这是一部E.H.贡布里希有关价值及其在人文学科中的作用的最著名的论文集。正如作者在中文版导言中所说：“本书的文章出诸一个艺术史学者之手，但它们的主要论旨不是艺术问题，而是文明史学者所面临的问题。当然，文明史的问题与艺术史的问题息息相关。”从黑格尔哲学到战争时期的广播宣传，从博物馆的未来，到艺术研究中理性与情感的作用，贡布里希教授一直持有这样一种观点：我们文化中的理想始终承受着非理性的、僵化的偶像的威胁。
时至当今，这部论文集仍不失为一部对自由和人类价值适时而重要的肯定。

用簡單的語言表達複雜的思想，用宗教的語彙昇華現實的創傷
紐約畫派代表畫家馬克‧羅斯柯的生涯與藝術追敘
探索現代主義時期色域繪畫的靜穆、靈光與禪性
馬克‧羅斯柯（Mark Rothko 1903-1970）為紐約畫派領導畫家之一，在1940年代末期開創色域繪畫風格，對美國二次大戰後現代主義抽象表現繪畫的發展影響深遠。
羅斯柯1903年出生俄羅斯，是猶太裔，原名馬克斯．羅斯柯維茲（Marcus Rothkowitz）。1913年十歲時隨家人移民美國。1919年獲獎助學金在耶魯大學讀人文科學，後來遷居紐約，進入藝術學生聯盟，投入繪畫創作，此時受教於麥克斯‧韋伯，結識畫友高爾基、史提爾、紐曼、杜庫寧與馬查威爾。這群美國年輕藝術家在第二次世界大戰後形成紐約派，並在紐約現代美術館舉行「美國十五位藝術家展」，得到全美與國際的注目。羅斯柯被評為紐約畫派的「神學」派中最完滿的畫家。
羅斯柯於1938年歸化美國，1940年他37歲時在畫廊建議下，將原姓改為羅斯柯（Rothko），表示他改變風格的欲望，他與畫友葛特萊布在《紐約時報》發表聲言：「我們喜歡把複雜的思想用簡單的語言來表現。我們選擇大號的尺幅是因為它的衝擊力毫不含糊。我們希望重新建立繪畫的層面。我們使用平面的圖象，因為它能毀滅幻覺、表現真理。」開頭的一句－－「把複雜的思想用簡單的語言來表現」，可說是羅斯柯一生繪畫追求的理念。
羅斯柯的繪畫在四○年代受超現實主義影響，從古典神話與新舊約聖經故事中找尋他繪畫語彙的形體和題材，表現神秘的主題，並且對悲劇特別感興趣。歐洲猶太民族遭受的恐怖迫害，帶給他的精神創傷，引發他畫作主題的改變，羅斯柯視這項轉變為對救贖經驗的探索。1947年起，開始創作以色面的輪廓中浮游著長方形的抽象繪畫。1949年他發展出成熟的繪畫風格，在巨幅的直式畫布上，數個長方形色塊，或是不同彩度的薄染色層，相互平行排列，色域邊緣模糊而不平整，使朦朧色塊產生一種律動感。羅斯柯運用單純構圖，藉由色彩與光暈的交融，創造出引人凝神靜思心靈體驗。他的色域繪畫成就，是美國當代繪畫和歐洲畫壇分家的契機，很多人喜愛羅斯柯富有禪性，具有靈光的色域畫面。他避開了描繪細節的線條和任何暗示具體形象的造形，五彩繽紛色塊游移在空間，繪畫性的筆觸把形象簡化到只剩下色彩和筆跡。他的抽象畫都是浩瀚的尺幅，「我畫得大，正是因為我要它親密而有人性，畫得小就等於你把自己關在經驗的外面，如果你畫得大，你就在裡面了。」他畫出了宇宙的渾沌的感覺。
羅斯柯著名的代表作，是1964年至1967年時為休士頓的梅尼爾家族委託創作的一組油畫，陳列在休士頓萊斯大學的一所小教堂，被稱為羅斯柯教堂，巨大的油畫，或黑、或藍紫和紫紅，表現生命的神秘與靜穆，追尋人生的終極哲學──赤裸又神聖的宗教體驗與感情。藝評家羅伯．休斯指出：進入羅斯柯教堂而不動感情是很困難的，……究竟是神秘主義者瞥見的「太虛」呢，還是一種令人難忘的戲劇性的空洞，要視每個人的希望而定。從功效來說，羅斯柯教堂是浪漫主義的最後沉默。
羅斯柯一生創作八百多幅油畫，兩千件紙上作品，被推崇為二十世紀頂尖大師，他的繪畫為我們提供了一個冥想的立體空間，渾沌色域激盪了無數當代藝術家的心漪。

杉本博司向来以摄影家的身份为众人所知，举凡他的创作，如《透视画馆》《肖像》《剧场》《海景》等，无一不在挑战我们对于摄影表达的既有认知。他将时间、生命、历史这类具有纵向深度的主题，凝练成为二维的影像。在《艺术的起源》中，杉本博司详解了他“无相机摄影”新作《放电场》创作的原委和过程，以一般摄影者避之唯恐不及的静电灼烧底片，借闪电的意象连结起影像创造与地球生命的肇始。从未以影像的创作者自限的他，以光学玻璃雕塑五轮塔，探究人类宗教情感的来源，将金属块切削为数学模型，以有限的物质表现“无限”的概念，更为艺术家的想象力赋予其具象的造型。同时，杉本博司结合自己的摄影、建筑设计与收藏创作出令人眼前一亮的“杉本派”的装置艺术。当杉本博司对人类处境的思索越发明晰，我们也就看见他涉足更多人们未企及与尝试的全新领域，并以他的执著于探索精神将它们发挥得淋漓尽致，令人激赏。
《艺术的起源》便是杉本博司的自省、重新认识与超越的创作文集，他以文字梳理作品中“意象与语言的紧密交织”，将思索与创作历程全然呈现于读者面前。于是，我们有幸得见当代艺术与过往人类意识活动交织的吉光片羽，并一窥杉本博司所勾勒的人类精神史全貌。
本书收录了《放电场》、《偏光色》、《光学玻璃五轮塔》、《观念之形》等系列与多件装置艺术作品，值得提及的是，本书也体现了杉本博司对茶道的研究与兴趣，着墨较多的篇幅如与茶道相关的《三夕茶会》及向日本美学宗师千利休致敬的能剧创作《小田原》。

An authoritative work on Edouard Manet, viewed by many as the father of modern painting. Few artists have created as much controversy as Manet: his avant-garde work not only challenged the traditions of art, but also addressed society as a whole. With his painting Olympia (1869), he was to become, to quote Degas, "as famous as Garibaldi." Yet how the diffident son of a bourgeois family became the father of both realism and impressionism is a complex story that has too often been overlooked. As Manet has rightly become recognized as a touchstone for historical change, his personal story has become all the more relevant to the study of art history. This lavishly illustrated volume, presented in a handsome slipcase, offers a comprehensive study of the great master.

罗伯特•劳申伯格（ROBERT RAUSCHENBERG，1925—2008）是“二战”之后最多产也最富创新才华的艺术家之一。他的作品横跨多个领域，对20 世纪50 年代以后的先锋派艺术有深远的影响。
在“组合”艺术——一种将绘画和装置融合在一起的作品中，劳申伯格把大众文化和日常生活的元素带入自己的艺术，其手法是拼贴，将令人瞠目的材料和想法放置到构图中。“组合”艺术之后，劳申伯格的艺术创作进一步多样化，发展了版画复制、丝网印刷画、表演—这些艺术将技术和很多其他活动都包含在内。本书还检视了劳申伯格对表演艺术的大力投入，回顾了他与美国先锋舞蹈之间的关联性，以及他与编舞梅尔塞•坎宁安和特莉莎•布朗之间的合作。

本书是作者关于中国晚期绘画史写作计划的第一种，探讨元代绘画。元代是蒙古人统治中国的时代，却也是中国文人画发展最具活力与原创性的时代。在蒙古人废科举制度的情形下，读书人面临着变节或失业的两难窘境，很多文人政途不通，转而以为人占卜、代书或绘画为业。本书即讲述了在这个异族统治、志不得伸的年代里，画家如何以绘画来表达自己的看法与心声的故事。

在本书写上，作者避免了那种常见的技术指南式的写作方法，着重探讨视觉观念，而不拘泥于具体细节。他想要人们比较容易地了解摄影家创作的大概情况，揭示影响判断的那些因素，这些因素在相机曝光的一刹那，往往是按直觉本能地起作用的，无法事前安排。但深入的了解可能有助于培养这种直觉，扩大作品的范畴和内涵。此书对摄影创作的潜力作了极为精辟的分析，坎贝尔没有拘泥于技术细节，而是着眼于创作过程，揭示了影响摄影家视觉个性的各种因素、这是一项了不起的工作。此书最大特征是敏锐的探索精神，它抛开清规教条，着意阐述了创作手法。

本书作者安・瓦尔坦诺夫是苏联著名摄影理论家和教育家，现任《苏联摄影》杂志编委。他所著《摄影的特性与美学》一书是苏联近年来出版的一部重要的摄影理论著作，其中提出一系列新的理论见解，影响颇大，同时在摄影的分类问题上也引起争论。
《摄影的特性与美学》分别论述艺术中的纪实形式。摄影的表现能力、摄影的技术与审美价值、摄影形象的特点和现代摄影的表现方法。书中研究712O多幅作品，涉及较广。理论分析多以摄影作品为实例进行，因而显得形象生动．深入浅出，读来有趣，并已从中可窥见当今摄影的发展趋势。

作者阮义忠参阅了数十年欧美摄影书刊及专辑，对当代诸多新锐摄影者的创作理念与风格作深入的探讨，写成这本涵括17位摄影者的摄影专辑，而与以前所著的《当代摄影大师——20位人性见证者》一书合成连贯的系列。全书笔调亲切活泼，引文与叙说相间，倍能显现摄影者的胸襟、素养和观点。明晰的文字与精选精印的图片，足以帮助读者了解罗逊柏格、尤斯曼、索德克、贝里、吉卜生、威金、德巴东、弗孔等探索影象新境的历程。

本书是14位摄影大师对摄影本质的思辨，这些严肃的问题却是以轻松的对谈方式书之，由于访谈者霍瓦本身也是一位摄影名家，对他所心仪的摄影家做过认真的观察和思考，而且曾有志写作，比别人多了一份对语言的敏锐，因此总能针对各家的风格，自不同角度切入。他花了四年的时间，巴黎之外，还远涉英国、意大利、美国、日本等地。除了两位日本摄影家通过传译，其他访谈都以原文进行（再自己译为法文），因此谈论能酣畅尽兴，引人入胜。
本书法文版于1990年中甫一上市，不但引起了摄影界的巨大回响，同时也被其他艺术领域及文化界人士称许为：近年来难得一见的、这么有深度又生动无比的对话录。

Contrasting intimate visits to artist's studios, intended to evoke the particular elements of their own interior landscapes, with explorations of the USA's sweeping landscapes of light and form, which have inspired artists since the Luminists and the landscape specialists of the Hudson River School, Art Studio America provides a privileged look at the dreams, ideas and thoughts of 115 artists who are active today. While the world may know their work well, they have rarely, if ever, allowed their personal landscapes to be traversed in such an intimate manner and against the backdrop, both literal and figurative, of their country's larger environment. Some are immigrants, while others chart their professional journey's through their work amid the vagaries of the American art market. From established figures to up-and-coming artists, Art Studio America provides a privileged glimpse into the workings of one of the world's largest artistic communities. Essays by renowned specialists Robert Storr, Mark Godfrey and Ben Genocchio augment the heavily illustrated artists profiles. From New Yorks hurricane- battered skyline to Southern California's hazily sunny boardwalks, Art Studio America offers readers the chance to embark on transformative journey's of their own.

An exciting monograph dedicated to an extraordinary figure and one of last century’s most famous and influential artists. Man Ray (1890-1976) was a photographer, painter, and creator of objects, experimental films, and images which were at times enigmatic. This catalog, which presents more than 200 works and compares and contrasts images with biographical details, is divided into three main sections: Man Ray’s formative years spent between New York and an artists’ colony in Ridgefield, New Jersey; the Paris period; and the period spent between Hollywood and Paris, France-the city he ultimately chose to adopt as his home.
The publication describes the creation of some of his most famous pieces and the motifs-very often of females-that inspired the works. Man Ray’s life was marked by a succession of love affairs with famous and intriguing women, and this catalog dedicates several sections to this topic.
The book also deals with the themes permeating Man Ray’s work throughout the years, such as his passion for chess, the relationship between reality and illusion, and experimental photography and film. Comparisons are also made with the works of some of the most important artists of the twentieth century, such as Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Constantin Brancusi, Jean Arp, and Francis Picabia.

《艺术宇宙》主要内容简介：“每当看见天上的彩虹，我的心儿摇动。”这是英国湖畔诗人华兹华斯的名句，一句简单的话，因为七彩的虹，就洋溢着诗情画意；当然，我们也能从虹想起光的折射和反射，想起最速降线，想起变分法，然后想起最小作用量原理。不仅彩虹，一天地间的万千景象。都能引起诗情画意，引起科学的联想。不论是否愿意，我们的眼睛总是戴着双重眼镜，一重艺术的，一重科学的，两重影象在我们的头脑里交融在一起。

当下，博物馆的观众日益增多，其定位已渐渐从单纯的文教场所，发展成为拓展各项交流的平台。然而博物馆的宗旨到底是什么？博物馆与公众的互动关系又引发了什么样的问题？博物馆究竟是否应该恢复其最本质的功能、回归其最原始的初衷？艺术对于公众来说，到底是附庸风雅的工具，还是激发想象的燧石？包括大英博物馆、大都会美术馆、保罗•盖蒂博物馆在内的英美最富盛名的博物馆及艺术研究机构的“掌舵人”，将在书中一一为您陈说。
且听博物馆馆长们讲述博物馆的故事。

Between 1949 and 1953, Robert Frank continually returned to Europe from his new home in New York to take photographs in France, Switzerland, Spain, and Great Britain, photographs that show the development of his uniquely humanist, poetic, and realist eye. In 1951 and early 1952, Frank visited London--"I liked the light, I liked the fog."--and set out to photograph the unique atmosphere of the city. He followed British financiers around the City, capturing them in their traditional top hats and long coats, creating images that depict them in a poetic dance with their fog-shrouded environment. He shot pictures of workers, men delivering coal, children playing on the streets, people waiting or relaxing in the parks, and images of poverty. In these photographs he juxtaposed money and work, wealth and poverty, creating a dynamic photographic project that has never been shown before in its entirety. Then, in March 1953, before the impending nationalization of the country's coal mines, Frank travelled to the town of Careau, in Wales, to photograph the coal miners whose lives revolved around their work. One miner, Ben James, and his family became the subject of a picture essay (originally published in a 1955 issue of U.S. Camera) in which Frank downplayed the classic modernist photographic moment in favor of a more provocative form that offered informal, revealing glances rather than an official document.
In Robert Frank: London/Wales, Frank returns for the first time to these old negatives. The volume explores a stylistic transformation in his work, a period of development which saw his mode of photography move from an innovative romanticism to a highly charged, metaphorical realism. These two consecutive projects, realized in London and Wales between 1951 and 1953, set the stage for his truly groundbreaking documentary, The Americans, completed just a few years later.
You got eyes. --Jack Kerouac writing about photographer Robert Frank
Introduction by Philip Brookman.
Hardcover, 9 x 11 in., 208 pages, 90 Tritones illustrations

Josef Koudelka has consistently produced images that provoke a connection to the larger questions of human existence. This volume is the first to present his most eloquent images in a single volume. Spans Koudelkaâs entire career, from his earliest work with the Semafor Theatre in 1960s Prague to his most recent landscape studies in Camargue, France.

Revered as a father of modern photography, August Sander (1876– 1964) so refined the art of portraiture that his moving images of his fellow countrymen have been heralded both as an important sociological document and a photographic masterpiece. But those images make up only a portion of this deluxe seven-volume set, which will stand as the definitive collection of Sander's considerable achievement.
The books include some 150 never-before-seen images and essays by leading experts on the German photographer's work. Praising Sander's "vision . . . his knowledge, and his immense photographic talent," the writer Alfred Döblin said: "Those who know how to look will learn from his clear and powerful photographs, and will discover more about themselves and more about others."

作者从多个方面，既依照历史的线索、技术发展的过程，也依照艺术的门类、材质工艺的区别，深入到中国文化与审美观念的层次，分析了中国的艺术与工艺，揭示出中国艺术史中最为独特、最为深厚的层面。作者说明了中国的艺术家不似他们的西方同行，不寻求忠实的再现自然物象，而是探索代替模仿的方式，直接地创造出成千上万甚至无限的艺术品。他也为读者指出，模件的思想如何贯通了中国人官本位的文化、中国宗教以及关于个人自由的思想。
本书将带领读者在中国艺术与文化之中做一次深刻的旅行，揭示了中国艺术家是在一个多么复杂的体系之中，生产出成批的艺术品。这个体系深深植根于中国之思想观念——宇宙是由万物所构成。

写给产品经理、设计者、生活家的简约美学基础。
苹果、宜家、无印良品、魅族等产品哲学的灵感之源 第一本介绍wabi-sabi侘寂的经典著作。
“侘寂”之美的几个关键词：极简、质朴、安静、素雅、淡然、沉浸、信任。当设计满足这些条件时，可以称作为侘寂之美。侘寂wabi-sabi，那是一种淡泊明志、宁静致远的境界，一种被古代儒士所推崇的佛教哲学，教人修身、养性、无我的哲理。它所倡导的自然、简约、质朴的生活方式也大受品位人士推崇。
侘寂wabi-sabi是一种对渐逝生命的审美态度。与现代消费主义主张向外求的理念相反，本书推荐从人的内心去追求，简单的侘寂wabi-sabi的几个观念，可以转变我们对事物的态度。你可以用他去欣赏一个茶杯，也可以用它去体察自己的世界，你也可以从中找到整个宇宙。wabi-sabi包含整个世界。
侘寂wabi-sabi理念运用到设计中，就是简洁并让人安静的设计美学。它是苹果，无印良品等简约品牌的发源地。