo sentimental song, even on those occasions when it merely means Tommy Lee is coming out from behind his kit to play the piano. But once upon a time the word indicated a more specific, codified form of verse. In the days before widespread literacy, a ballad was a dramatic (frequently tragic) story-poem that functioned as something of an oral newspaper, constructed simply with recurring rhymes so that it could be easily remembered and repeated. And on her captivating debut album, Ballads of Living and Dying, Marissa Nadler does her small part to return balladry to its vivid and illustrious past. On the surface this might not sound like a compelling proposition, but fortunately Nadler has the sort of voice that you'd follow straight to Hades. Her luxurious, resonant soprano is immediately transfixing, and throughout these songs it envelops the listener like a dense fog rolling in off the moors. Nadler's vocals are highly reminiscent of Hope Sandoval's-- with perhaps the faintest glimmer of the languid phrasing of cabaret chanteuse Marlene Dietrich-- and her unadorned arrangements recall the rain-weary solitude of early Leonard Cohen met with Mazzy Star or Opal at their most hazily narcotic. Nadler is clearly savvy enough in her material to know that a true collection of ballads must include a body count, and the most obviously successful auld school example here is her arrangement of Edgar Allen Poe's poem "Annabelle Lee". As you might recall from junior high English, this is a classic tale of ill-starred love with a stretched-by-your-grave finale that fits the ballad form to perfection, and Nadler's melodic rendition here is flawless. And poor Annabelle Lee is not this album's only casualty; there's also "Virginia", which respectfully chronicles the death of Virginia Woolf, as well as dreamier, more ambiguous songs like "Undertaker" and "Box of Cedar" which certainly contain whispers of foreboding for their subjects. Each song on the album comes lightly-dressed, usually borne along by little more than Nadler's voice, her finger-picked guitars, and ornamental flourishes from the occasional accordion, autoharp, or blurry wisp of feedback. On "Hay Tantos Muertos", one the album's loveliest tracks, Nadler branches out from the strict balladic format, quoting lines from Pablo Neruda's haunting "No Hay Olvido" ("There Is No Forgetting") in a manner resembling a traditional Portuguese fado, and on "Days of Rum" she busts out a banjo and takes an enchanting turn at a Dock Boggs-style country blues. It's worth noting that, aside from the Poe and Neruda quotes, all of these songs are original compositions rather than the traditional works they appear. Throughout the album Nadler writes and performs with a weathered maturity that belies her young age. In fact, several tracks ("Mayflower May", "Days of Rum", "Fifty-Five Falls") seem to be narrated from the perspective of older women looking back upon the adventures and mistakes of their youth. Also an accomplished visual artist, Nadler's lyrics showcase a perceptive eye and a genuine empathy for her creations; and when coupled with that intoxicating voice the resulting landscape is one you may want to get lost in for a century or two. - Matthew Murphy, December 16th, 2004 - Pitchfork

Dejay，中文名自称为“阿戟”，香港一人乐队 the pancakes 的唯一成员，身兼作曲、作词、编曲、弹奏、主音。毕业于香港大学，主修翻译，于大学期间开始音乐创作。毕业后任职图书馆管理员。她曾多次将自己的示范录音带寄去各唱片公司，结果得到西班牙家庭作业式唱片公司 Elefant 赏识签约，于2001年自资发行首张唱片《Les Bonbons Sont Bons》。其中一首歌《a》获九龙巴士选为广告用歌，因而初露头角，中华电力公司亦曾用她的歌作广告歌。其后她曾发行数张唱片，绝大多数歌曲皆为英语歌，以其独特的有点幼稚的唱腔及港式英语发音而著名，被视为香港非主流乐坛的新力军。她又自资出版杂志《Sofa》，同时开始参予其他演艺制作，例如创作独立电影《寻找真爱》，及为电影《麦兜故事》及《麦兜菠萝油王子》中的 Miss Chan 配音。于2005年凭《麦兜菠萝油王子》的一首歌《咁咁咁》击败其他著名歌手和音乐人夺得香港电影金像奖最佳原创电影歌曲奖。

由年仅二十岁的美国密芝根州年轻乐手Thomas Meluch化身之Benoit Pioulard，此乃他的首张官方专辑。唱片以一首Droning乐章La Guerre De Sept Ans揭开序幕，但Benoit Pioulard的音乐路线其实是很迷幻民歌，歌与歌之间更作出了互相连贯的编制，其歌曲调子美丽而青葱，像Triggering Back的柔扬之处更好比早年的Badly Drawn Boy。
Meluch善于用简单清新的木结他，营造出特别的Atmospheric感觉，加上三不五时传来的铃声/琴音，丰富的音乐令人每次聆听，都发掘得有趣的细节，就如 “Palimend”和”Ext. Leslie Park”，很久没有听到这样子的音乐。 “Triggering Back”和”Together & Down”是专辑中最突出的两首歌，几个简单的chord，搭上Thomas Melu懒洋洋的声线，很容易就令人投入到音乐之中。假若你认为Précis 会是那种「小品情歌」的song-writer 作品，那你就找错人了，但Précis会是那种一听就爱上的作品，处处都是不俗套的流行调子。有时候，歌曲很容易联想起Board Of Canada 的ambient，像”Moth Wings”、”Alan & Dawn”等，那种缓缓的舒适感觉充满着整张专辑，为冬天的每个阴天，添上最合适的配乐。（转）

A Scottish-based band, formed in 2002 by David Skirving - a founder member of Glasgow band Camera Obscura.

象逯学军这样的人
“象我这样的人，一刻也不能停留”，小逯这么唱着。
小逯究竟是一个怎么样的人，其实即使与他多年交往的人，有时也会这么问问自己。在生活中，他普通平凡，沉默寡言；在音乐的中，他任性至情，发自肺腑；他曾是校园民谣的积极参与者，可是当校园民谣红遍大江南北时（【校园民谣Ⅰ】中的《寂寞是因为思念谁》既是由小逯作曲）他却去了天津静海，成了个冷静的旁观者，在静海，在白天他是一名建筑设计师，夜里他进入他的音乐世界，在那个小城里，没有人知道这个匆匆忙忙的年轻人，原来心中还有那么美妙的音乐。
如今当校园民谣渐渐成为过去，小逯也因为真实地记录了他的生活感受而完成了他的音乐蜕变，在《爬山》中，我们可以听到作为一个普通人，他对生活的期望；从《不回头》里，我们能感受到小逯最初的音乐梦想以及这么多年来的初衷不改。
虽然只有两首歌，但却是一个全新的开始，我们把它送给喜欢用心倾听的你，因为我们的生活与小逯的经历，毕竟没有太多的不同。

专辑介绍:
Sound Film系列是雷光夏花了四年的时间
来整理她创作的这些年来的所有音乐想法
整理出一套两张‘精选集’、‘全新创作专辑’并同步发行
来说明她的创作中‘音乐’跟‘画面’的密不可分的关系
在雷光夏的音乐中，所营造的‘声音电影／Sound Film’及‘文学音乐／Literal Music’高质感气氛，是可以让人在‘听’的过程中，满足了‘视觉的想像空间’。同时也满足了他们对艺术化个人生活空间的想像。
雷光夏在开始制作‘时间的密语 全新创作专辑’这张专辑之初，对于专辑完成后的全貌，据她说：‘只是一堆抽象的片段跟一些模糊的影像，所组合成音乐梦想’。后来到了纽约找爵士钢琴家Uri Caine为她编曲、演奏；还有众多朋友如侯志坚、陈主惠、黄中岳、王雁盟、陈冠宇、张惠妮、董运昌….跨刀相助。这么一群认真做音乐的人，大家对光夏音乐的想法竟如此地不谋而合。‘这张专辑，我只是一个播下种子的人，而由这群好友争相地提供养份，所以开了花，也结了果，这专辑是大家的。’其中导演萧雅全把光夏的六首歌串成一步音乐短片‘地图’，更是Sound Film 概念的彻底实现。
－新锐导演萧雅全六首歌串成音乐短片‘地图’
－巡回座谈影展择期进行，雷光夏声音电影院即将开播
雷光夏是因为萧雅全找她为广告配乐及配音时而认识，更因为对彼此作品的欣赏而结为好朋友。萧雅全虽很少拍音乐录影带，但他对“声音”、“影像”间彼此的关联及处理的方式，在概念上与光夏有许多的共通之处。所以在光夏向萧雅全提出这次合作的想法时，他毫不考虑一口答应，由他与光夏一同挑出了六首歌，并以这六首歌为印象主轴，发展成一部完整的音乐短片。这个合作案是在今年的五月底所提出的，但光发展脚本就花了超过3个月的时间，直到九月初故事脚本才确定，九月中赴上海拍摄了15天才完成。
这一次，以完整的电影拍摄配备制作，从写脚本、选角、勘景、场景搭设、现场收音、剪辑、混音(音乐与对白)、、、，完全是以电影制作的流程进行，并且把六首约24分钟音乐录影带剪辑成14分钟的短片，未来萧雅全导演将以此参加影展并在电影院中播映。在雷光夏专辑宣传期间，他将与光夏共同出席相关的巡演及座谈。
在MV制作的过程中，也发生萧导要求雷光夏入镜拍对嘴的状况，这对从不愿露脸的光夏来说是天大的事，但因为导演这次在拍摄MV时投入太多的心力，使光夏不忍拒绝他的要求而答应。对嘴拍摄过程中，大概也只有光夏才会要求导演：“拍情境就好，人不必太清楚。”所幸在拍摄完成时，真的是人很不清楚，而且画面也很少，完全符合雷光夏的需求。

雷光夏全心创作，无法克制的抒情时刻。
距离中的深深凝望；轻轻歌唱…
冷酷实境里，温暖的那道光！
‘黑暗之光’，主题回归到旋律及歌词的本身，基调是温暖。这些打破了时间，空间，角色，剧情的逻辑性，随性地由深刻记忆中自然凝结而成的每一首歌曲，都是光夏真实的生活电影配乐。
从蚌壳里吐出的海市蜃楼，是谁短暂的美梦
打开的旅行箱里摆放着钢琴，鼓棒，老照片和一片雨云
接着那个小孩准备要离开黑暗的海边了
只要相信 不顾一切地相信
冷酷实境里 就有温暖的那道光
All Lyrics And Music Composed By Summer
★ 我的80年代
“唱这首歌，好像可以再一次回到那里…快乐的高中时代，想找回同龄的朋友们：以前我们所说，那个成为大人的时刻已经到来了---你是否也成为你想要的样子？不知道当时是否遇见过，不论现在在哪里，用我美好的思念，愿和你的过去相逢。”
★ 黑暗之光
“大海是座奇妙的时光回溯器。童年时住在淡水兴化店，年轻的爸妈常会在黄昏时带着三岁的我穿过防风林去海边散步。也许是那时候，习惯了有大海的节奏。黑暗的时刻，放心知道自己拥有这美好回忆，被海边的风轻轻拥抱。这首歌，也是关于一个未竟的梦。”
★ 造字的人
“实施过想像幻术的诗人，您是否曾懊悔青春时轻易的一句诺言、想念那黑夜与白昼交界时的神秘。您奢侈地拥有过停留时光的魔法，而如今，那寂静中隐藏着未知讯息的黄昏，似乎已经到来。请勿把我们未来的秘密一次告知。献给魔幻写实作家波赫士。”
★ 清晨旅行
“大学时社团举办长途旅行活动， 我们这群年轻人总是好像生怕错过了一整天似的，出发时间一定约得很早， 爱睡觉的我，常睡眼惺忪非常痛苦，但想到要展开长长的旅行就好开心。这首歌献给朋友们。”
★ 未来女孩
“未来女孩就是妹妹的 Baby 小米。给未来的女孩加油，世界的不完美有我们一起面对，也因此不需要害怕！请到南非传统乐手朋友 Mogauwane 加入演奏，演唱，他非常棒，任何非洲乐器都玩得出神入化！”

《Keep Walking or I'll Kill You》不但有一个有趣的专辑名字，还有着让人舒适的旋律。Agnes Kain ，如果你只听到歌声，不查阅信息的话，你只会觉得是一名唱独立流行的女艺人。其实Agnes Kain是一只来自澳洲的俩人组合，一男一女。Chanelle Afford和Stefan Simunic 。他们从小一起张大，在澳大利亚的悉尼，在同一个小镇，同一条街上。因为这样，他们制造出的音乐像每个人的好朋友那样，有一种亲密与舒适感。《Keep Walking or I'll Kill You》这张专辑的歌曲均由Chanelle Afford和Stefan Simunic俩人制作完成，并且录制于他们的Spare Room，也就是为个人准备的卧室。音乐除了基本的三件套外，乐器中外加钢琴，钟琴，敲打乐器，曼陀林(一种拨弦乐器)，Melodica（是一种外型类似电子键盘的音效乐器，可以模仿手风琴，口琴等音效，有很多艺人使用这种乐器，如Oasis的Paul Arthurs，Sufjan Stevens，The Decembrists ,The Go!Team的Kaori Tsuchida等等）。除了这些还有他们的朋友Anne Samuels 帮助他们，演奏中提琴。Agnes Kain的风格就是活泼的旋律加上舒适的演唱，听者除了心情很放松外，很直接的可以体会到那种朋友之间的亲密友情，爱人之间的甜蜜爱情，还有童年那种无限天真活泼的气息。这些东西Agnes Kain很直白的从专辑封面中给大家反映出来，接着又是歌曲的名字，如Puddles & Mud，You Will Be Loved, & Hated，My Brother Told Me，Keep Walking or I'll Kill You，Our New, Happy Life等。简单而不空虚的生活气息体现的淋淋尽致。随着歌曲的顺序，有时开心，有是悲伤，有时憧憬，有时迷茫。不是富丽堂皇，而是那种简约的五颜六色生活，有苦，有甜。生活由音乐来表现，音乐则源于生活。这就是Chanelle Afford，Stefan Simunic 俩人的音乐思想，因为他们的音乐就完成于有大雨，有极热的天气，也有凉爽的微风，有朋友的帮助，有自己的温馨的卧室，以及从小到大的他与她。
Text: soulpower Post Date: 2007.11.19

Singer/songwriter/guitarist Mark Linkous began working as Sparklehorse in 1995 and, after a demo made its way to the offices of Capitol Records, he got signed to the label. Sparklehorse's 1996 acclaimed debut, Vivadixiesubmarinetransmissionplot, is full of sad, beautiful, weird moments of spacey rural folk-rock and contains the alternative radio hit "Someday I Will Treat You Good". Dreamy arrangements, distorted vocals, and slivers of feedback add to Sparklehorse's down-to-earth melancholy and made Vivadixiesubmarinetransmissionplot spontaneous, happy, sad, noisy, and quiet; like moments in life. This reissue comes with a bonus 7" containing "Waiting For Nothing" (ghost song in the original vinyl version) and "Happy Place" plus download card of the entire album.

Mondialito成立于2002年。日本２人独立组合。由纯子和笛冈俊哉组成。所有歌曲均为法语演唱。
迄今为止，Mondialito共发行《Note of Dawn》（清晨笔记）《Avant La Pluie》（雨前）《Mondialito》（梦的雅朵）《Cher Mon Amoureux》四张专辑。
Junko作为主唱有着令人怜惜的女性魅力。如清风拂面般的质感。主创ToshiyFuaeoka在15岁的时候就开始了创作歌曲。
精细而琢感强烈的感觉明显来自欧洲独立流行乐队的影响，而自资制作发行唱片的做法也体现出他们执着的音乐精神。
Junko Nishimura的唱法是一种介于香颂和Dream Pop之间的唱法，也许是法语的作用，所以Mondialito给人的直观印象是巴黎味道甚浓。其实由于东亚语系在发音上的特点，Junko Nishimura并无法充分利用法语中那种厚重的鼻音去调制出那种醇厚质感的效果，但她却恰恰利用了Dream Pop那种飘渺飘逸感结合自己东亚语系纤细的单音节发音特点，去弥补了鼻音纤细的弱处，于是在法语香颂歌手嘴唇将拍未拍的一瞬间，Mondialito的歌声却能通过一种类似水气的效果腾空，避免了法语嘴唇与嘴唇重击下流露出的尘世感、现实感。有人将Junko Nishimura的这种唱法称为气呼式唱法，那么从发声动作上解读，她吸入的是香颂，而呼出的恰恰就是Dream Pop。尽管Mondialito是一支长着日本脸、唱着法语歌的日本乐团，但其在音乐手法的运用上，却是和瑞典及其北欧系的Indie音乐如出一宗的。来自音乐底层的孤寂，被喻为日本Club 8的Mondialito以法语呢喃与悠扬弦乐交融出永恒的梦幻忧伤。哀而不伤，愁而不怅的歌曲，充满了美丽的影像与色彩。 Mondialito不独是一支Acoustic乐团，因他们也采用电音的配方。L’ennui Sans Fin是Acoustic与Downtempo曲式的和谐共处。Tous les Jours有著真挚得好比童谣的调子。

2007年最惊艳的一道电音光芒—《日光倾城》
最唯美的电音绽放，最纯粹的轻灵之音
来自优质创造组合—卡奇社（Carrchy）
一阵风、一抹阳光、一次邂逅、一种颜色……都有可能成为我们歌唱的主角，这就是卡奇社《日光倾城》不同凡响的音乐才华。
首张专辑《日光倾城》以清馨的电子乐加以纯美的嗓音表达，个性且不失流行。专辑大胆融合了西方文化和中国情调的多元化曲风，并没有影响音乐强烈的整体感，音乐与词曲浑然一体，清馨而纯净，简单却不乏内涵，优雅且不浮躁。大概是乐团长期生活在青岛这座美丽的海滨半岛小城的缘故，聆听他们，有一种“词曲本天成，妙手偶得之”的感觉。也许是淳朴自然的气息总能给人以简单却震撼心灵的力量，所以尽管作品专注于成人内心世界的游吟浅唱，却难得地渗透着童话式的纯真。专辑《日光倾城》所有的词曲和制作由卡奇社独立完成。
在去年年底《卡奇社》推出单曲-《日光倾城》受到了业界的广泛关注，在口水歌横行的时代，卡奇社的音乐无疑是给流行歌坛带来一缕新鲜空气，首张专辑《日光倾城》用清馨的电子纯美的嗓音打造这张极具个性且多元化的唱片。音乐清馨而纯净，简单却不乏内涵，优雅且不浮躁。淳朴自然的气息给予我们简单却震撼心灵的力量。
在《日光倾城》这张专辑中共收录了卡奇社9首全新创作的歌曲，其中包括唯美的电音佳作《日光倾城》，在舒缓惬意的节奏中带你进入无限畅想的旅途中。卡奇社的两位年轻人在他们的音乐中寻找着最根本的快乐——这种快乐不会出现在冰冷的钢筋水泥间，只会留在记忆的最深处，就像歌中唱道的那颗坠毁的流星。穿梭的画面感带给我们的不是城市生活的浮躁，反而是坚持自我的那份淡定和从容。
《唯虫》这首歌是唱给青春的，旋律简单上口，充满了童真的单纯，颗粒用她随性的唱腔向我们轻轻诉说着心中那份美好的憧憬。
中国古典与时尚电音的完美结合的《游园惊梦》，一首根据《牡丹亭》写的歌，将我们带进了满园春色的古典世界，爱是美好的，但往往因为害怕失去让这份美好多了一些犹豫。
《假面舞会》中的颗粒，向我们展示了她作为小女生俏皮的一面。“不择手段、无中生有、小题大做、反复无常”这些看起来有些“邪邪”的词语被她唱出来却那么轻松，就好像一场盛大的舞会里，她像个局外人一样静静地看着眼前快乐的人群，只在心底和他们一起快乐。整首歌背景中的电子旋律让我们听起来那么熟悉，好像小时候玩过的8位游戏机里的音乐。
《Didadi》与专辑中其他歌曲显得有些不一样，尽管电子乐的元素仍被大量运用，但这首歌却有着indie pop式的框架，以清澈干脆的吉他做底，带出颗粒婉转随性的唱腔，这声音还带着一丝庸懒，年轻人总会有些小情绪，卡奇社从来不去刻意掩盖什么。他们用音乐张扬着他们的青春宣言，那些生活中和同龄人一样的不快乐，在音乐中变成了一粒粒糖果，和大家一起细细品味。
《让我睡着吧》，相信这首歌在一段时间里会成为很多人的催眠曲，悠闲自在的旋律让人格外的舒服、放松。都市的繁忙与压力常常让人喘不过气，药物的麻痹并不能解决问题，在这一刻将所有的烦心事先都抛到一边，让我们随着卡奇社的音乐，去梦里开始一段远行吧！
与其他歌相比，《吸血鬼》像是卡奇社音乐旅途中偶然在路边电影院里看到的一部电影。像探戈式厚重的节奏，带有迷幻色彩的旋律，卡奇社带我们进入了一个纸醉金迷的世界，虚伪，浮躁让人开始互相伤害与不信任，嗜血成了一种寻找快感的方式。在音乐中卡奇社让我们看到了他们的直接，看到了他们的真实，但这“吸血鬼”并不邪恶，只是毫不掩饰的在表达。
《坏唇味》整首歌曲运用了多种乐器的音色采样，开头的管弦乐甚至有百老汇的味道，整首歌的旋律被他把握地张弛有度，复古味道十足，简单的歌词将爱清游戏中的游离描写得淋漓尽致。
每个人在生活中都有着一种欲望，红色无疑是欲望最合适的代表颜色，热情，强烈。《红色》是整张专辑中，节奏最有冲击力的一首歌，主唱颗粒的嗓音干净利落，我们没有听到任何无病呻吟和虚假做作，复古的律动藏着东方的神韵。
有人说听卡奇社的专辑就像一次奇妙的音乐旅行，每一首歌都是这次旅行中流连忘返的独特风景，给我们惊喜连连。卡奇社用心底最纯净的愿望开始了自己的音乐梦想，没有浮躁的宣泄，没有盲目的追逐，只有真诚的倾诉，用声音传递着青春道路上最真实的共鸣，用音符记录着音乐道路上的种种奇遇。卡奇社的世界没有边界，在这片音乐的土壤中，他们正在自由的生长。

Bloc Party is an autonomous unit of un-extraordinary kids reared on pop culture between the years 1976 and the present day. They eventually concluded that their own attempts to imitate what had informed them could be innovative and fresh.

Whether partnered with Guy Sigsworth as Frou Frou, or on her own, Imogen Heap is an enormously gifted singer, songwriter, producer, keyboardist, and programmer. She does it all here on her second solo CD which showcases her remarkable talents. The stunning track 'Hide and Seek' offers the electronic equivalent of a cappella, with only Imogen's expressive voice heard via vocoder -- an early favorite that shot right to #1 on iTunes Electronic Chart in June 2005. The song was also featured on the season finale of THE O.C., and earlier in the season, THE O.C. previewed another track from this album called 'Goodnight and Go', a bittersweet ballad about the secret admiring of a neighbor. Comparison's have been made to Bjork, Alanis Morrisette, Joni Mitchell and Annie Lennox, among others, but no one can hold a candle to Imogen Heap. Her electronic programming and keyboarding are so textured and layered, you will hear something new with each and every listening. Her canvas is cinematic, operatic, visionary, and always surprising with twists, turns, tangents and breaks that keep the listener on a journey of the unexpected. Whether evoking a hundred piece orchestra, an electric slide guitar, or a simple vocoder, Heap weaves her magic spell. As a lyricist, Heap has a wicked sense of humor, yet can drive a knife right through your heart when you least expect it. Don't miss out on one of the very best albums of the year. No domestic release date scheduled. Megaphonic. 2005.

THE DESTROYED ROOM: B-sides and Rarities, a band-chosen collection of near-hidden Sonic Youth gems.

The album brings together tracks from throughout the band's career - focusing on tracks previously available only on vinyl, limited-release compilations, or as b-sides to nternational singles. Remastered here for the first time, it's a chance for fans to complete their Sonic Youth collection with pristine versions of tracks they'd been going nuts trying to find on their own. They asked for it... and now they're getting it.

陈绮贞 Track 2 / 旅行的意义
护照里的邮戳越盖越密，心情却反而更空虚。四处搜集的明信片，墙上贴满的美丽风景，掩不住对你挥之不去的情感和记忆。
下一站要去哪里？才开始思考旅行的意义，却想起你从来不曾说过\"我爱你\"…
每一次旅程，每一段感情，我们从来说不出它真正的意义， 可是那些或许酸涩或许甜美的记忆，却一次又一次，在聆听绮贞的歌曲时，一点一滴的被牵引出来。
继Track 1 / Sentimental Kills之后，绮贞发行了她的第二张单曲作品—Track 2 / 旅行的意义，简约动人的旋律，寓意如诗般的歌词，穿梭在小虎清澈明亮的木吉他拨弦声中，我们再次听见绮贞用歌声诉说着一个故事，关于旅行的意义，关于回忆的点点滴滴。

Rameses III are architects of the most beautiful swathes of blissful ambience whose releases have previously found homes on labels like Celebrate Psi Phenomenon, Music Fellowship, Scarcelight, MYMWLY, Barl Fire and Type.
On Honey Rose, the group’s first release for Important, the South London trio build a bucolic soundtrack to Jon Spira’s mysterious short film “Suityman”. Whilst the influence of Bruce Langhorne, Boxhead Ensemble and much of the 4AD roster can be keenly felt on this six song EP, so too can the wondrous drone narratives that are such a feature of Rameses III’s previous works. More structured and melodious then much of their output, Honey Rose is the perfect place for a newcomer to begin exploring the music of one of the finest purveyors of ambient drone operating in music today.

破晓之时缓缓醒来，Mondialito的甜蜜与忧伤，让我们听见微风与雨声，那是时光缝隙的空间感，忘我的透明感，美丽哀愁在其中缓缓滋生扩展。特别收录与Club 8合作曲"Last Sleep Of A Boy"
来自东京的Mondialito，由女生Junko 填词演唱，男生笛冈俊哉Toshiya作曲并弹奏所有乐器，曾到香港与南韩演出，备受好评。Mondialito以日系呼气式女声营造出略带忧伤的甜蜜梦幻，专辑主要以法语演唱，有著类似陈綺贞的温暖歌声与呢喃细语，由原音吉他、电子节奏、钢琴、大提琴编织出早晨雨后气息与闪亮光泽，首张专辑「Note Of Dawn」里，收录了Mondialito与 Club 8的Johan合作的"Last Sleep Of A Boy"。还有The Cardigans与Franz Ferdinand的瑞典製作人Tore Johansson精心打造的"Rainy Green Grass"。的确，北欧大概是Mondialito另一个心灵故乡。而翻唱奥黛莉赫本电影「第凡内早餐」经典名曲"Moon River"，呼应著专辑名称「清晨笔记」，更是美丽的结束。Junko目前正在法国留学，Toshiya则沈浸於电影及音乐，两人对当代艺术与文学极度熟稔，我们一边听著Mondialito的音乐，一边读著吉本芭娜娜的小说，「闭上双眼，侧耳倾听，有如置身在绿色的海底，看见世界在亮晃晃的绿色中发光，水流舒缓而透明，再痛苦的事情，也都像鱼群轻掠过肌肤...」，你我听见了一种细緻而淡雅，哀愁的预感。(文/galeer)