• Run for Me
• Darlin'
• Oh My Love
• Only Road
• On the Ledge
• You Don't Miss Your Water (Till Your River Runs Dry)
• Motorcycle Song
• It's Over Love
• I'm on Nights
• Danny
• Nights Are Made for Us

Milton Nascimento (Portuguese pronunciation: ['miwtõ nasiˈmẽtu]; born October 26, 1942) is a prominent Brazilian singer-songwriter and guitarist.

"His voice is from another world. Robbie is special" - Pete Townshend, 2006

Robbie Basho released Venus in Cancer in 1969 on the Blue Thumb label. After five albums for the Takoma label in the 60's, Basho had cemented his reputation alongside John Fahey and Leo Kottke as one of the most brilliant guitarists of his genera- tion. His wide range of musical influences from around the globe set him apart from other blues-based players, incorporat- ing Arabic, Himalayan and Indian themes; Japanese and Chinese scales, and classical and European folk music. All are on magnificent display on this sprawling, spiritually-charged album. Released on CD for the very first time, the album has been remastered from the original tapes. The package includes origi- nal album artwork and new appreciations from Windham Hill label founder Will Ackerman, Basho college friend and fellow Takoma recording artist Max Ochs, German guitarist Steffen Basho-Junghans, and Pete Townshend of The Who. Twenty years since his death in 1986, Basho's legend continues to grow, having strongly influenced a new generation of guitarists including Jack Rose, Ben Chasny (Six Organs of Admittance) and James Blackshaw, among many others. The first ever live recording by Robbie Basho, a version of "Kowaka D'Amour" from Venus in Cancer, can be found on Tompkins Square's recent compilation, Imaginational Anthem, Vol. 2.

Spacetalk reissue this privately-pressed album from 1985.
Jake Hottell's 'Break The Chains' is suitably cosmic and emotive, with Hottell cannily fusing gentle drum machine rhythms and dreamy synthesizer motifs; influenced, he says, by "a love of the contemporaneous new age output of former jazz label, Windham Hill Records."
Re-mastered from the original master tapes, while extensive new liner notes shed light on the remarkable musical and personal experiences that inspired Hottell to create an obscure, overlooked classic.

Physical available via Boomkat.
Tim Zha aka Organ Tapes makes a hyperjump to Worldwide Unlimited with an emotionally slushed set of singer-songwriter pearls spiked with his own idiosyncratic production moves. An investigation into big-hearted American alt-country and acoustic pop, it sounds like a DIY inversion filtered thru the autotuned hypersonix with avant stylings.
For over a decade now, Organ Tapes has been masterminding his own obsessively-curated and unique style, channeling an interest in pop and experimental modes through the lens of a British-Chinese artist who's spent his life between Shanghai and London. Through production work for Triad God and releases for Tobago Tracks, Genome6.66Mbp and Berlin's much loved Creamcake, he's developed a style that's pretty much inimitable, with autotuned vocals informed by a long-term love of dancehall, afrobeats and Soundcloud rap, and songs that slip into folk and country, with a compositional mindset that's unmistakably non-Western.
"唱着那无人问津的歌谣 / Chang Zhe Na Wu Ren Wen Jin De Ge Yao" (sing the song that no one cares about) expands on the misty landscapes of 2019's TT-released "Hunger In Me Living," but while that album retained a wisp of R&B and a vague whiff of ambient, this new one feels firmly grounded in a bedroom pop aesthetic, allowing beams of sunlight to crack through his usually dense, textured clouds. Weft around guitar and vox, Organ Tapes bends the form by employing muffled field recordings, squashed drums and dreamy synths, assembling his tracks with the sort of diaristic warmth you'd expect to find on a claire rousay record.
It's not a million miles away from Conor Oberst's electronic diversion "Digital Ash in a Digital Urn" either, but Zha positions himself a few feet away from indie and emo, instead channeling more sparkling influences like TV themes and advertising jingles. His earworm compositions drip with familiar-but-alien riffs, with hooky choruses rendered personal and heartfelt through low-key, lo-fi production smarts. In different hands, it might have all sounded overly exuberant, but anchored by Zha's muted voice and shaved arpeggios, it's touching and indelible.
There's no cynicism here either - the songs work because they come from a genuine place. Just listen to 'Heaven can wait' and tell us you ain't feeling it.

吉他兼歌手Emmylou Harris于1947年出生于美国阿拉巴马州，60年代晚期以民谣歌手身份走唱于 华盛顿特区，接着与乡村摇滚歌手Gram Parsons（曾待过Byrds与Flying Burrito Brothers合唱团）一起巡回直到1973年Parsons去世为止。1975年之后Emmylou Harris成立自己的伴奏乐团，开始在主 流唱片公司发行个人专辑，二十多年来作品数量已超过20张，1975-81年间的连续8张专辑都被宣布为金唱片。

继上周发布的《初恋》之后，五条人的又一新单曲《热带》火热出炉，它是一首新闻民谣，更是一部当代传奇，歌中所呈现的，是一副丰富而斑驳的电影画面。
《热带》改写自一篇2014年的新闻——“广东增城逃犯到泰国成千万富翁，16年后落网”。新闻中的主人公“王×球”于上世纪90年代末在增城持枪杀人，犯案后他带着两万多块钱逃亡到泰国曼谷，隐姓埋名，从中餐馆打工开始了自己的他乡生活。“王×球”从洗碗工干到厨师，直至最后，他开起了属于自己的中餐馆，并成为过千万身家的著名华侨，但最终还是落入警方法网，被引渡回国。
“热带”是一个地域上的划分，它意指歌中主人公“刘德龙”最后的落脚地泰国，同时，故事中的氛围，也同热带一样，炽热而高能。在歌曲前奏中，吉他、镲片、手风琴依次进入,五条人传的统三大件各司其职，但从首段间奏开始加入了贝司，让整个故事的声部更加饱满，更为立体。同先前发布的有着九十年代流行歌遗韵的《初恋》相比，《热带》的节奏更为丰富，变化多端，歌曲从头到尾两个和弦循环往复，但贝司、鼓、吉他、手风琴的律动不断地互补变动。在歌曲叙事铺陈的过程中，节奏渐渐变得咄咄逼人，野性四溢，与主人公刘德龙那个曲折而传奇的人生故事相映成趣。
在《热带》中，也能够感受到《一些风景》时期的五条人的影子，野性，糙猛，这次五条人首次在歌曲里加入了MIDI成分，仁科直接同手机里的GARAGEBAND软件加上了合成器音色。
作为一首“新闻民谣”，五条人在新闻素材基础上进行了再创造，并加入了诸多想像的细节，与新闻中的“王×球”的人生相比，《热带》中的刘德龙的血肉更为丰满，从赌徒到逃亡异乡的餐馆业主，刘德龙的故事，颇具传奇色彩。但是它所折射出的，是当下时代的显著症候——沉痼压身，积重难返，透支漫长的未来，填补当下亏空，在徒劳往复之后，以“三碗猪脚”终了余生。“三碗猪脚“，是泰语“你好”（sawadika）在闽南语中的读法，它在歌中被邪性的唱腔以延时效果结尾，满是魔幻色彩。同时，这“三碗猪脚”也是刘德龙对自己传奇经历的总结，懊悔？无奈？失落？一言难尽。
《热带》用音乐语言，呈现出了一副丰富而斑驳的电影画面，五条人同以往一样，依然用平实的笔触，从时代变迁的诸般风景中，撷取出最为传奇的画面，讲述给身边的我们。

五条人即将于五月份出版葡萄牙现场专辑！
去年的8月底9月初，五条人曾前往葡萄牙进行五城六场的巡演。如今，他们将在莱里亚和科英布拉两站的现场录音整理成为五条人的一张现场专辑《昨夜我又梦见自己去流浪》，即将在下月出版，专辑内共有11首曲目，范围涉及五条人4张录音室专辑，大部分则来自第二张专辑《一些风景》。
除此之外，五条人还将出版一张与葡萄牙女音乐人Surma合作的EP。目前他们也在加紧创作新的录音室专辑，将来还会与不同的音乐人有更多的合作。

五条人第八张专辑——也是第六张录音室专辑——发布的第一首单曲，也是具有代表性的作品。它是典型的五条人式的“中国迷幻摇滚土特产”，关于有限的肉身如何超越时空的一曲挽歌。
「迷幻摇滚土特产」是五条人后期重要的音乐风格和方向，《地球仪》便是最新代表作。

去年的8月底9月初，五条人曾前往葡萄牙进行五城六场的巡演。如今，他们将在莱里亚和科英布拉两站的现场录音整理成为五条人的一张现场专辑《昨夜我又梦见自己去流浪》。这是五条人的第二张现场专辑，专辑内共有11首曲目，每一首的编曲和演唱跟当年的录音室版相比都有所改变。专辑的曲目范围涉及五条人4张录音室专辑，大部分来自五条人于2012年出版的第二张专辑《一些风景》。

这张现场专辑的设计仍然来自五条人视觉系系主任、五条人专辑/海报/VJ以及周边产品的主要设计师胡镇超（胡子）之手，其包装样式一改乐队过往专辑的“简陋”，采用了布面硬壳精装。胡子在内页上随意涂鸦，意图让图像与歌词产生呼应，营造似梦非梦的“流浪”场景。

在这张专辑里，五条人乐队的正式logo终于亮相——一个迎风飘扬的红色塑料袋。塑料袋所代表的意象，对五条人来说是“另外一种赤裸裸的真实”，是艺术的世界观和方法论。

在《做梦》中，主人公踩着单车光着脚丫去到另一个国家。单车浪子，是五条人早期的形象。五条人的第一张专辑《县城记》里，还有一首著名的歌《踏架脚车牵条猪》，这个画面感十足的歌名最终也成为五条人视觉里的一个标志性的形象。
这首歌来自于五条人 2012 年的专辑《一些风景》，这是五条人的一张神专，一锅乱炖式地收录了五条人早期的 21 首作品。
2018 年，五条人将巡演版图扩展到了国外，前往巴西参与了圣保罗国际音乐博览会的演出。去年的8 月底 9 月初，五条人又前往葡萄牙进行了五城六场的巡演，并带回了此次国外游历的结晶——一张现场专辑，这张专辑《昨夜我又梦见自己去流浪》即将出版，专辑内共有 11 首曲目，范围涉及五条人 4 张录音室专辑，大部分则来自第二张专辑《一些风景》。
在新专辑出版之际，五条人先行发布《做梦》和《世情》两首现场版单曲，而这两首曲目，编曲配器也迥异于当年的录音室版。
五条人是骑马去葡萄牙吃鳕鱼的幸运的阿良仔，他们实现了阿良仔的美梦。作为实现了欧美梦的曾经的县城青年，他们将这些作品带到了大洋彼岸同样吹着海风的国度，然后又把它带回来，这也是在帮阿良仔们实现一个波澜壮阔的梦境，是一个给阿良仔们的小小礼物。
将这两首歌放在一起听别有一番意味，它们合在一起，讲述了同一个来自边缘城镇农村文艺青年的梦想。它们一体两面，“做梦”和“世情”不可分割，理想和现实尖锐的矛盾和残酷的冲突，在五条人的歌中，得到象征性的和解。而这正是五条人作品的动人特质。

十几年前，当茂涛和仁科还在海丰县城翻着过期的摇滚杂志，听着年长一点的亲友从广州和汕头带回来的打口带的时候，他们不会想到自己以后会去广州组乐队，更不会想到有一天自己的乐队能去国外巡演。
阿良仔是五条人的歌《世情》中的主人公，而在现实中，阿良仔可能是仁科茂涛在海丰的某个朋友，也可能就是当年那个无法实现梦想然而又喜欢做梦的他们自己。如今，他们实现了自己的梦想，将自己的巡演版图扩大到了国外，却仍然没有忘记自己可能的另外一种命运——留在老家终日为三餐奔波，接受残酷的现实，做着不会实现的梦。
阿良仔就是这种典型的县城文艺青年的形象，他因为现实的限制，被困在了自己的家乡，无法实现自己的理想，但这个美好的梦仍然是珍贵的，是永恒的。
这首歌来自于五条人 2012 年的专辑《一些风景》，这是五条人的一张神专，一锅乱炖式地收录了五条人早期的 21 首作品。
2018 年，五条人将巡演版图扩展到了国外，前往巴西参与了圣保罗国际音乐博览会的演出。去年的8 月底 9 月初，五条人又前往葡萄牙进行了五城六场的巡演，并带回了此次国外游历的结晶——一张现场专辑，这张专辑《昨夜我又梦见自己去流浪》即将出版，专辑内共有 11 首曲目，范围涉及五条人 4 张录音室专辑，大部分则来自第二张专辑《一些风景》。
在新专辑出版之际，五条人先行发布《做梦》和《世情》两首现场版单曲，而这两首曲目，编曲配器也迥异于当年的录音室版。
五条人是骑马去葡萄牙吃鳕鱼的幸运的阿良仔，他们实现了阿良仔的美梦。作为实现了欧美梦的曾经的县城青年，他们将这些作品带到了大洋彼岸同样吹着海风的国度，然后又把它带回来，这也是在帮阿良仔们实现一个波澜壮阔的梦境，是一个给阿良仔们的小小礼物。
将这两首歌放在一起听别有一番意味，它们合在一起，讲述了同一个来自边缘城镇农村文艺青年的梦想。它们一体两面，“做梦”和“世情”不可分割，理想和现实尖锐的矛盾和残酷的冲突，在五条人的歌中，得到象征性的和解。而这正是五条人作品的动人特质。

Smog's Bill Callahan goes back to the root on A River Ain't Too Much to Love, his first full-length offering in two years. While it's true that his name is nearly synonymous with lo-fi, in recent years Callahan has experimented with different — albeit simple — production techniques such as on Dongs of Sevotion and Rain on Lens. Supper, issued in 2003, was more direct, both sonically and personally, and that tack is followed here, though the framework is even sparser. On this, his 12th album, Callahan journeyed south from Chicago to Willie Nelson's Pedernales recording studio in Spicewood, TX. Accompanied by the Dirty Three's Jim White once more holding down the drum chair, and Connie Lovatt on bass and backing vocals, Callahan evokes the ethos and poetry of spooky American folk and country music without ever actually playing them in his own tomes, using mainly waltzes to frame them. Americana this ain't. Callahan has the ability to write first-person narrative songs that cannily juxtapose an evocative physcal landscape that metaphorically refernces deep emotional states; he uses it to great effect here. The skeletal "Say Valley Maker" equates the loss of and longing for love with a river's ability to both fertilize and strip bare the floor of a valley. Callahan's acoustic guitar plays a pair of repetitive figures, graced by an unidentified shimmering sound just above the threshold of silence, graced by White's restrained, rudimentary beat. "Rock Bottom Riser" is a song of resurrection, and again, it's a waltz. In the first verse, a nylon-stringed guitar hypnotically plays the changes in plectrum style, as White uses brushes to shift time while underscoring it, making the tune seem to float. The singer speaks with gratitude to the memory of an absent lover. As Joanna Newsom's piano underscores and fills the melody, Callahan's character finds a transformed sense of self in rising from his loss. It's slippery, lilting pace and restrained vocal create a tension that frames the tune's poignancy. The true nod to roots tradition here is also the album's centerpiece. His version of "In the Pines" is reverent without feeling staid, hampered by its place in history. A delicate, reedy, meandering tempo adorned in a simple guitar line and drums unpacks the melody, and Callahan's delivery is the seed of memory as it comes up from the ether, urging the singer to tell the whole story while keeping his composure. Travis Weller's edgy fiddle exposes the crack in the tale, however, and the grain of Callahan's voice walks the line between reverie and regret. A River Ain't Too Much to Love is a subdued, plaintive collection of songs that accompany silence; they encourage reflection without guile and unveil themselves without a hint of studied artifice.

有人这么写道：“或許，在我們努力與世界奮戰之後，回頭來，至少還剩下 Cowboy Junkies 的音樂。”CJ虽然没有neil young、bob dylan等前辈名气大地位高，他们给民谣乐迷的感动一点不比前辈们少。
CJ来自加拿大，吸收的是蓝调、乡村、民谣等音乐元素，靠翻唱lou reed、velvet underground的歌获得了一点名气和注意力。后来，CJ开始了自己的创作，以民谣乐器、原声吉他为主，曲风单纯，低调，内敛，主唱Margo Timmins嗓音深沉，温柔，如平静的小河，不会爆发，非常的入耳。CJ的音乐给人的是淡泊和沧桑，一种繁华落尽的感觉，适合一边听一边回忆和思考人生。

「这些歌曲的原唱与原作者都早已调零，但是，他们给我们的感动却与当年丝毫末减。我反复思考一个问题：这些音乐的力量来自何处？」
一 罗大佑 2021
绿岛小夜曲是罗大佑在表演中常演唱的作品。这首歌的记忆，从他爸爸买的第一台收音机开始，因为他常听这首歌，所以对罗大佑来说，这是他跟爸爸的连结。编曲的意境主要来自2020- 2021年「宜花东鹿」的台东场，罗大佑跟乐队演出「绿岛小夜曲」时面向绿岛的画面，制作人加入当地采样的海浪声的音效和原住民女声组合的和声，把人、土地、音乐接合的氛围呈现出来。当你闭上眼睛聆听罗大佑的绿岛小夜曲，将会感受到他坐在海边望着绿岛的画面。（来源：QQ音乐）

越来越多的人，选择生活在别处。
当我们带着异乡人的眼光去观察一座城市，这座城市的角落，会不会告诉我们不一样的故事？
岁末年初之际，网易云音乐邀请五组原创音乐人，唱作出他们曾漂泊过的「异乡」。用另一种视角的音乐，描绘一座城市的故事。
网易云音乐岁末年初特别企划「在异乡」——最后一个异乡故事，来自张玮玮。
“2020年冬天，我参演的一个舞台剧巡演到郑州。演出结束后外面下起了雨，走在雨夜的街上，哈气从口罩缝隙里出来，在眼镜上结了雾。
戴眼镜的人冬天戴口罩就会这样，看上去有点可笑。我就那样走在街上，周围的一切在模糊和清晰间交替着，变得虚幻。这首歌的部分歌词，就来自那个时刻。
这首歌我们一直叫它河南，在最后确定歌名的时候，改成了《2020》。它其实也不像这首歌的名字，只是我自己想留下这个记号。
2020年是一个无比魔幻的年份，就像一根项链，到了2020这颗珠子的时候，穿过珠子的线没了。它就这么悬在项链上，和前后连着，又好像没连着。
生活就是这样，总有些情节会突然切进来，我们也拿它没办法。它就那么来了，带来了失落和期待，带来了翻腾的情感。
从来没有绝对的变好和变坏，2020像一个分界线，无论如何我们已经走到了分界线的这一边。这首歌也将是我新专辑的开始的序曲，又一个美丽的故事开始了。”