关于概念唱片《新青年》
这张专辑讲了这样一个故事：
青年A，从童年到差不多三十岁，经历着国家的剧变与自我的迷失与找寻，不断地选择着生活的方式与做人的原则，终究成为一个外表温润但内心坚硬的家伙。
专辑按照时间线索、用歌曲逐步展示了这个家伙的每一次内心变迁，是一张纪录片式的唱片。
之所以叫做《新青年》，是因为专辑的最终，青年A彻底告别了青春期、成为一个名正言顺的“青年”。对成人社会的不适以及后辈才俊的无意追赶，使得这个“新青年”尴尬地新鲜着，在丛生的矛盾中平衡着、活着。
关于创作
歌词共计2580个字，整整写了三年，直到进棚录唱的最后一刻还在修改。
不是创作上的纠结，而是这三年，对我而言是经历和心智上的迅速成长。
每次重看歌词，都清楚地看到观念有变，于是把这些变化修改进去，既纪录了“青年A”，也记录了我自己。
希望这里面也会有你成长的影子，“就算苍老是少年命中注定，还有人继续经历年轻”。
『石头姑娘』
她总算明白随时都要做好准备 一无所有
并坦然接受
依然可以义无反顾去放手一搏
但必须扛住任何后果
『Intro 我就是我』
介于年轻和苍老之间
介于失败和成功之间
『Outro愿我是我』
愿我高举火把不灭理想
愿我直面挫败脖颈高昂
『戏梦童年』
时间仅用一个指尖点碎青春亿万墙面
来不及向我所珍爱的说再见
『欢迎你来大工厂』
学会了 据说万能的坚强
心里住进了一头沉闷的大象
深夜踱步 阵阵巨响
越遮挡 越明亮
『蠢蛋进化论』
没有时间沮丧 孬种才忧伤
『未来俱乐部』
随意吧尽管评说，这世界不属于围观者
我愿意拼死抢夺，不把它让给我鄙视的家伙
『致林先生』
人生不过就是一场漫长的告别 林先生
说过一生一世 还是到此为止
『现代病启示录』
很善于 三心二意 四体不勤 五谷不分 六亲不认
童年阴影 青年抑郁 中年危机 老无所依
专辑工作人员：
制作人、编曲：纪元
录音、混音：徐晓宇
专辑设计：吴婉婷
专辑摄影：杜扬
设计统筹：小粉

/爱是昂贵的
声音玩具到2015已经成立16年了，距离上一张《最美妙的旅行》已有12年了，如果这是一个人的话，一轮的回转多多少少也投上了宿命的影子。
回首昨日，一如少年的旅程，但终有一天也会知道选择也意味着放弃，那甜蜜的每一次，列着长长的队伍黑夜般无边无际！将这些场景转化成文字并尝试着赋予它诗意，再谱以旋律，也许人们这样就愿意相信那一切似乎不会消失的和爱流逝的速度一样快，更不会在时间中泥足深陷！
沉默，沉默又沉默，直到音乐再次响起，那些真实中无法释怀的种种再一次以美好的一面浮现在动人的一曲上，这也许就是我们能想到和过去告别最优雅的方式。
声音玩具2015新专辑《爱是昂贵的》
围绕专辑的《Midas Touch》巡演之旅6月即将开启

盼望着，盼望着，春风来了，“虎狼之作”《万物生长》的脚步近了。
《万物生长》由冯唐作词，以一首《董小姐》火遍全国的实力唱作人宋冬野作曲并演唱，魔性十足，随着缓缓“吃你”的走心节奏，与影片此前曝光的节奏明快的放肆青春版预告片相得益彰，曲风亦独树一帜，配上宋冬野独具魅力的声线，深沉魔性。冯唐说，要用这首歌“如此心境，总结二十几岁的诗意”。导演李玉评价冯唐的词“表面上很骚、很性感，但背后隐含青春的伤感，和电影的主题一脉相承。”至于选择宋冬野来作曲并演唱，李玉则表示非常喜欢他的《董小姐》，在他歌声里的人物与秋水的个性很像。

/和那些人一样
妈妈对我说 爱情是用任何语言任何诗篇无法描绘的喜悦啊！
她用了一生的时间也未能 未能找到它
妈妈对我说 打动你心扉的歌声决非来自我手中弹拨的吉他
就象汹涌的河流决非来自雪山和冰川的融化
和那些人一样 你到底为谁而歌唱？
这首歌像秋日余晖温暖，无力而感伤。
包含了声音玩具这十年来的追寻和坚持。
黑夜虽漫长，可黎明终究会来临的啊。
坚强的信念无法用时间用热情衡量。
只要再坚持五分钟，就可以感受到那温暖。
/声音玩具 一场等待十年的美妙旅行
1999年成军的声音玩具是成都最具有代表性的乐队之一，也是中国独立摇滚乐的代表乐队。
乐队沉默而低调，一直潜心于自己的音乐。
2003年发布的《最美妙的旅行》只是DEMO，从未正式发行。
《和那些人一样》是乐队第一张正式专辑的第一支单曲。
这次，除了这张全新的专辑以外，
《最美妙的旅行》也会出正式的录音室版本，作为对歌迷的回报。
对于姗姗来迟的这张唱片，与其说兴奋不如说终于可以卸下包袱轻装前行的轻松。
对于音乐最有魅力的意义无外乎创造，不停的表达才是常态。
所以这张唱片对于声音玩具来说只是一个开始，一个新时代的来临！
/一场青春和一张被爱了10年的DEMO
对于很多80后来说，
声音玩具的那张《最美妙的旅行》是和校园时代夏天爬满教学楼外墙的爬山虎联系在一起的，
也是和整天混迹地下音乐论坛却难得能看上一场演出的青春时代联系在一起的。
《最美妙的旅行》作为一张demo，
在网络平台和推广渠道远没有现在发达的10年前，
依然成为了独立乐迷心中一个时代的象征。
当《不朽》那长达5分多钟的前奏响起时，
当《青春》中的哼唱开始时，
那个时常莫名满心忧愁的青春期又回到了我们体内。
音乐的通感真奇妙，如此便是十年。
/一个初衷和无法被定义的声音玩具
就像他们自己说的那样：声音玩具的音乐总是难以被这样或那样的定义。人们已经习惯用转瞬即逝的背影或者一个刹那的侧面来记忆那些美好的事物，但这种观察和欣赏的方式也许并不能够完整的了解声音玩具的音乐。后摇？艺术摇滚？声音玩具都不这么认为。可是不得不说，这都是对于乐队作品优质旋律和诗意歌词从另一个角度的肯定。但对于乐队来说，精致的旋律和歌词，都只是通往人的内心的方式。他们做的音乐“很难用假象来欺骗”，因为都是从心而发的产物。
乐队的气质是内敛的，这种向内沉淀的趋势似乎也解释了乐队这些年的低调沉静。
这样的声音玩具让我们等待了十年，终于他们回来了。
欧波说：我们根本没有什么好总结的，因为我们还没做什么东西，这其实是一个新的开始。
封面摄影师：杨圆圆
杨圆圆于2014年获得Bloomberg New Contemporaries的提名；
2013年被选为Magenta: Flash Forward摄影奖的英国获奖人之一；
并于2012年和2011年分别获得了美国特尼基金奖和英国Bar-Tur摄影奖。
在创作实践之外，杨圆圆也致力于艺术写作，她目前也是《艺术世界》杂志的编辑。
词曲及演唱 欧珈源
编曲 声音玩具乐队
吉它演奏 龚鹤龄 李哲 欧珈源
贝司演奏 ：胡凯
鼓演奏：黄景
人声录音 ：王昕
乐器录音 欧珈源 丘勇胜
混音： 郭敬刚
母带 ：韩东
制作人 欧珈源

还有XX哥的标记。。。

李志个人第七张专辑

许巍的音乐，深埋在许多人人生的每时每刻里，无论是青春疼痛而成长，还是历经世事而成熟。他的每一首歌，陪伴着的某个片断，仿佛成为了自己对生活的某种记录。他每一场的演唱会，令得那些珍贵的时刻或者感动，愈发真实生动而深刻。

自去年5月17日在北京工体首演至今，许巍此时此刻巡回演唱会，一年的时间里，给十座城市带去了这份音乐和生命的力量。虽然这轮巡演还在继续，许巍和工作团队一起对这一路进行了一次回顾。
超2小时 22首全曲目一次性完整收录
现场收音 万人合唱 全场互动还原实录
如果你曾经亲临现场，你会感受到，这一整场演唱会，并不是许巍的个人演唱会，而是作为观众的你，也切切实实参与其中的一场由音乐领航的时光之旅。导演和音乐团队在环节和视觉设置上极其用心，从开场用视频的方式记录并呈现当天观众在入场前的状态，再推演出许巍和团队此刻在演唱会后台的场景，到进行中不断出现让观众参与到演唱，乃至用一首歌的时间让观众的故事，出现在大屏幕上的环节设置。在现场，在音乐中，生成一种"你中有我，我中有你"的环境场。这在许巍看来，亦是一种人生的还原。在岁月里，正是在这不断的迎来送往中，我们才变成了我们自己。刚好又幸好，我们在此时此刻的这一段路上，遇见了许巍。

为了延续演唱会的这一概念，音乐总监李延亮老师，在每一个城市都进行了现场收音。那些观众在现场的声音也被完好地收录其中，身临其境的同时，也体现了导演团队希望演唱会和音乐不只是在演出进行的那一时空，而要无限延伸到舞台以外的设定。负责演唱会导演和视觉MaxTeam的朱晓晶导演认为，摇滚的精神，是用来传播爱的。而，最忠实还原LIVE实况的CD，便是这种延伸最具体最实感的传播方式。

这22首歌，几乎是演唱会的完整曲目，甚至包含了乐器solo和乐队介绍的部分。旨在最真实到位地还原现场的每一个细节。每一首，都有自己被收录那一刻的城市场次和时间的铭刻。仿佛绵延出一条演唱会的时间轨迹。长达2个多小时的音乐里，你会听到无数次掌声、感动呐喊声、万人大合唱的歌声，当然，可能，还有你的心声。
特别企划
"我的许巍时刻" 精选歌迷感言甄录
八十页LIVE写真册
定格十个城市的音乐画面
完美临场感 全方位体验记录
《许巍此时此刻演唱会LIVE纪录辑》，要做的不仅是对现场的重现，是对音乐时空的延伸，更要表达"人生是一场旅行，幸得遇见你我，才变得与众不同。享受此时此刻，拥抱无限可能。"的精神内核。生活和演唱会一样，是一场互动live，许巍和观众一起，彼此影响、彼此成就。如此，便有了一个大胆的企划方案，最大化那延伸的方法--向所有人发出了邀请。

在微博上为期一个月的"我的许巍时刻"的征集中，收到了不计其数的歌迷在参与了演唱会后的感言，有的三言两语，却觉字字肺腑，有的长达几千字，更感情深意重。每个人心里都有自己对许巍和他的音乐的感受和解读。每一种，都可贵。就像这当下的时光，一样。在精心斟酌后，有十余篇歌迷感言被一并收录在歌词本中，从观众的角度，别出心裁地展现了演唱会的另一面貌。更成为又一种"你中有我，我中有你"的延续。

如果要评选感受时光和场景最好的方式，那非影像莫属。那已经走过的十个城市的现场中，每一场的音乐画面都被收藏在了纪录辑的写真册中。厚达八十页的精良设计制作和印刷装帧，全方位体验记录，酿出完美的临场感。让每一张脸孔、每一次微笑、每一颗泪水，都留在音乐里，记在心里，定格在这里。

在这个22厘米见方的大盒子里，《许巍此时此刻演唱会LIVE纪录辑》，无论是有幸参与的纪念和重温，还是未能得见的期待和补偿，无论是音乐，还是记忆，无论是过往，还是现时，都值得被这样用心珍藏。

演奏：六貯（竹管樂器）/ 韓（吉他）
演唱：袁田（歸思）/ 六貯（雲相逐）/ 韓（遙夜）
詩作者：堪堪 / 唐 柳宗元
作曲：六貯（浮舟）/ 韓
錄音：袁田（歸思）/ 韓
混音/母帶處理：韓
錄音時間：2014年03月至09月
錄音地點：寧波 / 杭州 / 成都
攝影： 李卓雲
視覺設計：韓
出版發行：貓頭鷹樹
音樂人小站：
特別感謝：
蒙蒙山房主人小京女史/無用集主人管雅女史/滿月居主人潤羲
為我們提供錄音場地
序
余古琴弟子韓與六貯合力之操刀大作《歸棹》問世，托余作序，忝為師長，乃綴敘所懷，勉力充數爾。
歸棹本歸舟之意。古者多有舟入詩。野渡無人舟自橫，自氣象瀟灑。韋應物詩“ 歸棹洛陽人，殘鐘廣陵樹。今朝為此別，何處還相遇。 ”是乃灞橋折柳，無限傷感。是碟以歸棹名，乃有歸去來兮之意，觀雲氣相逐，獨隱於山水間。
音聲者，導養神氣，宣和情誌。故於音樂之道，精微奧妙，變化莫測，聽者會心而已。
是碟融吉它，竹管，人聲集一體，吉它仿琴音色，近似古琴泛音與散音，不禁憶前輩劉天華所作琵琶曲《虛籟》，亦是模仿古琴綽註指法而別有一功，是異曲同工之意。竹管聲悠意遠，人聲由其二人擔綱及邀友人合作末首，二器相匯而能成曲中聽，尤難得也。
首曲長空一，前如中庭冷落，月點波心，靜謐清泠，夏夜也。乃如琴曲《良宵引》之意，偶見孤猿野鶴，清風怪石，亦為知音。翕忽一變，如入野花滿徑，撲鼻菊香。唯其輕松之至，復歸於人定。
次曲長空二，靜觀松風水月，銀河可見，璀璨萬里，復有孤高賞景，間以心緒起伏，其意，最難平！
其三遙夜乃取詩遙夜之意，雨滴巖下，空谷幽蘭，竹管突起，令人懷遠。只於離人，再歌而泣歟？
其四名雲相逐，亦喜，彼取意自柳宗元詩《漁翁》。
兩器所造，境由心起，月中皎潔，無物比倫。然一轉而六貯以嘉興話唱此詩，直有對面不相見之感。其音清朗蕭疏，六貯今已遠赴海外遊學，聆聲如晤其人，人中龍鳳也。
余獨愛其五浮舟之曲，其意幽遠，若平林漠漠，其聲泣訴，直指人心，韋詩泛泛入煙霧之地，只百轉心頭，“世事波上舟，沿洄安得住？”
其六歸思，仿佛踱步林間，忽忽有所思，歌間雜以弦管，忽如山花爛漫，忽如小溪淙淙，誰待遠人歸？直欲將心事付之耶？
“長風破浪會有時，直掛雲帆濟滄海。”二仁棣既樂之同道，當思精進，期有佳作再現。
“和心足於內，和氣見於外，故歌以敘誌，舞以宣情。然後文之以采章，照之以風雅，播之以八音，感之以太和，導其神氣，養而就之。” 噫，素心者雅宜清賞，當明之耳！
泉唐琴人 萬仲亮 於甲午年立冬

一年来 我天上一会地下一晃 刺激
回归地面 我定位自己是个活人
辗转过后 抹去泪水 抑制住傲慢的笑 堵上耳朵
细品 风雨阳光 一个味道 找寻最关键的意义吧
平静且疯狂的“生子”是我暂时的使命 费劲 执着 自豪 不自由

歌曲的全部试听在此：
购碟请至：
我們有幸存活的時空早已精彩過頭，我們心情經常不好；以至於我們還有興致來完成這一張甜膩黑暗的唱片；紹昆很有本事。在去年，在录音棚里的很多凌晨，只要用餘光掃到他黑着臉靠在沙發上玩手機……我就知 道，這一遍，又唱壞掉……就這樣，從雀躍的夾腳拖錄到焦慮的取暖器；2014年做成母帶 那一天，紹昆生日，李泰祥先生離世。
它在冗長工期裏反復的考慮、刪改；已經不能以數計；好比搓揉，如果它是張紙，恐怕早已成了棉絮。
結局總算對得起封面裏不好意思的英文句……當然，它在我心裏，可不止這點意思。
因為唱片出來，“腰”就到站，
所以一直拖著，想和你們多玩玩。
如果這是一場磨人的愛情……
那麼現在就要分手。
“他們已謝幕，你們接著演”。
聽過又還喜歡，讚美不要留情。

《日落大道》是羽果2014年推出的全新录音室专辑，也是乐队的第三张正式专辑。自2010年推出单曲《梦开始的地方》之后，乐队由于自身的调整，一直尚未推出全新作品，此张专辑则是集成乐队2012年前后创作的作品，经过精心筛选和制作之后面世的又一力作。
羽果从其第二张专辑《巴别塔》开始，就一直探索在音乐中加入电子元素的表现形式，并将这种尝试贯穿于之后的作品创作当中。而在《日落大道》中这样的表现方式依然得以延续。区别于《巴别塔》中大量TRANCE舞曲风格的运用对宏大氛围的营造，这张新专辑更偏向于将电子元素作为音色和节奏的辅助，从而更加强调和突出乐队的整体性。根据专辑主题的基调，在大部分作品中采用了更加硬朗的吉他和贝司音色，搭配厚重扎实的鼓音色，使作品富含饱满的冲击力和律动质感。在旋律和编曲方面，则保持了一贯的流畅和精致，毫无疑问是羽果一如既往的风格。值得一提的是，国内知名电子音乐人严俊也参与了该张专辑部分曲目的制作。
在专辑主题方面，羽果采取了惯用的意象表达方式，将“日落大道”作为理想与现实交织更替的象征，通过每一首歌曲背后的故事去展现不同人物的境况和命运。歌词表现上，相比以往也做出了更加写实的风格尝试。有意思的是，也许你还能发现人物在不同故事中的穿插：《与魔共舞》中对权色交易的隐喻，让人联想到《番茄荷尔蒙》中对真人选秀的戏虐；《以荣耀之名》中的体育明星还在为命运起伏扼腕无力，《天亮不要叫醒我》中的“麦地诗人”海子已经沉睡在了理想世界的彼岸；《光阴浮尘》和《再见，妈妈》中的倔强少年已不再年轻，回首才发现时光荏苒；而《小角色》和《玛莎和拉蒂》中小人物的无奈挣扎，则在《青苔》这首唯一的纯乐曲作品中，留下了无声的唏嘘。
在理想与现实的较量中，人们往往总是看见成功的闪耀，而埋藏在这辉煌大道下面的，又有多少隐秘者的阴谋和失败者的黯淡。时光前行，闪耀的不会永恒，黯淡的终究遗忘，造梦的机器依然吞噬着这条路上前赴后继的人们。

改變是勇敢的，堅信是一種不容質疑的態度
魏如萱waa wei 第四張專輯
創作天后陳綺貞/義大利知名樂團/詩人夏宇/金曲製作團隊
巨星級組合跨刀合作
混蛋們會：
『因為堅定無比的相信，不存在的事物也能夠被追尋。』
『曾經我們度過那麼一場敗壞的氣候。曾經我們眼睜睜看著巴別塔倒下。
曾經我們互敬彼此以鋒銳的情書。曾經我們，把未來當作曾經。
過往的生活碎片如今被我們捧在手心如同滾落的淚珠，
如果不曾擁有一樣東西，
那我們將不會失去它。
不清楚明天早晨會不會比較好，但是我學習微笑，我學習丟棄你，我學習問候語。
我跟我自己說，我可以不要再那麼堅強，讓脆弱來拯救我。
然後，再下一次就輪到我來拯救全世界，跟你。』
waa魏如萱，一個獨特的女聲，滄桑而天真。
將「夢」的多樣性，實踐在她的生命裡、歌聲中。
有人覺得她奇怪，她的風格獨特、不拘一格。
時而甜美、時而感性、時而搞怪、天馬行空。
一次一次，我們從魏如萱的歌聲中
重新定義一些我們認為必然的事物
快樂和悲傷可以形同物件一般買進，賣出
甚至黑色也可以如此的甜美
魏如萱能夠輕易地解釋所有的情緒，也能輕易地讓我們墜入所有的夢境。
在這張專輯中，魏如萱大膽嘗試多樣風格曲風
融合多國出色的音樂家不同的概念
打造出這張，讓人再一次認識她、愛上她的全新專輯
歌曲介紹
1. 在不確定的世界裡
創作女神陳綺貞，為waa量身打造詞曲。
『雖然每一個不同的自己，都是自己，但你瞭解他們多少？他的唇色，他的唇形，他眼珠的深淺…..好像都只看到了一點點。』就跟這個世界一樣不確定。下午四點的公車，搭半個小時來到目的地，結束了行程，但是獲得了什麼？還是失去了什麼？有一個自己她累了，因為她遷就另外一個自己去追尋自己也不知道自己是不是想要追尋的東西，每個自己都在每分每秒中尋找、迷失、重新獲得，再被迫放棄。在此刻需要的不是建議和否定，要的只是安慰而已，好讓她停下來時，知道還有一個不需要多做解釋的擁抱。你所看到的每一個魏如萱，都正在這個不確定的世界裡，正在做她最真實的自己，請聆聽，那些藏在她聲音細縫中的脆弱。
2. 還是要相信愛情啊混蛋們
『混蛋們不是在罵別人，指的就是我自己，我自己就是這些混蛋＿們。』又在哪處跌倒了嗎？這一次是不是傷的太重，寧可就倒在那邊也不願再深吸一口氣，然後站起來？在愛情中，在最平常不過的日子裡，一次次經歷的痛苦失敗，讓每個不同面向的自己都得到最可貴的養份，然後大聲嘶吼，還是要相信，再一次相信，因為想成為徹底幸福的廢物。李格弟充滿嘲諷意味的詩作，讓waa甫讀就打定主意這就是一首快的、破壞力強大、同時自省也是自嘲的歌曲。『因為愛情就是有一種魔力，你永遠無法理解她真正的樣子，所以就更值得去努力跟相信。』是嗎？混蛋們？
3. 巴黎的憂鬱
『互相瞭解是那麼難，我親愛的天使，思想是那麼不可傳達，即使在情侶之間。』-波特萊爾[巴黎的憂鬱]。波特萊爾小說[巴黎的憂鬱]中，寫實的描述了巴黎生活的場景，甚至可以跳躍在這些場景之中，讓讀者重新組合。認識一個人也是如此，通常不會瞭解他的全部，而只有局部，就有了想像可以重新組裝，就像[巴黎的憂鬱]這本書中切割的巷弄一樣。歌詞中提到：你會喜歡我嗎？其實是一個沒有答案的問題。當你不全面了解一個人時，就會喜歡那個不了解的部分；一旦了解了，又變得沒那麼喜歡，就像黑貓一樣。因為永遠無法搞懂黑貓的想法，所以才會那麼的受她吸引。與『黑貓的計謀』對話，一首是對不了解的人想要追求那局部的喜歡，一首寫無法理解想法的黑貓有多麼令人想搞懂的渴望，都是對於『片面吸引法則』的共同性。
4. 愛不愛
『如果從未愛過，又怎麼會知道不愛的遺憾。』在追殺比爾的另類氛圍中，愛情用黑、黃、鮮血的紅色，建構出情人的世界。『易碎』一向都是愛情應該被貼上的警告標語，但好奇心一向如此，貼得越多易碎標籤，就越驅使他去接近，去嘗試如果真的打破它，那種聲音會多清澈、多響亮。華麗、復古、堆疊的碎語，是交織這首歌的線條，搭配魏如萱跳躍式的聲線演繹，『你也在愛情中不上不下不清不楚不明不白嗎？』在電流刺激腦門運轉下，重新體驗『分手的藝術』。
5. 背景
『不熟悉的語言就像忽明忽滅的霓虹燈，紅橙黃綠藍靛紫七彩終將回歸於黑白，而我的耳朵只是路過』說者與聽者有時候並非同步，當說者有心而聽者不解風情的時刻，說者的話就成了襯底的背景，從哪裡來就從哪裡去。waa總是禮貌地聽著對方與她分享的情緒、生活瑣事，但有時候對方講得太多太快，就像搭火車一樣，還來不及看清楚的風景就一秒秒地略過了。歌詞中巧妙地將歌名『背景』拆解成兩個說著不同語言的地名，彼此都嘗試瞭解彼此想表達的，卻接連著失敗了。還是當靈魂伴侶比較適合呢？靈魂之間的溝通，就不需要有形的文字和語言了。
6. 睡蓮
與義大利樂團AcomeandromedA跨國合作，如詩般的義大利文詞句，讓waa的靈感如泉水般迸發，添加大量的想像於中文歌詞中，搭配編曲層次獨特的和弦進行，是華語唱片中少見的新作。奇幻的場景由義大利經詞曲的串聯來到你我熟悉的街頭，就仿佛是夢境中才能實現兩地穿梭的夢想。
7. 開始和結束之間 In Between
『開始和結束是絕對，還是有無解的中間值？』在愛情中，一段戀情的開始，就是另一段戀情的結束，成王敗寇就是最露骨的形容。我們都在一段關係中扮演著各自的角色，對戲、磨合、默契培養，成就一場最精彩的舞台劇，waa以各種聲音的細節詮釋王小苗主寫劇本中千絲萬縷的細膩情感，在這速食至上的快轉社會中，帶著戀人和失戀的人，找尋這條最細微的中間值，亦或是發現沒有中間值。
8. 暗室之後
『恐懼讓黑夜更黑，如暗室之后抬起雙臂的黑紗，掩蓋那僅存的一絲絲光。』暗室之後是否也希冀光明？那一絲絲的明亮又怎不是他最深的渴望？因為無法獲得，所以選擇掩埋。魏如萱的恐懼來自黑暗，伸手不見五指的未知，讓分分秒秒變得漫長；但相對於黑暗的黎明，卻始終都在黑暗結束的盡頭開始。學習面對恐懼，是waa在這首歌裡的告解，黑暗未必是無可作為，只能作為零的顏色，在他的信仰中，當他進入黑暗的禱告室，尋找的就是那一絲絲的微光。若不是這麼深沈的黑，白色的希望又怎麼能這麼輕易的顯露？
在跨越16度的音域中游刃有餘，一個字一個字牽動著每一個琴鍵，也揪動著每一顆恐懼黑暗，卻期待微光的心。
9. 捉迷藏
捉迷藏是小時候最刺激的遊戲。大家都不想要當鬼，因為鬼是最寂寞的那一個，他只能有也許，沒有絕對。我們都在找尋一個也許和可能，日以繼夜，或許到頭來其實只要換個位置，一個轉身，就出現在身邊。擦肩和不對眼造就更多難以預期的情況發生，『這場遊戲開始就不屬於自己』，而結束，也由不得自己。
10. 黑貓的計謀
『我希望她是溫馴的，但她就不是。』我靠著大量的資料搜集去瞭解你，試圖討你歡心，但換來的總是沈默以對、冷眼旁觀，加以時不時的欺凌。但我總相信，這樣的反應表示你是在乎我，愛我的，因為我能這樣自認單方面的寵愛你多久？所以你想這麼對待我，請繼續吧！waa寫給自己的第一隻愛貓，也是既親密又疏遠的家人-gaga的一首歌，日籍音樂人Toshiya（甜蜜生活專輯製作人）以冷調的英式旋律大牆搭配waa歌詞中與gaga寫實的生活互動，讓一人一貓彼此相互依賴的卻又毫不對等的關係有著矛盾的揉合感。
11. 好嗎好嗎
『當你喜歡一個人的時候，就會想變得跟他一樣。』想吃他喜歡的食物，想穿和她一樣顏色的衣服，這就是喜歡一個人的感覺，如果能和你有千萬分之一的相同，就使得我們有所聯結了。waa想送給歌迷最好的禮物，就是寫一首歌，這首歌代表了默契、關心和許許多多的喜歡。『希望大家都可以記得，這是屬於“我們”的歌。』這首歌曲搶先在2013年的捉迷藏小巡迴演出中曝光，記錄了waa和歌迷之間彼此牽引的默契，就像不常見面的老友，雖然分隔兩地，還是可以想到同一件事情。
關於 魏如萱waa wei
自然捲時期，她叫娃娃，單飛後，她叫魏如萱。
興趣是喜歡唱歌、喜歡做怪夢、喜歡解釋各種情緒
她的身份多變，是女歌手，是演員，也是陪伴你加班的oh夜DJ
自2003年出道以來，一直勇於嘗試各種挑戰，樂於呈現出各種不同面貌的自己。
2012年TICC『晚安晚安演唱會』，加場台中、香港，場場爆滿，座無虛席
2014年5月，魏如萱首次站上小巨蛋的舞台，即將舉辦的『捉迷藏Hide & Seek演唱會』，引發熱烈討論，票房告捷
時而甜美、時而感性，嗓音聲線富有戲劇張力及變化的魏如萱，音樂作品包含三張專輯《甜蜜生活》、《優雅的刺猬》、《不允許哭泣的場合》以及數張單曲。亦曾參與音樂劇《向左走，向右走》、《地下鐵》以及電影《花吃了那女孩》的演出。除此之外，她同時也是知名電台的人氣DJ，在無數個日子裡，用她獨特且詼諧的方式陪伴著聽眾們一起度過。

距离上张专辑《殃金咒》不到一年，窦唯近日再次独立发行了新专辑《天宫图》。乐迷称封面和风格都近似《雨吁》时期。这张唱片录制于2012年，由窦唯、莫西子诗、子枫共同创作，窦唯依然集制作、吉他、键盘、古琴、口风琴于一身，参加了《中国好歌曲》的莫西子诗负责人声，子枫负责箫。

继承了第一单曲《Where Are You Going？》的中速节奏和自省，海龟先生这张成立十年的大礼专辑的第二首单曲《接纳》在期待中破土而出。在不断地追问人生的终极意义后，海龟先生开始把抽象的问题具象化，甚至自顾自地抛出问题，回答问题：“没人关心你为什么孤独，因为他们爱的不过是你的品像而已。”侯德健曾经有一首歌叫《三十以后才明白》，歌词列举的都是三十岁才能理解的问题，已入三十门槛的海龟先生显然在人生这件事上已经有了入木三分的认识。歌曲所呈现的强烈旷野感是海龟先生罕见的尝试，开口的第一句歌词”孤独的人，沦为旅行的人质”则更加深了歌曲的大气之感。

哲学家和历史学家们用长篇累牍的著作探讨伦理道义，海龟先生只用了配上韵律的几十个字就写就了一首关于爱的道义之诗。歌词里的那句“谁会愿意接纳祝福一个罪人”是继Where are you going后的新设问。《接纳》并不是劝导和讴歌没有道德尺度的宽容，而是理性自省后的宽恕。人与人之间的“爱”之所以脆弱，是源于它是一种条件式的反馈，人间之爱都无非是以才华容貌温柔等品相为前提。

经历了成员的更换，Carsick Cars将这张历经磨炼的新专辑命名为《3》，它距离乐队上一张专辑《You Can Listen You Can Talk》足足过了5年的时间。作为乐队第三张全长录音室专辑，这支被誉为中国最好的噪音/实验摇滚乐队，以全新的阵容继续探索着传统摇滚三大件所能创造的各种可能性，在爆裂粗砺的噪音中寻找着比以往更加出动人心的旋律，同时又让这些看上去流行的调调与乐队先锋的本色保持着高度一致。而在歌词方面，《3》延续乐队一贯的作风，再次用敏感的眼睛观察着我们的城市，就像专辑的《围城》里面写的那样”你和他们来到城市里，而里面的人想要跑出去，自由是个长久的话题，却不知道该如何得到你“。
为新唱片的录制，Carsick Cars远赴纽约录音，由两位传奇人物，“Spaceman 3”乐队的主脑Peter Kember(Sonic Boom)和来自“The Clean”乐队的Hamish Kilgour共同制作。乐队还与艺术家郭鸿蔚合作，专辑封面及内页中的画作全部出自郭鸿蔚之手，整体设计则由詹盼操刀，乐队对设计的重视也将这张专辑的感官维度扩展至了视觉层面。
Carsick Cars第三张专辑《3》于2014年3月3日由兵马司唱片发行。

徘徊在城市里，
纸醉金迷的孤独迷惘，
当hush! 的歌声透过收音机播放，
指引着夜里每一扇透着寂寞的窗，
前往平行宇宙裡更好的地方。
空中相会的恋人们啊，请再高歌一曲
好让我确定，那种种的异常现象，
是你，是因为爱。
从枝枒蔓生的《X》中走来，hush! 带着寂寞心灵的碰撞伤痕，
为你唱出难以捉摸的《异常现象》，唤醒城市里每一个过来人，
那无法躲避的羞赧微温，
只是这个冬天最后一场浪漫。

我城黑雨滂沱 - 说说甜梅号新专辑 撰文: 詹伟雄
甜梅号的新专辑取名《金光之乡(Hometown of Glitter)》，关键字在于「Glitter」的一字二义，它既代表某个金光闪闪、扣人心弦的事物，又代表耀眼的光芒背后，一种深沉而惆怅的迷惘。
1971年，齐柏林飞船发行的单曲《Stairway to Heaven》，前两行歌词这么写着：「有一位确信所有发光事物都是黄金的女士，正要买一只通往天堂的梯子(There's a lady who's sure all that glitters is gold, and she's buying a stairway to heaven)」；当然，最终，女士并没有在天上的商街寻获黄金，但却让「Glitter」成为摇滚乐历史中一个亘古永恒的隐喻: 当社会疯狂地追逐夺目的光亮，摇滚客得孤独地咀嚼真实且巨大的黑暗。
70年代，正是美国与世界「敲打的一代」敲打芝加哥摩天楼与钢铁坦克的年代。
「金光之乡」是一张典型的后摇滚专辑，它没有歌词可明白地勾勒那黑暗，也没有主唱来嘶喊微光中倨傲的英雄身影，但就音乐形式的要素本身，听者应当可由钟铃般的电吉他拨弦到电气音墙竖起的齐奏间，探寻到台湾都市化生活中的孤独、黑暗与迷惘。
甜梅号，其实是台湾最具时代感的摇滚乐团，虽然，他们操作的是所谓的「后摇滚」(post rock)形式：让一般听众不耐的乐曲长度、扬弃主副歌的ABA曲式、像织绣花布般细密地建构旋律肌理、层层堆叠之后的爆发情绪、自高潮退烧下来的冷漠冰原之够冷够硬，主唱缺席或仅把人声当作另一种乐器……等等；虽然，也常有人说他们的音乐背后有着苏格兰乐团Mogwai的影子；但只要你生活在台北、台中、高雄，你岂会不对那四面八方的工业噪音(《吃伏冒有礼貌 our good strong neighbor》)有所共鸣，不为一把吉他与奔腾套鼓扬起的英雄气质(《1vs99 one versus ninety-nine》)所悸动，不因其精巧设计的都市田园牧歌(《关闭罐头工厂the cannery must go》)而记起童贞情怀曾那么永远、永远的失落。
虽然「敲打的一代」(beat generation)这一词已被Jack Kerouac在半个多世纪前用过了(他巧妙地把「beat/垮掉」转换成「beat/敲打」，殊途同归地呼应了摇滚乐在另一侧的崛起)，但千禧年后的台北、台中或高雄，你不觉得我们正也该拿些什么来敲打那些光鲜亮丽的摩天大楼与天堂幻想吗？
在英、美、欧洲、日本陆续崛起的后摇滚乐团，有着清晰的时代社会发展脉络：六、七○年代壮大的摇滚（吉他、套鼓与贝斯为基本组，以清晰可辨的riff结合强力节奏，外加破嗓主唱），因为大量成员的加入，逐步开始庸俗化(电吉他大厂Fender的产能1964年一下子扩大了三倍，因为自从Beatles上了Ed Sullivan的电视节目后，每个美国年轻人都得要把电吉他)，因而催生了80年代的庞克，他们不要Jimmy Page或Jimi Hendrix出神入化的吉他吟唱，而更强调直截了当的情感吐露与社会抗议，最好直接到把乐器当场摔碎；但正如所有艺术形式一样，当B咖和C咖一齐近来搅和，庞克就得必须被更酷、更本真(authentic)的音乐风格淘汰。
8、90年代交错之际，「后摇滚」诞生了:: 好吧，既然有人声就免不了矫情，那就更纯粹点，回到基本的乐器声音就好；再者，既然每首曲子三、四分钟已成单曲唱片的常态，象徵着乐手屈从工业标准(以便电台播放，从而进军排行榜)、泯灭良心，那么就来个十分钟或以上的海枯石烂，重新抓回创作主导权；更重要的是，乐手愈来愈「感冒」买他们唱片且对副歌还朗朗上口的歌迷，因为「大众」(the mass)不断要求他们重回过去，而天杀的－－那正是艺术家想杀死的第一批灵魂。摆脱「大合唱」的后摇滚，在音乐形式上更接近古典世界的奏鸣曲，它更要求听者运用知性、感性的交相错位与自我控制，解开布局以获得更巨大的聆听快感，有西方乐评说: 聆听后摇滚漫长的飘摇乐音，有如淋着从细密到磅礡的黑色之雨；然而，这样的譬喻，不也暗示着工业体制裡更巨大的绝望，反抗再无可能，惟美学得以救赎。
换个说法: 后摇滚让摇滚乐「变抽象了」，乐迷没有歌词和人声这种肉感的媒材来辅助，必须自己透过声音的感受（旋律、节奏、音色、和声）来想像音乐所对应的生命世界，这过程与企图类似当年马勒与华格纳面对工业社会的那般心境，只是乐器换成电吉他与电贝斯，而鼓手不再是龙套而变成了诗人。
台湾没有西方摇滚乐的发展历程，本土乐团同时面对西方各种风格的冲击与洗礼，各自咀嚼生命经验，发而为创作。此际，如何辨别浮光掠影，双脚能直朗朗地踩穿流沙站牢台湾土地，而又能摆脱大众的魅惑与陈腔滥调(它们可是比摩天大楼的玻璃更油亮)，本身就是一件英雄事业。 孤独、黑暗、迷惘？是的，你该搭上甜梅号，台湾这个时代的齐柏林飞船。

「It's wild wild world 你要乖乖的活着」
在走了这样远的路之后，让一切回归到生命的最简单。
在世界这样的不可理喻之后，
内心每每升起的—
奇痒无比的骚动。
年轻的时候，我们总习惯抓着记忆不放，在反覆的推敲里找着生命的线索；
而当人生的故事越走越长，我们需要的反而是一次又一次的掏空、淨化，就如同岁月对我们做的。
时间总让我们边走边丢失一些东西，当身体轻了，回忆唤醒了，才渐渐明白失去的那些最真实的意义，
留得在身边的每刻当下，对简单的渴望也就越来越清晰。
来一帖小清新吧，说穿了，小清新，就是返回纯真的神奇药膏。