包豪斯（Bauhaus）是一所德国的艺术和建筑学校，讲授并发展设计教育，1919年创立于德国魏玛。
由于包豪斯对于现代建筑学的深远影响，今日的包豪斯早已不单是指学校，而是其倡导的建筑流派或风格的统称，即注重建筑造型与实用机能合而为一。包豪斯的当代设计，对现代而言，更加具有突破性和代表性。
著名设计师、插画师威廉·斯莫克阐述了包豪斯的设计主义如何对当代艺术，不论在建筑设计、平面设计方面，还是在工业设计、现代美术方面所造成的影响。本书不但保留了当代设计的原始风貌（手绘插图），更像是一本手册指南。不论是建筑设计、室内设计，还是生活用品设计，包含家具、玻璃手工艺品、餐具设计等等，从中随处可见包豪斯的理念。
包豪斯的的确确重新定义了什么是“设计”。
目录
引言
再版引言
第一部分 包豪斯曾代表了什么
一 包豪斯是什么
二 包豪斯的遗产是现代设计吗
三 包豪斯之前的时代
四 现代设计如何改变了这个世界
五 现代艺术和包豪斯有什么关系
六 从何时起现代艺术失去了新意
七 什么取代了包豪斯
八 接下来是什么
第二部分 包豪斯是正确的吗
一 视觉语言
二 玻璃
三 功能主义
少即是多
作为模型的机器
大量建造的房屋
流线型
人类工程学
四 社会工程
城市规划
大众之车
创造力崇拜
第三部分 包豪斯理想里还有生命力吗
一 隐喻的复兴
二 向过去学习
三 不要给工程师太多赞誉
四 解决问题并非唯一的设计策略
五 不要抛弃设计的梦想
注解书目

《艺术与艺术家词典》提供广泛的艺术信息，内容涉及历史上的艺术家、绘画、雕塑、版画、风格、运动和流派，也包括技法、材料和术语，还收纳了其他地方不易查到的重要的当代艺术和艺术家的词条，共收录词条2500余条，插图426幅，力求清晰准确、图文并茂，是一本方便实用、通俗易懂的工具书。
顾问赫伯特·里德爵士是20世纪最卓越的艺术史家之一，著作浩繁，其中包括《现代绘画简史》和《现代雕塑简史》。编纂者尼古斯·斯坦戈斯曾与大卫·霍克尼合著《霍克尼谈霍克尼》、《这便是我的观看方式》，并编纂《现代艺术的观念》等。

《艺术的故事》是范景中和杨成凯两位老师与上世纪80年代翻译完成的。那时出书不易，书稿一直闲置在出版社。在等待出版的过程中，范景中先生开始为本书做注解。“笺”，本意即为注释、注解。本书虽由三十年前的旧稿改编而成，但细读全文，内容不仅不过时，且仍可看出范景中对《艺术的故事》的深刻理解，和他对这部伟大著作的热爱。
本书以《艺术的故事》为基础，以章节为划分，以辞条的形式进行注解。其中不仅有对画家、画派和画法的解释，更涉及历史、宗教、建筑、科技、文化，以至思想史，作者旁征博引，显示出深厚的学术功底。
本书除对《艺术的故事》进行注解外，还有作者本人在纪念贡布里希一百周年诞辰所做的讲座，贡布里希自传等文字，是了解和研究贡氏生平以及他学术思想发展变化的重要资料。本书既可作为《艺术的故事》的参考读物，也可单独阅读，以领略中外两位艺术史家对学术研究的追求与热爱。

Book Description
New Format and Redesign of the World's Best Selling Art Book
"Gombrich (1909-2001) had a gift for clear, conversational language, a narrative approach, and an interest in pop culture--he even included mass media and cartoons in The Story of Art. The book, which receives high praise in the CAA report [a recent assessment of art history textbooks by the College Art Association], is today the world's best selling art history textbook, with total sales of 8 million copies." -Art News, February 2006
E.H. Gombrich's warm, lively, opinionated--yet never patronizing--authorial voice brings history to life in a way that attracts both adults and young readers alike. Last year the first English translation of A Little History of the World, originally written in 1935 in German, was a surprise publishing success. Yet, this isn't even Gombrich's most popular work. The Story of Art has sold over 8 million copies, has been translated into more than 30 languages and served as the standard introduction to art history for students around the world for the past century. Now, the book will be available in a new affordable format, in wide release for the general public, just in time for the holidays.
Phaidon Press is pleased to announce the publication of THE STORY OF ART: POCKET EDITION by E.H. Gombrich, a re-designed, re-formatted compact edition of one of the best-known and best-loved books on art ever written. This new edition combines smoothly flowing text with a clear, simple design in a convenient and accessible format. The new edition allows this classic work to continue its triumphant progress for another generation, and to remain the first choice for all newcomers to art.
Phaidon Press commissioned Gombrich during World War II to write a history of art for young people. In 1950, The Story of Art was published and so a classic was born. Gombrich dictated the whole text from memory, using illustrations from books in his library as prompts. The outcome was a seminal work of criticism and one of the most accessible introductions to the visual arts. Starting with the cave paintings at Lascaux and stretching as far as Postmodernism, the whole of art history is presented as a chronological narrative. Using vivid imagery, storytelling and sly humor, Gombrich's voice draws in all--the student, connoisseur, or amateur.
The Story of Art has always been admired for two key qualities: it is a pleasure to read and a pleasure to handle. The pocket edition is no exception. With this new edition this classic work is now as accessible as the story inside. Gombrich's extraordinary knowledge and wisdom will continue to teach and inspire generation after generation.
From Library Journal
Phaidon Press has produced a much-improved edition of Sir Ernst Gombrich's classic narrative study of art history, which was first published in 1950. Among the many competing introductory texts?the central monuments of which are H.W. Janson's History of Art (Prentice, 1986. 4th. ed.) and Helen Gardner's Art Through the Ages (4th ed. o.p.)?Gombrich's venerable work has inhabited a unique niche, having been created specifically for newcomers to art. As his title indicates, he presents the whole of art history as a chronological narrative. Gombrich's voice is lively, opinionated, and almost conversational, yet his erudition shines through to make a book that is both accessible and informative. His premise, that the love of art, not the love of history, is the appropriate basis for its study is communicated directly with his irrepressible enthusiasm for certain masters and his passionate exasperation with 20th century nonobjective artists. While much of the text is unchanged, the format has been completely redesigned with vastly expanded illustrations, improved captions, better charts and an excellent index. This book belongs on every art-lover's bedside table, and even those libraries owning an earlier edition would not regret adding this refinement of an already first-rate work.
Douglas F. Smith, Oakland P.L., Cal.
From Booklist
Gombrich's The Story of Art has been a treasured standard in the field, selling more than 4 million copies since its first edition in 1950. Now in its 16th edition and available for the first time in paperback, this comprehensive look at Western art from prehistoric times on up to the present has been completely redesigned and extensively revised and updated. In addition, the illustrations have all been enhanced, and a total of 443 are now in color. Gombrich is more than an authority, he's an advocate, and his love and deep respect for art infuse his invigorating text. In his discussion of twentieth-century art, for instance, Gombrich explains how even the most experimental contemporary art is connected in some way to what has gone before. Gombrich tells the story of art "as the story of a continuous weaving and changing of traditions in which each work refers to the past and points to the future." Gombrich's invaluable history is a veritable celebration of this "living chain."
Donna Seaman
Midwest Book Review
Enjoy the most famous book on art ever published: an overview which covers the entire subject, from early cave paintings to modern experimental art. This has been revamped for the first time since 1972, offering larger illustrations, more color, and improved text and coverage. Highly recommended.
Book Dimension
length: (cm)18.5 　　　 　　　　　 　　　　　 width:(cm)10.7

Book Description
Publication Date: October 24, 2011
The first volume of Vitamin P, published in 2002, inaugurated a vibrant period for painting. Since its publication, a whole new generation of painters has emerged, some inspired by the artists who appeared in that book, others taking cues from new sources. Vitamin P2: New Perspectives in Painting introduces this new wave of painters to the world.
The vast medium of painting continues to be a central pillar of artistic practice, and Vitamin P2 presents the outstanding artists who are currently engaging with and pushing the boundaries of the medium. Over 80 international critics, artists and curators have nominated the 115 artists who have made a fresh, unique or innovative contribution to recent painting. All of the artists in Vitamin P2 have recently emerged onto the international scene, and none appeared in the first Vitamin P.
An introduction by Barry Schwabsky, who also wrote the introduction for Vitamin P, provides a broad overview of recent developments in the medium while also looking towards its future.
Editorial Reviews
About the Author
Barry Schwabsky is a London-based writer. Currently International Reviews Editor at Artforum and Art Critic at The Nation, he has contributed to numerous art publications, including Phaidon's Jessica Stockholder (1995) and Vitamin P (2002), and is the author of The Widening Circle: The Consequences of Modernism in Contemporary Art (1997), as well as several volumes of poetry. He has taught at Yale, New York University and Goldsmiths, among other institutions.

The Spanish artist Antonio Lopez Garcia is revered worldwide not only for the extreme realism he brings to his paintings and drawings, but because he conveys through this extreme realism a wonderful sensitivity to light, color and space, enabling each to breathe with a tranquility that allows for the encroachments of everyday life. Interior scenes of dining tables, bathroom sinks, toilets, dressers are depicted in sober light that recall Chardin or the intimisme of Vuillard--though Lopez Garcia surpasses even these masters in his ability to make unforgivingly prosaic subject matter, such as a brick wall or a refrigerator, sparkle and throb with mood. The artist's statement that "you work until the whole surface has an expressive intensity equivalent to what you have before you, converted into a pictorial reality" conveys something of the labor he brings to his works: Lopez Garcia is not a prolific artist, and as a result shows rarely (his 2008 exhibition at the Museum of Fine Arts, Boston, consolidated his already strong audience in the U.S.). His drawings and paintings are equally esteemed, but until now, the drawings have never been the subject of a monograph. All of the work in this superbly designed publication has been carefully selected by the artist's daughter, Maria; much of it has never been reproduced until now. Including 200 color plates and a moving text by the artist himself, it stands as a powerful testimony to Lopez Garcia's astounding achievement.
Antonio Lopez Garcia (born 1936) studied at the School of Art in Madrid in the early 1950s, and quickly became part of a nucleus of realist painters, such as Francisco Lopez Hernandez, Amalia Avia and Isabel Quintanilla. Lopez Garcia was the subject of Victor Erice's 1992 film El Sol del Membrillo ( The Quince Tree of the Sun ), which closely chronicles the artist's attempts to paint a quince tree.

　　记录许多着名摄影师的访谈，畅谈他们对摄影的看法，以及他们在参与拍摄电影过程，与各个导演合作的经验。片中并穿插经典片段，对映摄影师的说法，让一般观眾能更了解摄影师的工作与贡献。
　　严格来说，这并不是一部电影，应该说是“关于电影的纪录片”更合适。在这部电影中 ，我们也能发现以上介绍过的多部影片。例如《梦断情天》的摄影师Nestor Almendros，他在临死之前接受了这部电影的短暂采访。还有《末代皇帝》的摄影师Storaro等人。
　　从某种意义上说，是导演控制摄影师的拍摄手法。例如，《Rosemary's Baby》的导演Roman Polanski，在接受采访时多次提到，有时仅仅需要将摄像机多移动几个厘米，就能使影片的效果得到巨大提升。《In Cold Blood》的导演Conrad Hall，在1967年接受采访时，提到当年是如何选择并搭建了一个牢房，里面囚禁的是Robert Blake扮演的杀人犯，他即将走上绞刑架。雨水不停地打在铁窗上。Hall发现，如果摄像机放在某个特定的角度，雨滴的阴影看上去像Blake脸上的泪水。这个镜头后来成了影院中的催泪弹。
　　这部电影由数百个电影片段组成。影片结束后，你一定会深深地被摄像机背后的灵感和魔法打动。而静态摄影师也将从中获益匪浅。这是一部摄影科教片，数百个片段将指导你如何用光，如何选择合适的色调，如何使你的片子成为经典。
　　这部电影按年代划分为三个部分，第一部分是无声电影年代。第二部分是带旁白的黑白电影时期。第三部分是彩色电影时期。影片最后讨论了如何利用不同的色彩调动观众的情绪。

影片部分根据18世纪亚美尼亚诗人Savat Nova的生平拍摄，但更多地是以诗句代替了诗人的形象。全片几乎没有对白，主要是旁白和剧中人自言自语。
无法用文字概括该片的内容，而且每个人都有权利按自己的方式诠释它。影片几乎从头到尾都是精彩瞬间，电影语言的诗化、色彩的明艳、构图的奇特均衡、内容上的仪式感、宗教感和展现的民族传统文化，都使影片具有超凡脱俗、特立独行的品质。

导演背景介绍:
前苏联导演帕拉杰诺夫（SERGUEI PARADJANOV，1920-1990）一生仅以四部剧情长片呈现于国际，但他那结合诗、绘画、民俗志的独特影象风格，却使得他紧随在塔可夫斯基左右，成为电影史上两朵异样奇葩，烁烁闪耀着。
他之所以和塔可夫斯基相提并论在于：他们的电影都是诗的，亦即把俄罗斯传统的抒情诗融入影象里，成就影象诗或诗的影象。此外，两人也都乐于采用非习惯性的叙事。然而，在整个电影风格上，帕拉杰诺夫离传统更远，更狂野，也更倾向绘画。
帕拉杰诺夫的独特风格来自于他的亚美尼亚血统，那属于高加索的神话传说，以及回教与基督教交错的宗教圣灵，是他所有创作汲取的灵感源泉。他的作品将高加索的草原复活在中世纪的时空下，隐隐透露出一个着魔的宇宙，神秘而诡异，并充满强烈的仪式性质，人和动物在其中不面沦为牺牲祭品。
这些与土地偎依的人物，在帕拉杰诺夫的镜头下具有庄严的美，乍看俨然如图画里的宗教圣像，而失去了写真性。而所有人物的心理都没有加以刻画，主角通常摆荡在牺牲、服从和热烈追寻自由中，最终毫无动作，也无作为，只是在土地上生与死，因为帕拉杰诺夫从不以连续性的叙事来描述人物的遭遇。
然而，帕拉杰诺夫的电影较接近图画电影或照片电影。摄影机定住不动，摄入一张张照片式的影象，影象有如一幅幅中世纪的壁画、或拼贴的画作，所有的物质都呈现在同一平面上，没有透视与景深，宛如被禁闭在画框里无法移动向外，却又象向镜框外作无限延伸。
可知，帕拉杰诺夫不只专擅电影，对诗与画也十分娴熟。他一生集诗人、短篇作家、画家、和导演于一身，各类作品都相当丰富。他去世后的隔年，亚美尼亚共和国 EREVAN市政府将他故居改成博物馆，开放给公众，陈列他的绘画、拼贴、手稿、家具、海报等，展现他一生不寻常的创作经历。
1924年出生于乔治亚首府TBILISSI的帕拉杰诺夫，父亲是个古董商，母亲是当地的美女。他中学进的是音乐学校学声乐和小提琴，并参加绘画和壁画课程，也参与戏剧演出，后来他的戏剧教授督促他报考莫斯科电影学校（VGLK）。1946年，他考入VGLK，受教于导演IGOR SAVTCHENKO。第二年，他与一群TBILISSI同学因夜晚荒唐行径及同性恋嫌疑被捕——这是他首次尝到牢狱之灾。帕拉杰诺夫叛逆个性使他象冷战时期的不少苏联导演一样，动辄被控以莫须有的罪名而羁狱。
隔年被释放后，IGOE SAVTCHENKO找他担任一部新片的助导，并让他导十分钟的一个段落。1951年，他在莫斯科和一个靼旦大学女生结婚，但她的家人为报复而杀了她。帕拉杰诺夫乃在第二年搬到基辅，进入基辅的杜普仁科制片厂，与人合导两部片。终于在1958年执导自己的第一部长片，那是一部有关爱情的音乐喜剧。这期间，他有了第二次婚姻，对象是个外交官的女儿。1961、62年，他各有了一部长片，但这三部影片未在基辅以外地区上映。
1965年，国际影展首次认识帕拉杰诺夫导演。他前一年拍摄、为纪念乌克兰作家MIKHAIL KOTSIOUBINSKI百年诞辰而改变自其短篇小说的《被祖先遗忘的阴影TENI ZABYTYH PREDKOVI》先在MAR DE PLATA影展获最佳导演和评审特别奖，接着被选参加旧金山、罗马、蒙特利尔的影展。影片在莫斯科的一间大电影院推出时，观众在赞赏中有所保留，尽管如此，并无法使此片作更大范围的发行。
此后，帕拉杰诺夫多次公开声援被官方逮捕的知识分子，终于把自己也拖入险境。1973年12月，他从莫斯科旅游归来，旋被当局逮捕审问，并入狱。莫斯科电影界在圣诞节时获知他被捕的消息，隔年年初，此消息被欧洲的报纸转载登出，帕拉杰诺夫被控“同性恋” 罪名，判决五年的劳改营。同时，一个被盗印的《石榴的颜色》版本被偷运出国，引起国际关注，欧洲电影界组成一个帕拉杰诺夫声援团向苏联施加压力，经过法国作家阿拉贡的奔走，他才在三年后获释。
此后，他的几个拍片计划都未蒙通过，生活陷入窘境。1982年，又在老家被KGB逮捕，控告他用几壶酒贿赂官员让他的侄儿进大学，所幸入狱半年多即被释放。1983年，苏联的政治逐渐松绑，他才有机会拍摄20分钟的短片《苏哈密堡垒的秘密 LEGENDA O SURAMSKOJ KREPOSTI》。本片在1986年参加鹿特丹影展，大受好评。此时他已定居在EREVAN，拍摄机会源源不绝。1987年的《吟游诗人ACHIK KERIB》受邀伦敦及纽约影展，并在1988年第一次获准出国参加鹿特丹影展。迟来的荣誉对于已迈入老年的他似乎带点苦涩。1990年，他因呼吸道并发症时时于EREVAN。7月，他的灵柩被移往亚美尼亚伟人纪念馆，沿途有五万多人追随他的行列。 二：关于本片背景知识介绍：
本片人物介绍：
《石榴的颜色COLOR OF POMEGRANATES》（1969）原名《莎耶特．诺瓦SAYAT NOVA》，诺瓦是十八世纪亚美尼亚着名的吟游诗人，年轻时曾受到格鲁吉亚的国王赏识，被召入宫，成为宫廷诗人，晚年则笃信宗教，成为僧侣，避世于修道院。帕拉杰诺夫在片头就告诉观众：“不要在影片中寻找诺瓦的一生。”他籍电影方法将诗影象化，只是打算呈现抒情诗人VALEIR BRIOUSSOV所说：“中世纪亚美尼亚的诗是雕刻在宇宙历史中人类精神最辉煌的胜利。”
补遗：僧侣诗人萨雅·诺娃（1712- 1795）出生于格鲁吉亚首都塔部利什附近一个村庄Sanahin，其父母为亚美尼亚人，在塔部利什做地毯。（与帕拉杰诺夫同为在塔部利什出生的亚美尼亚人），他原名为Haroutiun Sayakian，年青时，他成了一名吟游诗人。活动于：格鲁吉亚、亚美尼亚、阿塞拜疆。而后被亚美尼亚人称之为“SAYAT NOVA（歌王）”，比较有传奇色彩的是，他与格鲁吉亚王国安娜公主相爱了，因而被国王下令放逐。在亚美尼亚北部的一个修道院里度过残生。或许与本片有着一定联系就是：萨雅是由入侵格鲁吉亚的波斯王国士兵所杀害。

本书德文本初版于1925年，英译本初版于1953年。此后不断被译成各种文字，流布全世界。时至今日，该书仍是美术教育家们的权威性参考书籍。
本书从相互缠绕的线条这样简单的现象开始，引导读者逐渐加深对确定的结构平面、尺寸、平衡和运动的理解。但是克利并不采用纯抽象的表现方式。学生仍然处于熟悉的世界当中——通过克利简单、流畅的图画及精确的图文说明直接体现，熟悉的世界被赋予了新的意义。棋盘，骨骼，肌肉，心脏，水车，植物，铁轨枕木，走钢丝的人——这些都成为包豪斯学院43个设计课程的实例。
中央美院周至禹教授作序推荐。
美术并不重视人们已经看到的东西，而是通过创造使人们看到事物。
——[德]保罗•克利
我被颜色所主宰，我不需要去抓住它，颜色永远控制着我……这是幸福时刻的感受，颜色和我已经合为一体……
——[德]保罗•克利
包豪斯经典译丛（Bauhaus Series）
《艺术中的精神》 [俄] 康定斯基 著
《点线面》 [俄] 康定斯基 著
《艺术与艺术家论》 [俄] 康定斯基 著
《克利与他的教学笔记》 [德] 保罗•克利 著
《克利的日记》 [德] 保罗•克利 著
《色彩构成》 [美]约瑟夫•阿尔伯斯 著

现画家大卫-霍克尼（David Hockney）艺术创作和感情生活的1975年的纪录片《水花四溅》（A Bigger Splash）由杰克-哈赞（Jack Hazan）执导的《水花四溅》，用摄影镜头真实记录了1970年代早期已经成为国际知名绘画艺术家的霍克尼的创作、感情生活以及从英国前往美国的过程。影片还结合了真实记录和电影创作的形式，呈现霍克尼与男友的感情关系、和两人后来的分手对霍克尼艺术创作的影响。
《水花四溅》曾获1974年瑞士洛迦诺国际电影节最佳导演奖。据爱白网的资料，对于身为艺术家的霍克尼的创作与其感情生活之间的关系，本片中还有大胆的人体呈现和同性亲密镜头，这种表达在三十多年前曾是本片引发争议的焦点。
现年70岁的霍克尼是公开的同性恋者，他的作品和创作活动如今依然受到关注。

The feeling of uneasiness instilled by Michaël Borremans (b. 1963) and the technical virtuosity in so much of his work speak to us. The references to Flemish painting and even more so to Manet come to mind, but represented scenes bring us closer to the present-day world with echoes of 40s movies and most of all to Belgian surrealism.

影片是纪录片导演 Zachary Heinzerling的首部长片。《小可爱与拳击手》讲述了来自日本的“行动派”画家Ushio Shinohara和他的妻子Noriko Shinohara四十多年的婚姻，他们常常需要不断学习和包容来自对方的种种个性和缺点。Ushio Shinohara现年已经73岁，他主要在纽约举行创作，戴着拳击手套上面包裹着海绵，蘸取墨汁在画布上作画，而他的妻子Noriko尽管一直被当成丈夫身边的助手，却也在试图实现自己存在的价值。

《无限的清单》是博学大师翁贝托·艾柯继《美的历史》《丑的历史》之后，最新推出的美学研究重量级作品。艾柯受卢浮宫邀请策划了一系列展览等活动，并完成这本关于“清单”的图文专著。书中探讨了艺术、文学、音乐、建筑等领域出现的“实用清单”、“诗性清单”、“既实用又具诗性的清单”存在的意义与功用。艾柯将带领我们欣赏那些在阅读文本或观赏画作时常常忽略，甚至厌恶的清单——有限的清单、无限的清单；名字清单、图像清单、地名清单、属性清单；混乱的清单、令人晕眩的清单、非正常的清单……寻找清单的本质。
我喜欢清单，就像有人喜欢足球或有恋童癖一样，人各有癖好。清单是文化的根源，是艺术史和文学史的组成部分。清单并不破坏文化，而是创造文化。无论看哪里的文化史，你都会发现清单。
——翁贝托·艾柯，摘自德国《镜报》访谈
◆ 艾柯可能是今日整个西方世界读书最多的人，近年挟其骇人学养连番炮制了三册图文并茂的概念史巨著。头两本分别论美论丑，我虽佩服他的广博，但没读出什么新意。只有最近这一本《无限的清单》才叫我大开眼界。照样是取材丰富地编选了你听过和没听过的文本段落，和你见过与没见过的图画相片，但这一回他明显地放足了心力，因为他要处理每一个爱书人都会碰到的最切身的问题。
——梁文道
◆ 艾柯，这位以博学与非凡才能著称的作家再次为我们带来了代表作品：博雅精妙的文字、富有见地的分析、令人兴奋的阐释，全书充盈着迷人与神秘的信息。
——英国《卫报》
◆ 艾柯谦虚地“炫耀”着他那非凡的学识。这本书囊括了非常多精美的图片。那奶油般细腻的书页让人乐于翻阅；书中内容以不同字体的文字区别开来，适切又美观；观赏书中图片更是让人心生愉悦。
——英国《旁观者》杂志
◆ 这是一部丰富、奇妙的关于“清单”的“清单”。艾柯具有一种博采众长、深谙奥秘的能力，让思维在脑内自由流动确实是快乐所在。
——英国《苏格兰周末报》
◆ 如果流落荒岛，这本书将是莎士比亚与《圣经》之外的第三选择，它将满足不同读者的需求。
——The Tablet
◆ 艾柯的作品具有一种在书页上舞动、在脑中回荡的独特魅力。
——《每日电讯报》
◆ 艾柯在这本书中向我们呈现“清单”这个概念是如何随世纪更迭或各个不同时期的演进而变换含义的，它反映了一种时代精神。书中收录了众多精彩的文学文本与精美艺术品图片来阐释他的观点。
——goodreads.com

With a concept similar to "cream", this text is an image-heavy book offering an overview of the state of painting today, and documents the most recent concerns and ideas among contemporary painters. In the wake of media such as installation, video, performance and digital art, the traditional medium of painting has enjoyed a renaissance among a recent generation of artists. Alongside the ever-growing reputation of significant living painters such as Gerhard Richter, Agnes Martin and Peter Halley, many younger artists have chosen painting over any other medium, and are exploring new means to broaden the traditional field of "oil on canvas". It is this younger generation (who emerged in the 1990s) that "Vitamin P" aims to represent in an A-Z survey of 114 of its leading, international practitioners, with each artist illustrated by numerous examples of his or her works, accompanied by a short explanatory text. Often moving beyond the most traditional image associated with this medium, This survey hopes to illustrate the richness, eclecticism, dynamism and contemporaneity of the practice of painting today.

田渊晋也，日本当代艺术理论大师。一本专门写给大众读者的艺术普及图书。
本书系统地为读者讲述了现代艺术的诞生、发展，各个流派以及特征，并有大量现代艺术作品的图片，图文并茂，雅俗共赏。
该书以一种讲故事般的语言，将现代艺术的发展历史、各流派的理念、代表作品娓娓道来。
● 本书会让你体会：了解现代艺术、爱上现代艺术很简单，因为我们就生活在现代艺术的包围之中。
本书对现代艺术的诞生、发展与嬗变，以及现代艺术与现代生活的密切关系，进行了独特而新颖的阐释。书中对杜尚、毕加索、施维特斯、毕卡比亚、安迪·沃霍尔等现代艺术史上代表性的艺术家，以及《大玻璃》、《泉》、《无母而生的女儿》、《梅尔茨之柱》、《两个艾维斯》等著名作品，进行了详细的描述和深入的解读。另介绍了一百多位颇具影响力的现代艺术家和数百件具有代表性的现代艺术作品，并配以上百幅精美的图片，有助于全面了解现代艺术。

日本茶道大師千利休，正要打掃滿是落葉的庭院。
首先，他仔細地將地面與草地清理得一乾二淨。
然後，他搖晃其中一顆樹，好讓少許的葉子掉下來。
這就完成了。
每個日本人都知道何謂wabi-sabi，但若要解釋，他們可能會猶豫很久，最後抱歉地說：「大概只有日本人才能體會。」這個神秘、日本人才懂的概念，正是日本千年美學基礎。無論京都的寺廟、庭院、屋瓦，還是東京的建築、茶碗、服飾，到處都是這個概念的展現。特別是在茶屋裡，每個動作與每樣器物，幾乎都是為了體會wabi-sabi而存在。
面對一個茶碗，我們應該從何開始欣賞？仔細檢查？還是單憑直覺？wabi-sabi的幾個觀念，可以轉變我們對事物的態度。比方說，本書提到「美其實只是一種與醜妥協的條件」。千利休曾經有個茶碗，在眾多茶碗並不突出，只是有一次，千利休將幾個茶碗放著讓弟子挑，最後剩下這個沒人拿，於是就稱之為「木守」（日本人稱最後沒被摘走的秋柿為「木守」），藉由命名與故事，利休改變了人與物的關係，從別人的「醜」產生了「美」的氛圍，這就是wabi-sabi。
是的，千利休正是將wabi-sabi發揮得淋漓盡致的實踐者，而這本書則是第一本把wabi-sabi整理出來，讓大家都能懂的書。本書內容用簡單的條例、比較與例子來帶領我們進入wabi-sabi的世界，設計者可以從中獲得創造的切入點（美國Amazon書店的讀者留言一再表示，這本書每年都讓他設計出新作品），一般旅遊愛好者、生活家，則可以找到新的支點，從此改變看待世界的態度。下次走進京都的廟宇，或捧起一個茶碗，除了驚歎，wabi-sabi還會讓你讀出它想說的話。
本書作者李歐納．科仁（Leonard Koren），曾在日本生活多年，擔任過著名日本雜誌BRUTUS的專欄作家長達三年。雖然受過專業建築訓練，但只蓋過一座茶屋。他在1994年寫下這本談wabi-sabi的專門著作，至今仍然是最多人引用討論的來源。

Serving as both an introduction to fifteenth-century Italian painting and as a text on how to interpret social history from the style of pictures in a given historical period, this new edition to Baxandall's pre-eminent scholarly volume examines early Renaissance painting, and explains how the style of painting in any society reflects the visual skills and habits that evolve out of daily life. Renaissance painting, for example, mirrors the experience of such activities as preaching, dancing, and gauging barrels. The volume includes discussions of a wide variety of painters, including Filippo Lippi, Fra Angelico, Stefano di Giovanni, Sandro Botticelli, Masaccio, Luca Signorelli, Boccaccio, and countless others. Baxandall also defines and illustrates sixteen concepts used by a contemporary critic of painting, thereby assembling the basic equipment needed to explore fifteenth-century art.
This new second edition includes an appendix that lists the original Latin and Italian texts referred to throughout the book, providing the reader with all the relevant, authentic sources. It also contains an updated bibliography and a new reproduction of a recently restored painting which replaces the original.