Yo-Yo Ma and long-time friend and musical partner Emanuel Ax reunite for Hope Amid Tears, a new recording of Beethoven’s complete works for cello and piano, on Sony Classical. Hope Amid Tears presents Beethoven’s five sonatas for cello and piano in the order in which they were composed, tracing an important arc in Beethoven’s development and approach as a composer. Joining them are Beethoven’s three sets of variations for cello and piano. “When we look to music to give us hope for the future, to believe that we can survive and to do good, it is invariably to Beethoven’s,” says Ax. “His mastery of musical craft was second to none, of course, but it is his indomitable spirit in the face of personal tragedy that makes him unique. In this period of world-wide unease, grief, and suffering, it is perhaps fitting that we are also celebrating the 250th birthday of the composer who represents what is best in our humanity.” Ma and Ax have made music together for more than 40 years, recording dozens of albums, earning five Grammy Awards, and performing on stages all over the world. Their friendship is not only rooted in a deep love of music, but also a shared sense of humor and keen perspectives on life’s joys and challenges. Hope Amid Tears is their second recording of the complete Beethoven cello sonatas, after a 1987 effort that earned the duo their second Grammy.

马友友与丝绸之路合奏团最新专辑《歌咏乡愁》将由索尼音乐于今日发行！该专辑是配合着音乐纪录片《异域弦歌：马友友与丝绸之路合奏团》而发行的音乐原声带。影片由奥斯卡、艾美奖导演摩根·纳维尔（Morgan Neville）执导，讲述了乐团以及丝绸之路计划的故事。

在这张CD里，女中音Frederica von State只唱了二首歌，其中一首是「妈妈教我的歌」。但是，就这二首歌就足以让她入选。短短的二首歌，但是她表现出圆润甜美与厚实的嗓音却让人赞赏再三。除了女主角之外，这张CD的其它节目也是所有女中音演唱CD所没有的。您同时还可以听到帕尔曼、马友友、Rudolf Firkusny以及小泽征尔指挥波士顿交响乐团的精彩演出。这张是1993年12月16日在布拉格史麦塔纳厅所录下的，全部都是德弗札克的作品。没想到在这个厅里所录下的音质会这么的优美，我建议所有古典乐迷都要买一张.——摘自《刘汉盛榜单100碟》

国际顶尖的旅美华裔大提琴家马友友(Yo-Yo Ma)，从他广泛而多元的音乐事业，不难理解其不断寻求与听从不同的对话方式，以及对个人的艺术成长求新求变的态度。无论是演奏新乐曲或大家耳熟能详的曲目、和好友一同演出室內乐、与年轻的音乐家及听众接角、探索西方古典传统外的文化及音乐型式，马友友努力从中找寻能激发想像力的元素。
马友友紧凑的音乐会行程，包括与全球知名乐团协奏演出、个人独奏会及室內乐等。与不同的演奏家合作都能为他带来不同灵感，合作过的音乐家包括艾克斯、巴伦波因、爱森巴哈、潘蜜拉-法兰克、柯汉(Jeffrey Kahane)、Young Uck Kim、拉雷多、巴比-麦菲林、艾格-梅耶、摩里斯(Mark Morris)、欧康纳、彼德-塞尔金、史坦、史托兹曼、史塔特(Kathryn Stott)等。藉著与音乐家之间的互动，超越单一音乐风格的界限。他最大的目标就是将音乐化为一沟通的语言，跨越世界不同种族，拉进人与人之意距离。为达成此目的，他更投身研究国乐、中国传统乐器、非洲卡拉哈利的丛林音乐等。
1997年，马友友费时多年完成一项将巴哈无伴奏大提琴组曲结合多种表演艺术的创新诠释。內容不仅包含他本人在世界各地音乐会演出、巴哈无伴奏大提琴组曲重新录音，更重要的是以“巴哈灵感”为题的內涵。演出共分成六部影片(六部组曲各一)，以巴哈的音乐为出发点，再各自与马友友所激发的灵感结合，和不同领域的艺术家(包括花式滑冰好手托薇儿与狄恩、花园设计师梅瑟维、导演伊果杨和吉拉德)创造出新风貌的巴哈。影片在“公共电视台”及全球各大电视网播出，获奖无数，包括两项艾美奖、加拿大双子星奖16项提名及许多国际影展大奖，由新力古典发行录影带。
为发展大提琴演奏曲目，马友友时常演奏20世纪较不为人知的大提琴曲，许多现代作曲家皆为他量身订做新乐曲。曾为多位作曲家的新作首演，其中包括艾伯特(Stephen Albert)、丹尼波尔(Richard Danielpour)、哈比森(John Harbison)、柯希纳(Leon Kirchner)、李伯森(Peter Lieberson)、卢塞(Christopher Rouse)、盛宗亮、谭盾、约翰-威廉斯等。这些不仅是为他而写的作品，马友友在作曲家的创作过程也扮演重要角色。
马友友为新力古典的专属音乐家，录制过近75张专辑风格不一(曾获14次葛莱美奖)，显示他的音乐兴趣层面之广。除了古典音乐的大提琴曲目，他也录制许多由他首演的新作品及专为他所写的乐曲。此外，他多项跨界的录音如与巴比-麦菲林合作的“天籁”、与麦尔和欧康诺合作的“民歌的马友友-阿帕拉契圆舞曲”、演出皮亚左拉作品的“探戈灵魂”等，皆受到广大听众的喜爱。2000年春将计划发行“阿帕拉契圆舞曲”的续篇“阿帕拉契之旅”。其最新录音发行 “繁花似锦巴洛克”，收录重新编曲后的巴哈咏叹调、包凯利尼的协奏曲等，并由库普曼指挥阿姆斯特丹巴洛克管统乐团担任管统乐演奏(马友友的史特拉第瓦里大提琴为巴洛克時代乐器)，另外一张“Solo”则收录柯大宜、大卫-怀德、齐尔品、盛宗亮等人作品，还包括新编曲独奏版的欧康诺“阿帕拉契圆舞曲”，整张专辑以无伴奏演出，做为他另一项“丝路”计划的前奏曲，当中以不同文化的角度，表现漂泊与紮根、创新与传统等不同主题。尽管马友友横跨多种音乐领域，他仍保持古典音乐最畅销音乐家地位，新专辑一发行便立刻打进“告示牌”古典音乐畅销名盘，并能在前15名维持很长一段时间，甚至有四张专辑同时在榜上的記录。
这张专辑是Sony公司发行的纪念专辑。

《马友友：印象精选辑》马友友说：“我理想中的音乐厅应该在演奏台和观众席之间不设界限，这样音乐厅的气氛会更加亲切。”这一愿望表明这个艺术家将音乐单纯地视作一种和人们沟通的理想方式。任何听过他现场演奏斯特拉迪瓦里大提琴的人都知道，从第一个音符开始，马友友就能用他那不凡的魅力和高超的技巧与听众进行视觉和听觉的交流。马友友，这个有着中国血统在巴黎出生的美国人能够超越音乐的界限，在古典与爵士之间轻松驾驭一切。他总是和最最优秀的演奏家一起演奏，并已录制了大提琴协奏曲的全部主要曲目，专辑总数达90张之多。马友友同样是室内乐的热情诠释者。伊扎克·帕尔曼、吉顿·克莱默、伊曼纽尔·艾克斯和艾萨克·斯特这样大名鼎鼎的人物都是他的密友。除了参与这些大师“峰会”，马友友还经常超越既定演奏曲目的范围，尝试各种音乐创新。凭借饱满的音色和华丽的运弓技巧，为约翰·威廉姆斯、埃尼奥·莫里康内录制了电影配乐，并与早期音乐专家唐·库普曼联手修复巴赫和维瓦尔第的原声；他与阿根廷探戈之王阿斯特·皮亚佐拉见面；前往富庶之乡那什维尔；和温顿·马沙利斯、戴夫·布鲁贝克，特别是声音特技大师鲍比·麦菲林这样的大师在一起工作。他和鲍比演奏的二重奏甚至登上了1992年全美古典音乐排行榜的第一的位置。1998年至今，他一直从事着一件众多人参与的令人注目的工作“传奇丝路之旅”，他和一些音乐家、艺术家、民族音乐学家一起从地中海东部出发一直到中国，为了复兴丝绸之路上的古代音乐而努力。

运动而非停滞，充满好奇而非循规蹈矩，这就是这个享誉世界的音乐家的品质和特点。他相信“不仅表达喜悦的方式有很多，铸就和平的方式也有很多”。马友友因致力于世界和平进程的模范行为而被赠予了许多终极荣誉。2006年，他被联合国授予了“和平大使”最高荣誉奖项。这自然不是这位大提琴家所获得的唯一奖项，他已经获得了不下15项格莱美大奖，并拥有多项荣誉博士学位。

如果说斯德哥尔摩的诺贝尔委员会决定要把诺贝尔和平奖颁给一名音乐家的话，那么的的确确只能有一名候选人：他就是马友友。

精选马友友三十年的畅销经典曲目，悉心规划囊括跨界集锦与古典经典。

CD 1
01 海顿：为大提琴和管弦乐团所作的D大调第二号协奏曲 第三乐章：快板
02 巴赫：G大调第一号无伴奏大提琴组曲 第一乐章：前奏
03 克莱斯勒：爱之忧伤
04 巴赫D大调第三号组曲，G弦上的咏叹调
05 舒伯特：A 小调奏鸣曲（钢琴和大提琴） 第一乐章：适中的快板
06 巴赫：清唱剧赞美诗“耶稣，世人期待的喜悦”
07 维瓦尔第：四季之“冬”第二乐章 广板
08 勃拉姆斯：F大调奏鸣曲（大提琴和钢琴）作品99 非常快的快板
09 圣桑：动物狂欢节（室内乐版本） 天鹅
10 舒伯特：A大调鳟鱼五重奏（钢琴和弦乐器）主题和变奏：小行板
11 舒曼：A 小调协奏曲 （大提琴和钢琴）作品129号 第三乐章 极快而生机勃勃

CD 2
01 皮亚佐拉：自由的探戈
02 夏尔·古诺& 巴赫：圣母颂
03 迪尔莉&艾伯特：触摸爱之手
04 埃尼奥·莫里康内：《好家伙 坏家伙和丑家伙》主题曲
05 罗杰·凯勒威：《战火浮生》——我生活中的爱
06 埃尼奥·莫里康内：《战火浮生》——嘉百里的笛声
07 艾德加·梅耶：第一印象
08 间宫芳生：五首民歌之第三首
09 埃尼奥·莫里康内：哈利法女士之晚餐
10 帕奎多德里维拉&古斯塔夫·塔维勒斯：Wapango一种非洲墨西哥舞蹈
11 戴夫·布鲁贝克改编：给这个世界欢乐
12 谭盾：《卧虎藏龙》之永恒的誓言

发行日期：2011年6月10日

由马友友演奏的专辑《探戈灵魂》是由阿根廷著名作曲家阿斯托皮亚左拉（Astor Piazzolla 1921-1992）所作。专辑的制作人是阿根廷享誉盛名的奥斯卡卡斯特罗那维斯（Oscar Castro-Neves）。这张专辑共有十一个曲目，全为阿斯托皮亚左拉所创作。皮亚左拉这位在法国受到正规作曲法训练的阿根廷作曲家，最终选择了将探戈作为自己的创作源泉和生命。是他赋予了探戈新的生命力。
虽然马友友录制了上百张CD, 这张专辑仍是他最喜爱的专辑之一。正如他所说：“皮亚左拉的探戈完全不同于你以往所听到的探戈。我最大的遗憾就是没能见到皮亚左拉本人。” 在马友友录制这张唱片时，皮亚左拉已经离开人世。所幸的是马友友和皮亚左拉生前的好友及工作伙伴一起演奏并录制了这张唱片。

马友友在过去三年中，无论是电影音乐唱片还是古典音乐唱片，都在北美创下优异销量成绩。每张销量都超过十万张。他近年销量最好的一张专辑是两年前发行的“丝绸之路传奇”，共销售16.3万张。2004年，他发行的“Yo-Yo Ma Plays Ennio Morri-cone”和“Vivaldi's Cello”两张专辑也分别有13万张左右的销量。在2003年以前他的最好成绩是名为“Obrigado Brazil”的专辑，迄今共售出35万张。
曾获十五项格林美音乐大奖的大提琴家马友友，终於发表两年来的首张古典音乐唱片《Appassionato》。在新碟中他演绎了韦华特、George Gershwin和John Williams等不同年代的浪漫之作，又与John Williams，Emanuel Ax，Jeffrey Kahane，Edgar Meyer和Mark O’Connor等著名乐手合作。他更为此碟重新灌录了丝绸之路系列的《燕子》。

【马友友的电影琴缘】专辑中，颜尼欧·莫利克奈重新为「海上钢琴师」、「新天堂乐园」、「教会」、「四海兄弟」、「真爱伴我行」、「黄昏三镖客」、「铁面无私」、「越战创伤」、「狂沙十万里」、[嘉莉珐夫人]、[摩西传]、[马可波罗]这些跨越半世纪的电影音乐创作重新编排全新的管弦乐编曲，莫利克奈保留了原乐章的结构，同时为马友友的大提琴编排乐章情绪的切入点，让马友友跟他的大提琴有最精彩的挥洒与表达的空间。而马友友在演绎过程中，一再地赞叹这些旋律带给他的震撼与内心的非凡感动，在这样的心情下，马友友捕捉莫利克奈旋律的情感，不但与旋律本身演出精采的对位，更释放出如慕如诉戏味十足的琴音，无论是「教会」里那种哀莫大于心死的慨叹，还是「黄昏三镖客」中紧绷的江湖霸气，我们彷佛又笼罩在莫利克奈那种揉合意大利豪迈情怀与前卫音乐的创作思维的空间，并再次体验到电影音乐捕捉影像灵魂的精髓。而大提琴音特有的音色，更为每首曲子增添了深入内心的浪漫伤怀。

这个前所未有的梦幻合作，由莫利克奈为马友友亲自指挥罗马交响乐团伴奏演出。莫利克奈盛赞，马友友为大提琴与管弦乐之间创造了一份情同手足的深刻情谊，而这些乐章在大提琴演奏下，更是依然保有每一部电影原来的情境气氛。在与颜尼欧莫利克奈合作过后，马友友以简单诚挚的话语赞美这位传奇的配乐大师--「对我来说，你就是一位伟大的音乐家。」

Sony Classical is proud to announce the release of Yo-Yo Ma's new album Six Evolutions Bach Cello Suites, his third and final recording of these works. Bach and his Cellos Suites entered Yo-Yo Ma s life when he was four, when he learned the first measure of the Prélude to Suite No. 1 under his father s instruction. Ma has never lost his initial fascination. "Bach's Cello Suites have been my constant musical companions," Ma writes of the music. "For almost six decades, they have given me sustenance, comfort and joy during times of stress, celebration and loss. What power does this music possess that even today, after three hundred years, it continues to help us navigate through troubled times?" Ma is more convinced than ever of the suites ability to create shared meaning that extends far beyond the here and now. The suites collective vision at once divergent and coherent, empathic and objective reminds us of all that connects us despite an increasingly discordant public conversation. The August release of Six Evolutions also signals the beginning of a two-year, six-continent journey in which Yo-Yo Ma will devote himself to Bach s music, playing all six Cello Suites in a single setting in familiar and unlikely locations. Six Evolutions Bach: Cello Suites will not only offer an essential encapsulation of what this music means now to one of the world's most celebrated artists, it begins a new chapter in the cellist's 58-year relationship with this music.

意大利国宝级配乐大师Ennio Morricone是当代最受欢迎与备受敬重的电影音乐家。四十多年来，与他合作过的导演都是当代最知名的大师级人物，由他创作的电影、电视音乐作品超过500部，风格跨越爵士、流行、前卫、古典及最著名的意大利西部片风格。他的音乐创作让他五度入围奥斯卡最佳电影原创音乐提名，同时也为他赢得无数的奖座，包括2座金球奖、1座葛莱美奖、5座英国电影学院奖、6座意大利电影奖、8座意大利国家影评学会奖。
在2001年的奥斯卡颁奖典礼中，上台演奏奥斯卡得奖音乐作品《卧虎藏龙》的马友友遇见了以《Malena(真爱伴我行)》配乐入围的Ennio Morricone。这次会面给了Ennio Morricone将自己的电影配乐谱成与电影乐章共舞的大提琴作品的灵感，这才成就了这张专辑。当Ennio Morricone最具情感的浪漫电影音乐与马友友充满生命悸动的大提琴偶然邂逅，两位不同领域的音乐人对音乐的深厚情感立刻迸发出绚丽的火花。
在这张让两人的合作永生难忘的专辑中，Ennio Morricone对《The Legend Of 1900(海上钢琴师)》、《Nuovo Cinema Paradiso(新天堂乐园)》、《The Mission(教会)》、《Once Upon A Time In America(美国往事)》、《Malena真爱伴我行》、《The Good, The Bad and The Ugly(黄昏三镖客)》、《The Untoucbables(铁面无私》、《Casualties of Way(越战创伤)》、《Once Upon A Time In the West(狂沙十万里)》、《The Lady Caliph嘉莉珐夫人》、《Moses(摩西传)》、《Marco Polo(马可波罗)》这些跨度达半个世纪的电影音乐作品进行了重新编排，保留了原乐章的结构，同时为马友友的大提琴设置了最佳的乐章切入点，让马友友跟他的大提琴有最精彩的挥洒与表达的空间。而马友友在演绎过程中，一再赞叹这些旋律给他的内心带来的感动与震撼，对作品的共鸣加上对音乐非凡的理解能力使他能够释放出如泣如诉，戏味十足的琴音，与旋律本身演出精彩的对话。无论是《The Mission》里那种哀莫大于心死的慨叹，还是《The Good, The Bad and The Ugly》中纵横江湖的霸气，使我们再次体验到电影音乐捕捉影像灵魂的精髓。而大提琴特有的音色，更为每首曲子增添了深入内心的浪漫情怀。录制本张专辑时，Ennio Morricone亲自指挥罗马交响乐团为马友友伴奏，并盛赞马友友为大提琴与管弦乐之间创造了一份情同手足的深刻情谊，而这些乐章在大提琴演奏下，更加熠熠生辉。在与Ennio Morricone合作过后，马友友以简单诚挚的话语赞美这位传奇的配乐大师道："对我来说，你就是一位伟大的音乐家。
前所未有的梦幻合作，如果您喜欢古典音乐或是电影原声的忠实听众，您又怎能错过！

专辑介绍：

如果说巴赫和他的音乐即是宇宙现象本身，那么他（它）们便不仅仅是地基而是整座大厦，便不仅仅是骨骼而是整个血肉之躯，而何况他（它）更是本质，更是灵魂？肉体与灵魂，精神与物质，内涵与形式，理智与情感甚至人与音乐，难道是可以拆开来分析的吗？这些事物均衡而有机地构成了巴赫的音乐生命，它与宇宙同构。

人们只能把握有形之物的大小差异，“这棵树多大！这块石多大！”；却少有人会说：“这天多大！这地多大！”因为天地即是大的本身，它完全在“我们”的范围之外，却宽怀仁厚，绰绰有余地包容和孕育着人类，人要做到，只有无私无畏，无欲无求者才能成功，那么巴赫做得到吗？

他生于一个音乐家族，是个虔诚的教徒，一生以“为上帝传声”为业，但一个人很难一生都为一个崇高的目的作曲，他子女众多，有时为了糊口，有时则是王宫贵胄之命，他生活困顿，但未至潦倒。他抄写过无数乐谱，但并未读万卷书，虽有游历，却非行万里路。这份履历与许多前辈后生比起来，实在小儿科，但他写出了伟大的作品且为数众多。很难说明他的胸怀何以广大，这背后是个怎样的迷？也许我们永远只能部分地解答，我相信他的内心始终是纯净的，一个有稳固的精神信仰，对生活没有过分欲求和野心的人才配有这种博大、从容和平静，能让神栖居于人的心灵，才会变得高尚。在巴赫那里上帝与理性是同义词，剩下的，便只有用天才去解释了。

如果不是卡萨尔斯的偶然发现，这套无伴奏大提琴组曲便永远在尘封之下了，正当年少的卡氏在买得一只新琴后搜遍城中乐谱店，以期找到可供大提琴演奏的谱子，果然被他在一铺子的箱底觅得这套稀世珍品，那些愿意聆听宇宙之声的人有福了。自然，卡氏对这套伟大作品的发掘研究，对巴赫，对大提琴演奏史都有着非同寻常的意义，这是巴赫为数众多的作品中最具“元素”性质的巨作之一，结构严谨、精密，高度理性又平易近人，内涵深刻又时时洋溢着情感的光辉，是音乐史上难得的具有理念的高度，情感的深度，技巧的难度和接受的广度的杰作。它被称作大提琴的“旧约圣经”，是演奏家技术与修养的试金石，而从作品的总谱上，更显示出巴赫对大提琴演奏技巧的创造性和预见性。

列举一些录音版本不是要辨是非，因为艺术本身没有对错，但演奏者的境界，水平确有高低之分，唱片录音制作也有优劣之别，这是客观存在的。一部作品的伟大往往是从比较中凸现的，巴赫之伟大，就在于其作品可以从无数个角度出入。中国的古琴曲谱，只有具体的指法，音乐是抽象的，靠演绎者之感想及修养而成形，巴赫的乐谱则只有音符，没有感情和速度标记，更谈不上弓法、指法，只有到了演绎者手上才变作具体的音乐。不断地以不同的方式比较，有助于深入地了解、理解作品。我之所以要强调这点，是有感于后现代主义文化之所谓“多元并存”，它在使艺术民主化的同时也模糊了艺术的标准与界限，使混水摸鱼成为易事，也让商业炒作觅到更多机会，所以比较是有意义的。

可能有人会问。既然乐谱没有明确的指示，而每位演奏者的理解又不同，标准该如何而定呢？我想，均衡应是聆赏这部作品的关键。它适于作品中一切的对比因素而又以速度和节奏为甚。曾有人问阿沃．帕特（当代爱沙尼亚作曲家，以写作圣咏、颂赞等宗教作品著称）当以什么速度演奏其作品时曰：“心跳的速度！”这个回答完全可用在巴赫的作品上。人皆能自然地呼吸，而艺术与生命同构，当你放下成见、偏见，放下惯性、惰性，放下头脑中一切的知见障碍，回复到最自然的身心状态，你会找到最合情理，最贴切的速度和节奏的。至于对作品的理解不同而对乐句乐段作不同的快慢处理并不影响它们之间过渡、衔接的自然妥帖和均衡。同样，音色的处理也不例外，但我并不相信存在一种绝对的巴洛克音色。因各人所用的琴和技法及录音方式各异，所以无须强求一律。作品的结构有极周密的内在逻辑性。如何把握乃见仁见智，不过从中可见演绎者的心胸与气局之大小。大处着眼，小处着手应是正道。

卡萨尔斯的演绎具有开拓性意义，如果说卡氏是大提琴演奏技术从传统向现代过渡的关键人物，那么这种关键性则更多地体现在这套组曲上。卡氏的录音版本（EMI）无疑最具经典性和文献价值。从少年时代发现乐谱至中年才首演，足证其研习之深入及对艺术之负责。不过它作为一个爱乐者必备的版本却并非完美无缺。尽管卡氏的技巧和修养在他那一辈名家中已属一、二之选，然而与后起一代相比，显得瑕疵稍多，音色、乐句的转换衔接无法做到不着痕迹。与后人普遍全面、干净凌厉的技巧相比，确乎稍逊。而且该版本录音太早，音效之差让人难以卒听。尽管其精神上的意义无可比拟，但我将不把它放在版本比较的序列之中，而是把它当作一个文化“孤本”看待。而皮亚蒂科夫斯基和富尔曼的录音我未曾听过，所以不能评论。

法国大提琴学派为巴赫这套组曲的贡献无疑是巨大的。富尼埃、托特利耶、詹德隆、纳瓦拉并称“四骑士”，皆录有质量至高的全曲版本。托氏先后有两套，富氏则有三套之多，且尤以他的Archiv版本最受欢迎，他的速度舒缓，节奏把握恰到好处，几乎是所有版本中最为合理妥帖者。音色温厚，内涵深刻，情感流露自然，这个演奏如娓娓道来而又虚怀若谷，并不以表现自我为目的却自有个性，且拥有一种浓烈的慈父性格，恰与巴赫人格与作品特有之父性相契合。且录音优良，确实是首选版本。托特利耶（EMI）是卡萨尔斯的学生，直接秉承了卡氏风格中强劲的一面，稍硬的音色和明晰的结构感总让人觉得他象个德国而非法国的演奏家。虽然托氏极重节奏，并在演奏中刻意加强了重音，但布局和乐句之间的衔接还是稍有生硬和不自然之处，似乎稍欠些思虑。六十年代是托氏盛期，所录版本比八十年代版在技巧上更为流畅，晚年的版本多了些随意性。詹德隆要不是早逝，成就当不止于此。他的演奏(Philips)风格唯美，深具法国式的轻灵、典雅与柔和，很有沙龙味。演奏技巧也颇高，较重细节，不过在思想上稍欠深刻。纳瓦拉在晚年所录的版本(Calliope)确是一份令人惊喜的厚礼。这位录音不多而一直被人忽略的大师带来了一个几近胜境的演绎，平朴、恬静、优雅、自然。所谓人到无求品自高，这个完全褪去功利色彩而直见心性的演奏，轻松得像是在自家庭院拉给自己听的，但它绝对不缺乏深度。听他的演奏，很容易想起一个词：play！尽管人至晚年，技巧稍有不稳，个别难度乐句已有明显的音准问题。但无损格调，堪称逸品。值得一提的是他的独特发音，音色与别不同，一听便知，很是有趣。此版获法国“黄金音叉奖”，实至名归。我曾见一帧纳瓦拉早年拉琴照片，嘴里叼着长烟嘴，一派贵族风范，悠闲得很，又高傲得很。那副风骨与派头，恰恰是那一代西欧乐人的最佳写照，这种由内而外的信心与气度，至当今一辈，少见了。

二十世纪的大提琴领域无法绕过两个人物，一个是史塔克，一个是罗斯特洛波维奇。两位“王者”皆对巴赫组曲倾注了大量的心血。史氏先后录有五套之多(较常见的是EMI,Mecury,RCA的 版本)，处理手法稍有差异，只是一套比一套成熟老辣，大师却道前两套只是顾及结构与技巧，最后一套才敢把感情放开。此番话语竟出自一位拥有无坚不摧的演奏技巧的“大提琴之王”之口，实属难能，从这一点可见巴赫作品之高难，同时也让我们领略到一位艺术家谦恭，严谨的品格和对作品精益求精的艺术态度。 EMI一套录于五十年代末，为单声道录音，Mecury一套录于六十年代初，在这个“发烧”级的录音里，让我们见识了史氏辉煌的演奏技巧：音准丝毫不差，运弓滴水不漏，难得的是首尾一贯无一松懈，真有钢腕铁指才能做到，史氏的技巧应是所有版本中把握最为稳定的。然而更重要的是，史氏的处理布局宏伟，结构坚固，声部和线条清晰而连贯，音色集中几乎无半点渣滓，速度快慢得宜，节奏精准。有人说史氏之风格“呆板”，情感上较“冷”，如果此说用于史氏所演奏的浪漫主义作品而尚可成立的话，那么在巴赫的作品上就不对了。以史氏之性情，拉巴赫最适合不过，从他三套录音中，我们可以通过清泠而遒劲的琴音感受到演奏家那股内敛而含蓄的情感。尤其在九十年代录的RCA版中，音色更浓郁醇厚，情感更深沉广阔。技术上更无半点衰退，实在是巴赫组曲录音中的大手笔。与之相反，罗斯特洛波维奇一向以热情著称，这位撼不倒，打不死并敢于向一切难度挑战的艺术英雄，过了花甲之年才“鼓起勇气去灌录巴赫的所有组曲”（罗氏语），可见其对作品的重视程度。然而一代宗师倾注半生经验所录的全曲版本却不尽人意。老罗的诠释是浪漫化的，切入的角度独特，在观念上言之成理。六组曲子，六种格局，六种意境，各自独立又环环相扣成一整体，光，哀伤，辉煌，庄严，黑暗，黎明，仿佛人类生命的历程，蕴含着思想境界上的递进和升华，像一部伟大的精神史，在一篇论文及一套影片中，罗氏对此乃至方法与技术的运用皆有周详和令人信服的阐述。问题是观点毕竟限于语言和文字，听罗氏的演奏却无法体现如此庞大的气局。把六组乐曲作如斯设计是否过于刻意姑且不论，也不说斯拉夫民族是否不适于演绎这种作品。单以他无甚特色的发音，稍显松懈的运弓，力不从心的乐句转换，过于平白的过渡句，其技巧之衰退迹象已经显现，自然无法展示出作品深厚的人文内涵，以“原初之光”为题旨的第一组曲苍白而缺乏吸引力，最能体现罗氏深厚情怀的第二组曲已失却往昔风采（罗氏曾多次在公开场合尤其是葬礼上演奏此曲），第三组曲体现不出应有的技巧高度。罗氏自己寄予重望的第六组曲虽有特色但欠缺说服力和完整性。在这个录音中，罗氏好像失去了往昔的魄力和神采，对于作品的想法已无法通过演奏而自圆其说了。《企鹅指南》给予的三星带花荣衔似乎无法体现其公正性。麦斯基是爱沙尼亚人，但作为罗氏高足，传承上应算苏俄弟子。很难设想一个象他老师一样承受过身心苦难的人竟形成了这样古怪的艺术面貌。他既没有在重重铁幕的围困中铸造出内在的反抗精神，也没有因想脱离尘世纷争而显示出的豁达和超然。如果说罗老师的豪迈与激越偶然会稍有过火的话。那么麦氏则把这一风格带离了正面而滑向畸变——生硬，造作，偏激。恕我不敬，如果这种略带病态的狂野用在斯拉夫音乐中尚勉强可行的话，那么这放在巴赫的作品中实在是灾难。麦氏的第二次录音(DG)之矫揉造作比之第一次实在有过之而无不及，莫名其妙的分句，突兀的速度和节奏，毫无理据的结构布局，使整部作品显得油头粉面，扭捏作态。个别乐句实有肉麻之感，千万人演奏巴赫便会有千万个巴赫，这正显示出巴赫作品的伟大和包容性。但这并不等于说这些被包容的小巴赫都是好巴赫。并不等于说所有不同的演绎都在同一个水平上。艺术个性，只嫌少，不嫌多。艺术创新，理当鼓励褒扬。但必须知道，并非所有创新都是成功的。路有千万条，但罗马只有一个，搞艺术，从心所欲固然好，但要做到不逾矩，则难了。这个“矩”，即是标准，即是界限，即是规律，把自然随意变成了漫无节制，受损的是艺术和艺术家自己。客观地讲，麦氏的版本并非没有优点，强烈的力度对比，浓烈而多变的音色几近魔幻，只是其任性违反了演绎巴赫作品必须要自然的客观规律，变得像个坏小孩了。

德国似乎并不盛产弦乐演奏家，多年来活跃于国际琴坛的大提琴家好像就席夫一人，也许冷静理智地德意志人不适合这种富于感情和歌唱性的乐器。席夫的演绎风格正是日耳曼气质的最好体现“坚实、强劲、自信、肯定。精于钻研，理性精神无孔不入。逻辑性条理性贯穿了整部作品，席夫所写论文认为演绎巴赫不应带一丝情感，这观点我并不同意，也正基于此点，席夫的境界便要稍低一筹。任其高超的技术和整体性使这缺陷多少得到了弥补，音色较硬，分句很细，很干净，声部清楚、风格冷峻，无懈可击，但面无表情，不动声色。没有灵感的溢出，也无法牵起一丝遐想，像一枚被榨干汁液的坚果，少了些味道。

有悠久历史文化的民族和地域总有些人瞧不起美国文化。但友友确实是匹好马——谦虚笃实，温厚和善，风格明快清朗，流丽而婉转。所谓秀外慧中是也。如果不是影碟《来自巴赫的灵感》的商业意味减低了它的艺术格调，马氏所录的版本(Sony)价值会更高。他技巧娴熟，音色柔和，节奏灵活，演绎中肯又处处洋溢出热情的光彩。第一组曲前奏曲一开篇便觉朝霞闪现，波光粼粼，令人遐想。难得乐谱早已烂熟于心却毫无老气，可谓游刃有余。有意思的是他的演奏带着很强的表演性和即兴性，从头到尾都很新鲜。但缺点也在于此，由于过度的兴奋，乐曲演奏一直处于高亢的状态，滑音用得太多，欠了些沉实，结构不牢并几度有溃散之意。这位在美国成长的华人自然带着一种美国特质：几乎是与生俱来的优越感和游戏感，似乎一切都那么轻松。想来马氏驰骋乐坛十数年，春风得意马蹄轻。那套影片便是这种状态的反映，它并没有太大的艺术价值，而只是凸现了美国文化的浅薄的一面，当然也表明了马友友是个爱玩的大孩子。巴赫的源头毕竟在欧洲，马氏的演绎并非根生只是枝叶繁茂的影像而已（尽管它非常好听）。

白马过隙，黑马而立。贝斯马的两个版本(RCA, Sony)是对乐器、乐谱、乐理作了深入研究和考证后得出的一枚果实，难得的是找不到一丝陈腐的学究气息，不仅清新可人，且令人回味良久。手法简练概括，速度快慢得宜、节奏、音色、力度都做得那么合适和贴切。经其考证，第六组曲当是写给五弦高音大提琴(cello picolo)所用的，所以他的版本的第六组曲使用了这种古老的乐器，音色超拔，格调明快。这是个容易被人忽略但艺术价值奇其高的版本。更不能忽略的是，它是近年西方乐坛掀起的“本真”运动的先声。这一复古又非古的风气波及甚广，已成时尚，后生一代的演奏家都不免受些影响。与贝氏一样在第六组曲使用高音大提琴的版本我还有两个。如果说蒙尼盖第的版本(DUX)因不得要领，节奏显得拖沓迟滞，发音疲软而乏善可陈的话，那么威斯普尔维的版本则值得大书特书(channel classics)，威氏是欧洲近年涌现的大提琴新秀，却没有“新新人类”浮躁和花哨。尽管他的个人气质还不是很强，境界还不能和前辈们相比，但其平静而朴素的风格却很能触动人。他的演绎规模不大，但气度却不小，理路清晰而透明，音色清丽，如珠如玉，速度、节奏流畅舒缓，分句很有特点，没有故作的深刻，也没有炫耀技巧。在情调上很巴洛克又很现代。他并没有站在时尚的对立面，却做到了随流而不俗，还有几分可爱的书卷气，殊为不易。属于“本真”演奏的版本，还有基斯包姆的版本(Virgin)，演奏流露了一份难得的“平常心”、细腻、亲切、平易，格调颇高。

除全集录音外，选曲录音也为我们留下了数量可观的优秀版本，如杜普蕾(EMI),谢夫兰(yedang)、迪敏加(ECM)，其中最有趣的是迈那迪在１９５７年的实况录音(orfeo)，斯人技巧已衰退至无技巧可言，干、硬、涩的发音也谈不上什么音色、走音，跑调，速度慢至不能再慢，三部选曲足足用了７３分钟，老头儿还在那兴奋地边拉边唱，让人忍俊不禁。但这只以蚁的速度前行的老龟，直达本质，使我们忘记了技术和形式，也许没有谁会青睐这个版本，但我一听再听。

当然，艾格．梅耶用低音大提琴演绎的版本(sony),珀尔用竖式古大提琴(gamba)演奏的版本（HM）在展现其研究成果时，也为我们的欣赏提供了新的可能性。Philip最近发行一套今井信子以中提琴演奏的全曲版本，旨在表明中提琴的音色比之现代大提琴更接近当时的音色。演奏时少用揉音，以顺应现今之“本真”运动而向当时的演奏方式靠近。当然，要存什么观点和角度，乃见仁见智。不过以今井信子的能力和修养，似乎还未足以支撑得起巴赫作品如此宏大的气局。此版本推出的目的，也难脱其商业气味。

新的版本还会层出不穷，继续为我们提供通向巴赫的门径，这只会进一步证明巴赫的伟大。而我也会继续以搜寻这套唱片的版本为乐。唱片终会朽坏，但巴赫和他的“宇宙之声”却因为是人类精神领域里一笔真贵财富而成为永恒。

皮耶佐拉被称为“世纪探戈教父”，他杰出的创作赋予了探戈音乐崭新的生命力，使其从最初的“有低俗之嫌”的舞蹈音乐登上了大雅之堂。时至今日，探戈音乐正以其华丽而又忧郁的独特魅力吸引着全世界众多的演奏家和音乐爱好者。
在这张专辑中，着名的大提琴家马友友将拉奏多首改编自皮耶佐拉作品的探戈音乐，并与“阿萨德兄弟”吉他二重奏组、手风琴家马科尼等着名南美洲探戈音乐合奏团合作，再度引领广大乐迷进入自由、热情、迷人的探戈世界，来纪念这位伟大的探戈教父。在充满异国情调的音乐中，艺术家们精彩地诠释了探戈独特的艺术魅力。如马友友所说：“探戈这个词勾勒出了魔幻般的迷人印象：灯火朦胧的舞场，空气中弥漫的烟雾，男人怀抱中的漂亮女郎，放逐于节奏中的爱和梦想、痛苦和真实。”这正是探戈音乐的灵魂——生命的舞蹈，也正是这Billboard古典排行榜冠军大碟的魅力所在。(转美丽元素)
Editorial Reviews, Amazon.com essential recording
Yo-Yo Ma might seem like an unlikely protagonist for the tango, but this intrepid musical explorer has taken his task seriously, collaborating with experienced tango musicians. Ma even participates in a posthumous collaboration with one 1987 Piazzolla recording. Furthermore, while he's obviously the headliner here, he doesn't dominate the arrangements nearly as much as he does the billing and photography of the disc. While the result isn't your essential Piazzolla album (that would have to include more of the composer's own playing), it's an atmospheric and convincing collection, perhaps a good introduction for those who don't know the music. --Leslie Gerber

马友友首张融合了流行音乐元素的新概念专辑，为您带来丰富多样的音乐风格！
马友友与美国著名乡村摇滚巨星James Taylor、民谣歌手Alison Krauss精诚合作！

本张专辑最大的不同在于古典结合流行的音乐新概念，并且请到著名的美国乡村摇滚巨星James Taylor詹姆斯泰勒（以专辑〈沙钟〉荣获2000年第40届格莱美奖最佳流行专辑大奖）以及另一位民谣歌手Alison Krauss艾莉森克劳斯（曾与Union Station合作‘When You Say Nothing At All’一曲，后为Boyzone主唱Ronan Kitting重新诠释，并成为电影〈新娘百分百〉主题曲)共同合作演奏。

在这张《阿帕拉契之旅》专辑中，三位主要的演奏者再度共同定义了“古典音乐”的新概念，不再让古典音乐局限于巴赫、莫扎特等古典音乐家的作品，从而得以获得新的听觉体验。专辑主要的作曲者欧康诺非常敏感地在美国西部民间音乐和古典音乐之间找到平衡，为古典音乐的传统注入新的生命和节奏，让所有年轻人都可以在其中嗅到鲜明的气息。两首主打单曲“艰辛岁月不再来(Hard Times Come Again No More)”与“睡吧，我的宝贝(Slumber, My Darling)”，前者结合詹姆斯泰勒独特的嗓音，听来亲切温馨，平静动人，而后者由艾莉森克劳斯诠释，仿佛晨曦的第一道曙光，为世界带来希望。就因为这么丰富多样的音乐风格，更加展示《阿帕拉契之旅》专辑的与众不同。

【日本独自企画ベスト盤】1981年初来日より30年を迎える今年11月にコンサート来日が予定されているヨーヨー・マ。現代最高のチェリストと言われるヨーヨー・マのこれまでの軌跡がたどれる日本独自企画セレクション。代表作であるバッハの「無伴奏」から想いをこめたサラバンド（アンコール・ピースとしても演奏する機会が多い）、また一世を風靡したピアソラや最新作からも収録。共演者の顔も実に豪華（クレーメル、マゼール、マクファーリン等）で、チェリスト＝ヨーヨー・マの魅力をあらためて味わえる選曲も魅力。あたかもヨーヨー・マが親しい人を招いて演奏しているかのような「リサイタル」が楽しめる。初心者からヨーヨー・マ　ファンまで納得のベスト盤の誕生！